Verão na ULisboa 2026

Experimenta. Explora. Mergulha no teu futuro!

Experiências, jogos, visitas e workshops para mostrares o teu talento e descobrires o dia a dia num curso da ULisboa!

Na Faculdade de Belas-Artes o Verão ULisboa decorrerá entre 29 de junho a 3 de julho para os alunos que vão frequentar o 11.º ou o 12.º ou que já tenham concluído o 12º ano.

VAGAS: 22 (por ordem de inscrição)

“Descobrir a Faculdade de Belas-Artes” é uma oportunidade única para entrar no mundo das artes e design nas diversas áreas de ensino desta instituição: Pintura, Escultura, Desenho, Design de Comunicação, Design de Equipamento e Ciências da Arte e do Património, possibilitando aos interessados participar em atividades práticas e teóricas, bem como contactar com docentes e alunos, sentindo o dia-a-dia de uma escola que fervilha de criatividade, pesquisa, experimentação e conhecimento.

Nesta Escola vais encontrar professores que prepararam um plano completo de atividades (palestras, experiências, visitas) para te mostrar os conhecimentos básicos, os métodos de trabalho e as tarefas práticas, relativos aos cursos lecionados na ULisboa.

Diariamente serás acompanhado por alunos da Universidade que te ajudarão a resolver os desafios colocados, responderão às tuas dúvidas e dar-te-ão a conhecer as instalações, mostrando como é a vida universitária.

Poderás conhecer e interagir, de forma dinâmica, nos laboratórios, salas de aulas, centros de investigação, entre outros espaços.

Vais almoçar na cantina e conviver com os veteranos, conhecendo o verdadeiro espírito académico!

VERÃO ULISBOA #MERGULHANOTEUFUTURO

UMA EXPERIÊNCIA INESQUECÍVEL!

+INFO

OPEN CALL > UNTIL 28 JUNE 2026

The Escola Superior de Teatro e Cinema do Instituto Politécnico de Lisboa and the Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, through CIEBA (Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes), invite the academic community, artists and researchers to submit proposals for the II International Conference on Set & Costume Design.

Following on from its first edition, the conference aims to serve as a forum for the exchange of ideas and discussion in the field of stage design. Stage design – or scenography and costume design – is a specific field which, nevertheless, exists in close relation to the fine arts, the performing arts and architecture, amongst many other disciplines, some of which are technical. Frequently, its establishment has been through practice, and it is these creative and technical processes – heirs to a tradition of artists and masters – that we seek to contextualise in the present day, at a time when the visuality of the stage has expanded into performance design and the practice of installation.

It is important to broaden discussions on the practice, history and theory of stage design, enabling exchange across different geographical areas; but it is equally important to reflect on Portuguese practice, which is poorly documented and in need of study and archiving.

In this edition, in addition to the sections dedicated to artists and researchers, students and emerging artists are invited to participate in a section specifically dedicated to exploring and testing ideas.

Proposals addressing, amongst others, the following topics are welcome:

History and theory of set and costume design
Creative processes
Case studies
Teaching set and costume design

In the section “students and emerging artists: 1 IDEA + 1 IMAGE”, we invite collaborations of around 5 minutes, based on the presentation of an idea and an image.

1. Submission Guidelines

Proposals must be submitted in PDF format to jornadascenografiaefigurinos@gmail.com and must include:

- Title of the presentation;
- Abstract of 300 to 500 words;
- Keywords (3 to 5);
- Author’s biographical note (max. 150 words);
- Institutional affiliation and contact details.
Submissions are accepted in Portuguese, English, Spanish, French and Italian.
Oral presentations must be delivered in Portuguese or English.

2. Timetable

Submission deadline: 28 June
Notification of acceptance: 31 July

3. Publication

Please note that a selection of papers presented at the conference will be published in a conference proceedings volume.
Deadline for submission of papers: 15 December
Papers are accepted in Portuguese, English, Spanish, French and Italian, and must always include an abstract in English.

Participation in the conference implies the potential publication of the research in the proceedings. Both participation in the conference and publication are subject to peer review processes.

Organização

Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes (CIEBA)
Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa (FBA-UL)
Escola Superior de Teatro e Cinema, Politécnico de Lisboa (ESTC-IPL)

Parceiros (em actualização)

Associação Portuguesa de Cenógrafos (APCEN) / Festival Alkantara

Coordenação Geral

Fernando Rosa Dias / João Calixto / Marta Cordeiro / Paulo Morais-Alexandre / Sara Franqueira / Susana Vidal

Comissão Científica (em actualização)

Ana Mira (ESTC/ IFILNOVA)
Armando Nascimento Rosa (ESTC-CIAC)
Fernando Rosa Dias (FBAUL / CIEBA)
Helder Maia (I2ADS / ESMAE)
Isis Saz Tejero (UCLM)
João Calixto (ESTC / CIEBA)
Jorge Palinhos (CECS)
José Capela (EAAD / Lab2PT)
Marta Cordeiro (ESTC / CIEBA)
Paulo Morais-Alexandre (ESTC / CIEBA)
Sara Franqueira (ESTC / CIEBA)
Susana Vidal (ESTC / CIEBA)
Teresa Projecto (IPLuso – UL / CIEBA)
Teresa Varela (ESTC / CIEBA)

Contactos

jornadascenografiaefigurinos@gmail.com

OPEN CALL > UNTIL 26th JUNE 2026

Submission Deadlines

June 26, 2026 – Submission of the initial proposal (title, abstract, and keywords; max. 1000 characters without spaces) and link to curriculum vitae/portfolio.

October 9, 2026 – Submission of the complete text.

Send to: convocarte.belasartes@gmail.com

Manifesto for a Call for Papers: Art and Indigenous Peoples

Art. The relationship between art and indigenous peoples is not a simple one. In a programme text for the anthropology of art, Els Lagrou (2012) measured the impact of Alfred Gell’s (2018) work in the field, speaking of a love-hate relationship between art and anthropology. The conjunction ‘and’, which is employed to link the concepts of art and indigenous peoples in this particular context, functions in an adversative manner rather than an additive one. 

Indigenous peoples. This gives rise to the primary issue of this call. The question thus arises of whether the artistic expression in question is to be considered as antagonistic towards indigenous peoples, or whether the indigenous perspective is in opposition to that of the artistic expression. In the context of the Manchester debate on the ‘universality of the concept of aesthetics/art’ (Ingold, 1996), Lagrou (2012) poses the question of whether there exists an art of societies that functions in opposition to the state. This perspective aligns with the seminal work of Pierre Clastres (2003), who proposed a novel characterisation of the political (or cosmopolitical) organisation of the indigenous peoples of America as ‘societies against the state’. This alternative expression diverges from the conventional evolutionary term ‘stateless societies’. 

Land. This shift in perspective enables Clastres (Idem) to redefine the question of how to define ‘what is’ an indigenous people or ‘who are’ indigenous people, bringing it closer to contemporary reality. Rather than being museum pieces echoing the past of a single ‘humanity’ definitively separated from the cosmos, these peoples point to the future of planetary politics. 

Cosmophobia. Deleuze & Guattari (1976), based on what Clastres (2003) and Lévi-Strauss (1976) had learnt from the Amerindians, redefine these societies against the State as a territorial social formation, highlighting these peoples’ intrinsic relationship with the land, in contrast to the modern State and its cosmophobic origin/foundation, as defined by Nego Bispo (Santos, 2018).

Cosmopolitical. The proposal is to engage in discourse with indigenous peoples, transcending the conventional discourse surrounding them, and to recognise these interlocutors as being defined by their intrinsic relationship with the land, with this relationship acting as the guiding principle for their knowledge practices. It is acknowledged that these interlocutors represent the various modes of existence that articulate and establish territory through these human communities and individuals.

Anthropocene. In a manner analogous to the manner in which modern thought was transfigured by the problem-concept of the Anthropocene, thereby resulting in the definitive burial of the 20th century with the realisation that, ultimately, ‘we had never been modern’ and fulfilling Lévi-Strauss’ (1976) persistent prophecy that mythological thought would ‘meet again’ with scientific thought, contemporary art has also been decisively affected by the problem-works posed by contemporary indigenous art. 

(Amilton Mattos) 

Call for Papers

The contemporary global concept of ‘Art’ is a recent Western paradigm. Following the conceptualisation of Fine Arts during the Renaissance, the notion of art and the autonomy of the artistic sphere gained prominence in the 18th century. The following discussion will explore the question of whether it is possible to discuss art in relation to indigenous cultures. In the event of the existence of artistic dimensions, it is imperative to elucidate the manner in which they are mobilised and comprehended. In this sense, the cultural milieu of an indigenous people or nation can be perceived as a confrontation with the very concept of ‘Art’ and its concomitant comforts.

What is the basis of artistic productions inscribed in the body and the landscape, merging with them, creating disturbances in the arts of the separation between work and subject, production and reception, etc.? Talking about indigenous culture and its artefacts with an artistic dimension can serve to problematise the guaranteed notions of ‘art’, “work”, ‘author’, etc. 

The separations between arts are also problematised, since there is a foundational mode of relations and fusions between arts that have traditionally been separated in the West. It’s not a question of hybridity, which is already the result of a principle of separation and its disturbance, but something that is based on non-separation. Thus, in the face of indigenous culture, it is Western ontologies, works and relational processes, as well as values and symbolic exchanges, among others, that are unsettled. One of the premises of this call is to find these zones of disquiet, as vacillating states that are interesting not only to understand but also to confront.

Any recent tradition of Anthropology recognises that these cultures are not watertight in a repetition of the same, but rather have transformation at their core, in which ritual practices of cultural continuity and survival have their own internal dynamic. The repetition of ritual, as a cultural pursuit, is the foundation of processes of transformation and it is through this repetition that the same and the ‘new’ are offered as cultural pursuit and continuity.

The invocation of indigenous culture, coupled with the assumption of its distinctiveness, engenders a relational expanse that renders the prevailing Western paradigm both relative and susceptible to scrutiny. The objective is not merely to challenge this prevailing paradigm, but rather to reject its exclusivity and the authority of its voice, thereby facilitating a more inclusive listening process. This endeavour entails the liberation of artefacts from the paradigm of the cabinet of curiosities that persists in Western ethnographic and anthropological museums. The resolution of this issue necessitates the establishment of a relationship of alterity that fosters the reciprocal exchange of difference, thereby facilitating a mutual extension. This approach entails the rejection of a unidirectional gaze of curiosity or the scientific object, in favour of an egalitarian and dialoguing relationship, wherein the experience and voice of the other is inscribed and shared. 

In general, indigenous cultures are about Memory rather than History, orality rather than writing. It is the bodies that support and carry cultural mediations, that aggregate memories and transfer them. Culture as a safeguard of the self is often made from these bodies, with responsibilities of transference and continuity, which is always fatal change, but inherent and genuine.

When it comes to indigenous peoples, there is a natural tendency for studies to focus on the global South, tending to include Central and South America, Africa, Australia and much of the Pacific, or even parts of Indonesia or India. But it can also be seen elsewhere, even if in an almost archaeological way, around echoes of massacred indigenous memories, such is the degree of cultural disappearance or extinction in many cases, such as in Canada and, above all, the United States. 

Thinking about the role of art and culture in indigenous peoples often involves their resistance to Western and global colonial violence, which can be done both from the strength of their own survival, from what are often resilient remains, and from their regeneration, their recovery from a situation of near cultural extinction, taking up possible authenticities that are not reduced to modes of business and exotic neo-tourism. 

Another issue is the problem of the periphery in cultural issues or cultural policy. Not the periphery between the big dominant centres, which decide the historical, economic and symbolic values of art and culture, such as that of Portuguese art in relation to that of France, London or the United States, or of Brazil in relation to European and North American art, or between Eastern and Western arts or those of the South and those of the North, or even of the big centres in relation to small towns, but a more radical periphery: the periphery that touches the place of obliterated difference and its survival. A periphery that is often already on the outside, in a kind of total otherness. But that’s the richness of its voice.

We can therefore put forward a number of topics, with the proviso that these are far from limiting the possibilities of approaching the subject:

• Conceptual understanding: The dimensions of the notion of ‘indigenous’ and its cultural and artistic specificities.
• Places of Art: Studying the modes and spaces of artistic production among indigenous peoples.
• Identity and Transmission: Processes of subjectivation and cultural dialogues 
• Alterity and Relativisation: The confrontation of differences as a way of broadening the possibilities of human culture.
• Survival and Regeneration: Artistic production as a cultural and political act of resistance and recovery in the face of the threat of extinction.
• Geographies of Indigenous Art: Analysing different contexts and scales (from Brazil to Australia, from Canada to Southeast Asia).
• Methodological Decolonisation: Revision of concepts from anthropology and ethnography in favour of a deontology that privileges the voice of the ‘other’ as a cultural and artistic subject and not just an object of study.

Convocarte Team
General Coordination: Fernando Rosa Dias
Co-coordination (French section): Pascal Krajewski
Executive Coordination: Bruna Lobo and Jamila Pontes

Coordination of the thematic dossier Art and Indigenous Peoples: 

Amilton Pelegrino de Mattos is a researcher and lecturer in the Indigenous Degree programme at the Federal University of Acre, UFAC – Floresta Campus. PhD in Anthropology from the PPGSA at UFRJ – Federal University of Rio de Janeiro, with a thesis dedicated to the research processes of indigenous academics in their communities. http://lattes.cnpq.br/4467650905915696

References used in ‘Manifesto for a call for papers: Art and Indigenous Peoples’:

• Chakrabarty, Dipesh (2009). The Climate of History: Four Theses. In: Critical inquiry 35.2: 197-222.
• Clastres, Pierre (2003). A sociedade contra o Estado. São Paulo: Cosac & Naify. 
• Deleuze, Gilles & Guattari, Felix (1976) O Anti-édipo. Capitalismo e esquizofrenia, Rio de Janeiro: Imago Editora Ltda. 
• Ingold, Kim (Ed.) (1996). Key debates in Anthropology. London and New York: Routledge.
• Gell, Alfred. (2018). Arte e agência: uma teoria antropológica. Trad. Jamille Pinheiro Dias. São Paulo: Unu Editora.
• Kopenawa, Davi & Albert, Bruce (2015). A queda do céu: palavras de um xamã yanomami. São Paulo: Companhia das Letras.
• Lagrou, E. (2012). Existiria uma arte das sociedades contra o Estado?. Revista De Antropologia, 54(2). https://doi.org/10.11606/2179-0892.ra.2011.39645
• Lévi-Strauss, Claude (1976). O pensamento selvagem. São Paulo: CEN. 
• Santos, Antônio Bispo dos. (2018). Somos da terra. Piseagrama, Belo Horizonte, n.12, p.44-51. https://piseagrama.org/artigos/somos-da-terra/

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FRENCH VERSION

14 MAIO > 30 SETEMBRO 2026 | MUSEU JOSÉ MALHOA, CALDAS DA RAINHA

No dia 14 de Maio de 2026, às 10h30, inaugura no Museu José Malhoa, nas Caldas da Rainha, a exposição de desenho e o seminário intitulados O Movimento da Alma na “Paixão de Cristo” de Rafael Bordalo Pinheiro – Entre desenhos e reflexões. A exposição ficará patente até 30 setembro.

A exposição apresenta os desenhos produzidos durante a residência e, no dia da abertura, decorre um seminário dedicado ao debate e à reflexão crítica sobre a obra de Bordalo Pinheiro, os museus e as suas possibilidades contemporâneas.

O seminário contará com investigadores e profissionais como Artur Ramos, Luís Jorge Gonçalves, João Alpuim Botelho, Dora Mendes, Marta Galvão Lucas, entre outros convidados.

O público é convidado a participar neste diálogo sobre património, criação e pensamento artístico atual.

PROGRAMA

Acesso gratuito.

Este evento é uma organização do:

Museu José Malhoa/Museus e Monumentos de Portugal
Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa/ VICARTE Vidro e cerâmica para as artes/ CIEBA, Centro de Investigação e de Estudo em Belas-Artes
Universidade Federal de Rio Grande do Norte/ Grupo de Pesquisa de Género, Políticas Públicas e Sociedade

Quando Rafael Bordalo Pinheiro, entre 1887 e 1899, criou a Paixão de Cristo, para as capelas da Via Sacra da Mata do Buçaco, por encomenda do governo português, através do Ministro Emidio Navarro, estava a retomar uma tradição da arte ocidental sobre a dramatização da vida de Jesus, em esculturas policromadas de terracota.

Previam-se 86 esculturas de escala natural, com 12 Passos da Paixão. Por diferentes dificuldades, o projeto inicial não foi concluído, tendo chegado aos nossos dias as seguintes cenas: Jesus no Horto, Traição de Judas, Passagem do Cedron; Jesus em casa de Anás; Jesus na casa de Caifás; Jesus perante Pilatos; Jesus perante Herodes; Pilatos lavando as mãos e Jesus a Caminho do Calvário.

Na atualidade encontra-se no Museu José Malhoa, nas Caldas da Rainha, cidade onde Rafael Bordalo Pinheiro localizava a sua fábrica de cerâmica. Trata-se do seu projeto mais ambicioso, que nos demonstra as suas capacidades como artista. Através das esculturas observamos dramatismo, expressão e uma plasticidade muito bem explorada, que nos conduz ao sublime. Tinham passados os tempos do dramatismo do Barroco, onde se explorava com emoção os Passos da Paixão, através das vias sacras, em esculturas que podemos examinar no Bom Jesus do Monte, em Braga, na Serra do Pilar, na Póvoa de Lanhoso, ou em Congonhas, em Minas Gerais, no Brasil. No entanto, Rafael Bordalo Pinheiro explorou, na terracota, o dramatismo através dos rostos, dos corpos, das panejamentos e das cores.

A diversidade das cenas é um desafio para o desenho que foi proposto a alunos de desta disciplina da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Estes desenhos, executados a partir dos originais e no próprio espaço do Museu José Malhoa, constituem dez aproximações individuais à obra de Rafael Bordalo Pinheiro A Paixão de Cristo. A diversidade fisionómica aliada à modelação ligeiramente inacabada das esculturas é o cruzamento de interpretações ilimitadas à reconstrução e à reinvenção das figuras. Todos os dez artistas convidados abordaram a obra segundo múltiplos pontos de vista e não só no sentido literal. Cada uma das aproximações reconstrói o espaço, cria contextos, reinventa as personagens, acentua expressões e idealiza visões e fisionomias. O desenho, associado vulgarmente ao essencial acaba por aliar o rigor da forma com a agradabilidade da cor, para nos surpreender com o potencial da obra de Rafael. Na verdade, estas sessões desenvolvidas no museu constituem momentos únicos de observação, análise, descoberta e conhecimento sem paralelo graças ao contacto direto e natural com as obras de arte. Estes desenhos são a celebração desses momentos.  

7, 8 AND 9 OCTOBER 2026 | FACULTAD DE BELLAS ARTES, UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID

Overview

The 6th edition of the Ibero-American Congress on Heritage Conservation Research will take place from 7 to 9 October 2026, in person, at the Faculty of Fine Arts of the Complutense University of Madrid, under the theme “Heritage at risk. Challenges and solutions”. It will also be held online.

It is the result of a collaboration between researchers from the Faculty of Fine Arts, Complutense University of Madrid and the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon with the Spanish Group of the IIC.

Topic Presentation

In the contemporary context, cultural heritage faces complex challenges arising from social, environmental, technological and political transformations. The event proposes an integrated approach, recognising heritage as a living and vulnerable resource, subject to natural and anthropogenic risks, but also a bearer of social and cultural resilience.

The concepts of risk, vulnerability and resilience are reconsidered from multidisciplinary perspectives, incorporating ethics, sociology, anthropology, philosophy and science. The impact of climate change and natural hazards reinforces the need for mitigation and adaptation strategies, while the preservation of intangible heritage values local knowledge and the intergenerational continuity of cultural practices.

The event includes topics such as safeguarding plans, the analysis of anthropogenic threats and the use of advanced technologies, SIG, drones, sensors and artificial intelligence to improve risk management and decision-making. Interdisciplinary education and training are considered essential to equip professionals to deal with complex and uncertain scenarios.

The ultimate goal of this event is to strengthen existing knowledge about ways and strategies for protecting, adapting and building resilience in heritage, ensuring its social, institutional and environmental sustainability.

DEADLINES

Call for Papers: until 1 July 2026
Notification of accepted proposals: 30 July 2026

More information at the conference’s website.

©Museu Bordalo Pinheiro

29 ABRIL > 31 MAIO 2026 | MUSEU BORDALO PINHEIRO 

No próximo dia 29 de abril, pelas 18h30, o Museu Bordalo Pinheiro inaugura a exposição JOSÉ DIAS SANCHO – CARICATURA E HUMOR. 

A partir de projeto de mestrado de Joana Galrão, defendido na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, no âmbito do Mestrado de Crítica, Curadoria e Teorias de Arte, esta exposição tem a curadoria do Prof. Fernando Rosa Dias.

Esta exposição pretende apresentar as facetas de caricaturista e humorista de José Dias Sancho (1898-1929), figura polifacetada, polémica e dinâmica, mas ainda esquecida da história do Modernismo português. Com protagonismo em várias atividades, foi advogado, poeta, escritor, publicista, autor e dinamizador, tendo criado a primeira empresa cinematográfica do Algarve. A sua morte precoce, sem completar 31 anos, contribuiu para o fim do tempo de ouro do Modernismo Algarvio, diligente durante a Primeira República. 

Depois da exposição «Regionalismo e Modernismo» no Museu Municipal de Faro, centrado em diálogos de José Dias Sancho com outras figuras do Modernismo, esta exposição no Museu Bordalo Pinheiro destaca a sua atividade de caricaturista e de humorista, da imagem ao texto, tal como o seu gosto por causas e polémicas, e ainda algum foco nas relações que estabeleceu com os modernistas de Lisboa. A exposição seguirá depois para São Brás de Alportel, como um «Regresso à Terra» Natal.

In https://museubordalopinheiro.pt/expo/jose-dias-sancho/

22 > 23 MAIO 2026 I AUDITÓRIO DO MUSEU NACIONAL DOS COCHES

Apresentação do evento: 

O Encontro de Acessibilidade e Inclusão na Arte e no Património teve início em 2021, enquanto sessão do Ciclo de Conferências “Encontros no Largo das Belas-Artes”. 

No ano seguinte, o projeto desenvolveu-se de forma independente. A segunda edição realizou-se em junho de 2022, na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL), resultando de uma parceria entre esta instituição e o Museu da Farmácia de Lisboa. Este evento foi distinguido com uma menção honrosa nos Prémios APOM 2023, atribuída pela Associação Portuguesa de Museologia (APOM), na categoria de Investigação e Difusão Científica.

A terceira edição ocorreu nos dias 14 e 15 de junho de 2024 sendo uma iniciativa da FBAUL e do Museu da Farmácia de Lisboa, contando também com a parceria da Associação Bengala Mágica e da Pró-Inclusão. 

Em 2026, o 4º Encontro de Acessibilidade e Inclusão na Arte e no Património será uma iniciativa da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e do Museu Nacional dos Coches. 

O principal objetivo é promover um espaço de debate sobre a acessibilidade e a inclusão nos museus e património cultural, procurando igualmente aproximar os intervenientes e criar ligações entre públicos, associações de acessibilidade e entidades dedicadas à divulgação do património. 

PROGRAMA 

INSCRIÇÕES 

Mais informações no website  

7 e 8 de MAIO 2026 > AUDITÓRIO DA CASA DOS BICOS – FUNDAÇÃO JOSÉ SARAMAGO

Nos dias 7 e 8 de maio de 2026 realizar-se-á a 3ª edição do Encontro Entrelaçar – Investigações em Património Cultural, uma colaboração entre a Faculdade de Belas-Artes e a Casa dos Bicos – Fundação José Saramago.

Este evento visa promover o estreitamento das relações entre antigos, atuais e futuros alunos dos mestrados em Conservação de Arte Moderna e Contemporânea e em Museologia e Museografia da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, criando um espaço de partilha e reflexão sobre as práticas e os desafios atuais nas respetivas áreas de investigação. Além disso, o evento permitirá a apresentação de projetos desenvolvidos por antigos e atuais alunos, assim como a partilha de novas propostas, fomentando o diálogo e a colaboração entre todos os envolvidos.

O evento terá lugar de forma exclusivamente presencial, no Auditório Casa dos Bicos – Fundação José Saramago

As comunicações são de 10 minutos, seguidas de perguntas após concluída as apresentações do painel.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Contactos

entrelacar.evento@gmail.com

Comissão organizadora

Ana Bailão

Ana Carolina Carvalho

Eduardo Rovisco

Filipa Lopes

Henrique Costa

Margarida Boavida

Micaela Mazel

Rita Monteiro

Comissão técnica

Carolina Ganchas

Mafalda Ferreira

José Guerra

Comissão científica

Eduardo Duarte

Elsa Pinho

Frederico Henriques

José Carlos Pereira

Marta Manso

Teresa Lousa

Inscrição

O evento é gratuito, contudo é necessária inscrição que deverá ser realizada através do seguinte formulário.

+INFO [website / instagram]

Website: https://sites.google.com/view/entrelacarevento/home

Instagram: @entrelacar.evento

13 ABRIL 2026 | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, Heritage Lab [Sala 3.63]

Apresentação  

E se pudéssemos visitar uma farmácia do século XVIII… sem usar a visão?
Este workshop convida o público a explorar o património de forma sensorial, através do toque e da descoberta ativa.
A partir de uma maquete especialmente concebida, os participantes são desafiados a conhecer os materiais, formas e detalhes de uma antiga farmácia, em exposição no Museu da Farmácia de Lisboa, numa experiência que privilegia outros sentidos e promove uma nova forma de relação com o património.
Mais do que uma visita, esta é uma experiência imersiva que questiona como vemos, e sentimos os espaços culturais, abrindo caminho a práticas mais acessíveis e inclusivas para todos.

Data: 13 de abril de 2026

Horários:
  1ª sessão: 10h00 – 12h00
  2ª sessão: 14h00 – 16h00

Modalidade: presencial, com a combinação de demonstrações e componente prática.

Vagas: 7 participantes por sessão

Público-alvo: Atividade aberta a todos os públicos. 

Inscrição: O evento é gratuito, mas a inscrição é obrigatória e deverá ser feita até 10 de abril de 2026, às 17:00H.

E-mail de contacto/inscrição: heritagelab@office365.ulisboa.pt

25 de MARÇO > 10H30 I GRANDE AUDITÓRIO 

Palestra “Da terra ao fundo do mar: os desafios da conservação do património arqueológico” com o conservador-restaurador Cláudio Monteiro.

Esta palestra, promovida pelo Heritage Lab, abordará os principais desafios e metodologias na conservação de bens arqueológicos provenientes de contextos terrestres e subaquáticos.

Entrada livre, sujeita à lotação da sala.

Este evento sé passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.