identity & land — exposição de rita andrade

© Marie Bacelar

08 > 26 AGOSTO 2023 I GALERIA FBAUL

AS OBRAS EXPOSTAS ESTÃO À VENDA

Considerando as Jornadas Mundiais da Juventude e a tolerância de ponto dada pelo governo dias 3 e 4 de agosto, informamos que a INAUGURAÇÃO FOI ADIADA PARA DIA 8 DE AGOSTO.

Inaugura no dia 8 de agosto, às 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Identity & Land de Rita Andrade. A exposição ficará patente até 26 de agosto. 

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário: 2ª a 6ª entre as 10h00 e as 17h00; sábado entre 10h00 e as 15h00.

Em Identity & Land, a pintora e ativista Rita Andrade partilha aquela que foi a sua experiência durante a sua viagem à Palestina em 2019. A artista utiliza a pintura, uma forma pacífica de comunicação, como forma de protesto contra a ocupação ilegal de Israel na Palestina.

“A Arte é uma forma não violenta de me expressar, de espalhar uma mensagem, e de fazer uma intervenção. Eu acredito que a arte pode ter uma importante função na transformação social, e eu espero conseguir fazer isso mesmo”

Rita Andrade, 2023

CNN (14/10/2023)

Universidade Lisboa 

Jornal de Letras (09/08/2023)

Agenda Cultural de Lisboa 

TIME OUT (07/08/2023)

e-cultura _CNC

NIGHTFALL IN GAZA

Diz Paul Veyne que a História é um romance, pode ser “criativa” nas suas versões, mas é um romance realista, avisa. Por exemplo, no caso do conflito, ou guerra de ocupação israelo-árabe, que os sionistas chamam, ou chamaram (nos anos 40), “guerra da independência”, a posição equidistante é a pior e a mais desumana. De facto, desde 1948, ano da declaração de independência de Israel (uma “declaração”, note-se, sem nenhuma relação com qualquer tipo de luta emancipatória), houve e há na Palestina uma ocupação ilegal (Israel e a brutalidade destrutiva que geraria os “colonatos”, sistematicamente condenados pela ONU), uma ocupação baseada numa mentira que diz ter sido edificado um estado que é uma terra sem povo para um povo sem terra. Uma terra sem povo?

Começa aqui o projectado genocídio e o apartheid: com efeito, os árabes israelitas são o que Agamben poderia chamar de “vidas nuas”, pois Israel não é um estado multinacional quando se afirma a pátria judaica. Nestes termos, defender os direitos palestinianos sinaliza dois factos: mostra que denunciar Israel deve servir para distinguir o anti-sionismo (e foi o sionismo que destruiu o Hotel King David em 1946) do anti-semitismo (uma abjecta forma de racismo); por outro lado, defender os palestinianos é defender um povo que habita uma terra há milénios e a perdeu (a Nakba): a terra, as vias de comunicação, as cidades (há novas cidades nos colonatos, mas essas são inacessíveis) e a oliveira que a mulher de lenço branco abraça, numa das telas da exposição, porque sabe que perdeu a sua fonte de subsistência. Rita Andrade, com mestrado pela Goldsmiths em Art and Politics, conheceu esta realidade, viveu-a e sabe o que é o apartheid da Palestina que resiste desde 1948.

Repare-se que dizer “estado judaico” (e não “estado dos cidadãos”, como na Europa desde o Iluminismo) configura um enunciado antidemocrático. Por isso, Edward Said sempre advogou para a Palestina um só estado binacional, algo como a África do Sul multicultural de hoje. Sem colonatos nem bantustões. Um mundo distante, contudo.

Carlos Vidal

piso 3 — finalistas pintura 2021 – 2022

31 JULHO > 26 AGOSTO 2023 I SALÃO NOBRE SOCIEDADE NACIONAL BELAS-ARTES 

Inaugura no dia 31 de julho, às 18h30, no Salão Nobre da Sociedade Nacional de Belas Artes, a exposição PISO 3 – Finalistas Pintura 2021-2022. A exposição ficará patente até 26 de agosto.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário
2ª a 6ª. 12h/19h
sábado: 14h/19h

EXPOSIÇÃO DE FINALISTAS – PINTURA (Ano lectivo 2021 / 2022)

Estas exposições de finalistas (circunstância que dá à maioria dos seus protagonistas uma híbrida condição de aluno-autor, já trabalhando entre a escola e o universo exterior) têm, como se depreende, uma realidade paradoxal: uma dimensão tradicional e outra inovadora, surpreendente. A dimensão tradicional deve-se à periodicidade anual com que se realizam, a dimensão inovadora deve-se ao que aqui é potencialmente inesperado, pois numa turma de várias dezenas de alunos-autores (e considerando a panóplia de técnicas empregues, muitas vezes revelando domínio formal assaz evidente de técnicas e aplicações digitais, entre processos “tradicionais”) a surpresa e maturação de modelos é algo evidente e compensador. De ver, sentir e pensar. Torna-se obrigatório seguir o fio destas exposições, acompanhar autores e a maturação de seus processos, ou a ruptura que os inesperados futuros revelam. 

Esta díspar colectiva (resultado, como disse, de singularidades autorais diversas) corresponde a uma selecção, participada pelos alunos-artistas, dos (seus) trabalhos realizados em ambiente de grupo e dialogado na turma finalista do ano lectivo passado (2021/2022). Quer dizer, através desta exposição voltamos à sala de aula, FBAUL e seus alunos de Pintura V e Pintura VI, deparamos com artistas a descobrir ou redescobrir, retomamos um colectivo que terminou as suas actividades no verão de 2022.

A questão do colectivo é fundamental: não vivendo nem trabalhando no isolamento do atelier, o artista-autor finalista (ainda estudante, portanto) descobre a sua singularidade no colectivo da turma e em diálogos constantes com colegas, amigos e docentes. A natureza experimental e livre destes trabalhos relaciona-se mais com as regras da disciplina (ou Unidade Curricular), onde existe ainda a figura da “classificação” numérica, esta experimentação liga-se tanto ou mais a essas particularidades, dizia, quanto ao mercado, sendo certo ou sabido que aqui já encontramos autores integrados nas regras ou lugares do mercado da arte.

O critério de selecção da colectiva é, parece-nos, o mais acertado: todos os finalistas participam, sem excepção (repito sem excepção), até porque todos desfrutaram de livre convívio e discussões de trabalho contínuo; trabalho empenhado e interessado no qual as interrupções lectivas não se fizeram sentir (os dois semestres das actividades lectivas passam num contínuo permanentemente fluido): ora porque a necessidade de trabalhar/criar é incessante, ora porque uma obra está sempre “incompleta”.

Trata-se aqui, nestes balanços anuais, da verificação de que “ensinar” arte é cooperar (no caso de finalistas, acima de tudo, cooperação entre professores e alunos), é trabalhar no seio de uma tradição que se transmite (um “contexto” que se transmite, não uma receita para “fazer bem” ou “de modo perfeito”), sabendo que há algo de incondicional (Derrida) nessa transmissibilidade. Próprio da universidade e do ensino artístico em concreto. Ou do ensino artístico, muito em particular.

De certo modo, a escola de arte(s) representa melhor do que outros casos a figura da “universidade”, tal como no-la expõe Derrida: a universidade é “sem condição” porque aqui tudo se pode dizer (mesmo pôr em causa “arte” ou “universidade”), logo a universidade tem aí a sua força e fraqueza, pois nessa incondicionalidade avança, mas também nessa autocrítica pode ser absorvida por “forças” alheias ao saber. E, como diria De Duve, a arte é um saber que se transmite e vai passando de geração para geração, construindo uma “tradição”, uma tradição moderna e actual.

Incondicionalidade, crítica e tradição, portanto, aqui se encontram. Mas, como nos mostra Jacques Rancière, outro factor aqui se junta: em Le Maître Ignorant, diz-nos o próprio título, o “mestre” nunca está acima do “discípulo”, há uma crítica da lógica da explicação (não há “receitas certas” em arte) e ambos se encontram em diálogo com o seu não-saber e diálogo surpreendente: o docente não pode prever aquilo com que se vai deparar – pode falar em ruptura ou continuidade, mas a surpresa predomina (quase às cegas, diz ainda Rancière).

Também Ortega y Gasset, no seu conhecido Misión de la Universidad, nos fala em “transmissão”, sendo esta a base do trabalho que, na incondicionalidade de Derrida, pode ser posta em causa, obviamente.

A chamada curadoria destas exposições é “aberta” e “democrática”: de cada aluno, aqui já proposto pelos “patrocinadores” desta exposição como artista (aliás ao finalista se lhe diz sempre ser já artista que, como tal, tem de pensar quando realiza trabalho avaliativo: avaliação final? Sim, que ele a imagine como sendo uma exposição individual), de cada aluno-autor se escolhe (com o próprio) um conjunto de trabalhos que melhor o represente, em troca de opiniões docente/discente. Sempre assim foi e continuará a ser.

Supõe-se que essa interacção seja a ferramenta de trabalho privilegiada, pois, como se dizia há umas décadas no mítico Black Mountain College, primeiro está o aluno, suas ideias, práticas e idiossincrasias, depois está o currículo da disciplina, concretamente o seu programa que, a este nível, não existe, pura e simplesmente. É o aluno que, no início do ano, o propõe – o seu programa, entenda-se.

Se quiséssemos usar outra figura conhecida do pensamento, diríamos, voltando a Rancière, que o mestre é uma espécie de “mestre ignorante” no início, pois tem que encontrar-se, nesses primeiros dias de trabalho, com e no território do aluno. Com uma linguagem intraduzível, sem interpretação clara. E aí o “mestre” volta: volta nesta exposição. “Mestre” e público, juntos ao criador e inventor desta matéria, que se renova de dia para dia ou, para me aproximar do tempo desta exposição, de ano para ano. 

Carlos Vidal

Os finalistas de Pintura – e uma evocação de José Dias Coelho

Em 2023, na ocasião da exposição ágil e emancipada dos finalistas do curso de Pintura da Faculdade de Belas Artes na Sociedade Nacional de Belas Artes, pode ser ocasião de recordar uma personalidade de rasgo interventivo que temos em comum entre as duas instituições.

Refiro o escultor José Dias Coelho (1923-1961), no ano do seu centenário.

Do seu curso de arquitetura, iniciado em 1942, irá em 1945 recomeçar de novo, desta feita o curso de Escultura. Acompanham-no neste trajeto de procura de uma exigente vocação artística os seus companheiros Rolando Sá Nogueira (1921-2002) e Jorge Vieira (1922-1998). Também João Abel Manta (1928-) e Francisco Castro Rodrigues (1920-2015) acompanham o grupo.

O momento, o ano de 1945, é de charneira. No fim da segunda guerra, Salazar convoca eleições, e a sociedade civil tenta organizar-se constituindo o novo partido, o MUD (Movimento de Unidade Democrática), e também o MUD Juvenil.

Aqui estes e muitos outros jovens das Belas Artes mobilizam-se apaixonadamente: afiliam-se na SNBA como novos associados. Após eleições e com a consequente renovação dos corpos gerentes, levam a cabo um novo programa estético através da proposta de novas exposições no Salão: as Exposições Gerais de Artes Plásticas (EGAP).

Assim é a primeira EGAP, em 1946. Ao contrário de até então, no Salão, não há agora júri, não há inauguração pelo chefe de Estado, e não há prémios. Abre-se a exposição no dia 1º de maio, uma data de celebração proibida, e abre-se também em horário à noite, para permitir a visita aos trabalhadores. Homenageia-se Abel Salazar, recentemente falecido e também perseguido pelo regime.

Na segunda EGAP, em 1947, a PIDE enerva-se com as pinturas neo-realistas, com os cartazes de artes gráficas a apelar ao recenseamento eleitoral e à alfabetização: a PIDE visita esta exposição e leva 11 pinturas para a sua sede na Rua António Maria Cardoso.

O resultado inesperado é o sucesso dessa exposição, que faz as notícias em todos os jornais.

Poucos anos mais tarde, em 1952, durante a eleição de um Júri de premiação do Salão Primavera da SNBA, José Dias Coelho é provocado por Eduardo Malta – que é um ‘ultra’ do regime. Diz Malta: “este homem votou quatro vezes.” Esclarecido o equívoco, e instado por carta da Direção a pedir desculpa a Dias Coelho, Eduardo Malta recusa, sendo assim expulso de associado.

Em consequência, o Estado Novo encerra a SNBA durante meses, com selos de chumbo nas portas e janelas. Não se sabe então se o encerramento será definitivo.

Só será a SNBA reaberta no final do ano, depois de muita demora e dificuldade, e após se readmitir Eduardo Malta, e de se alterar os Estatutos por imposição do Ministério da Educação. Nesse ano não abriu a 6ª EGAP, devido ao encerramento.

José Dias Coelho será também perseguido pelo diretor da Escola de Belas Artes, Luís Alexandre da Cunha, apelidado de “Cunha Bruto.” O abaixo assinado que Dias Coelho promoveu em 1952 provoca mais de 80 processos disciplinares a alunos e fará com que Dias Coelho seja expulso da Escola, sem aceder ao diploma de fim de curso, sendo também expulso do ensino público.

Dias Coelho, assim sem diploma, irá trabalhar como desenhador no atelier dos arquitetos Alberto Pessoa, Hernâni Gandra  e João Abel Manta, até passar definitivamente à clandestinidade, em 1955. Passa a ser funcionário do Partido Comunista, encarregue de trabalhos de falsificação dos documentos indispensáveis aos clandestinos.

José Dias Coelho, já casado, com dois filhos, vai mudando de casa, e fugindo pelas ruas aos agentes da PIDE que o tentam localizar. A de 19 dezembro de 1961, numa rua de Alcântara (hoje rua com o seu nome) é perseguido por dois agentes. Baleado pelas costas, tomba, para depois ser abatido, já no chão, com um segundo tiro.

Hoje importará manter a memória e conhecer a obra de um notável escultor, desenhador e gravador, que soube posicionar-se civicamente para que todos, agora noutros tempos, possamos viver e criar com a independência e a emancipação indispensáveis.

Cumpre também a cada um, ontem como hoje, honrar os que nos precederam, tanto na Faculdade de Belas Artes, como na SNBA. Os finalistas de Pintura, hoje, como ontem, na crista da sucessão geracional, deixam agora novos testemunhos para o futuro. 

João Paulo Queiroz

Presidente da Direção da SNBA

Paisagens da Liberdade. Da Ucrânia a Lisboa.

13 > 28 JULHO 2023 I GALERIA FBAUL

Inaugura no dia 13 de julho, às 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Paisagens da Liberdade. Da Ucrânia a Lisboa., com obras de Bohdan Brynskyi e António Trindade. A exposição ficará patente até 28 de julho.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Horário: 2ª a sábado entre as 11h00 e as 19h00.

REPORTAGEM SIC

A ideia da presente exposição Paisagens da Liberdade. Da Ucrânia a Lisboa, surgiu pela amizade de longa data dos autores, artistas plásticos e professores universitários, um deles já aposentado, com o Slavick, Yaroslav Shevchyshyn, de há muito radicado em Portugal, e também e sobretudo pelo atual contexto da guerra entre a Ucrânia e a Rússia. Com o objetivo de angariar fundos de ajuda ao povo ucraniano e de dar a conhecer a obra artística de um dos grandes artistas ucranianos da atualidade, Bohdan Brynskyi, realiza-se a presente exposição nesta magnífica galeria de Lisboa. A pintura e o trabalho deste artista ucraniano são bastante versáteis, que percorre a figuração e a abstração. Para a presente mostra seleccionámos uma série de trabalhos centrados na paisagem ucraniana, de forte recorte simbólico, mostrando regiões rurais da Ucrânia longe das cidades. Bohdan captou muito bem a natureza destes enquadramentos por ele selecionados e se os temas por ele escolhidos e apresentados aqui possam hoje parecer um pouco tradicionais, a sua representação é, pelo contrário, bastante plástica, expressiva e atual, onde nos cenários apresentados há momentos de forte abstração do referente da paisagem e da natureza. As paisagens de Bohdan Brynskyi não se limitam a captar a realidade visual que surge ao olhar do espetador. Pelo contrário, a partir dessa realidade visual de enquadramentos que o autor seleciona, surgem paisagens de grande força e robustez plástica, numa pintura bastante matérica, realizada com fortes empastamentos de tinta e onde os toques de luminosidade, da luz, da cor e dos contrastes claro escuro são muito bem tratados e muito expressivos. Olhando para estes trabalhos de Bohdan Brynskyi, surge a memória da corrente impressionista e expressionista da história da arte ocidental, das fortes pinceladas de um Van Gogh, por exemplo, mas também surge a memória do tratamento pictórico tão evidenciado pelos expressionistas, mesmo os não figurativos. A luz, a cor, a matéria e a força destes trabalhos, com toques subtis de pincel com cor e luz levam-nos também a Sorolla, e até mesmo a Lucien Freud, embora os referentes aqui sejam outros, ou seja, a magnífica paisagem rural ucraniana que mostra essa abertura telúrica onde a natureza parece ser superior ao próprio homem que a habita.

Por seu lado, António Trindade, também representado na exposição, intervém com uma obra simbólica com o título “O Copo”/” The Glass”, que mostra uma forte carga simbólica que é enfatizada também pelas cores da bandeira da Ucrânia visíveis na pintura: do amarelo da indumentária de uma figura, ao azul profundo das águas que a cercam e a sustêm. Visualizamos uma figura feminina celebrando em liberdade, ou em plena liberdade, boiando sobre águas seguras de uma piscina, como se a guerra já tivesse terminado, numa pose de sustento de um copo, pose essa quase ou de facto impossível.

Em síntese, estas paisagens e cenários propostos, são signos que funcionam como janelas e sinais de liberdade, que no fundo é o que desejamos ao povo ucraniano, o de conseguir libertar-se da tutela e da agressão dos seus homólogos vizinhos.

António Trindade, Lisboa, 21 de Junho de 2023.

Sobre Bohdan Brynskyi

Nasceu a 16 de outubro de 1960 na aldeia de Dolyna, região de Ivano-Frankivsk. Em 1988 formou-se na Faculdade de Artes do Instituto Pedagógico de Ivano-Frankivsk. Desde 1989 que expõe e participa em plenários na Ucrânia e no estrangeiro. Em 1993 recebeu o diploma da bienal internacional “Impreza”. Ganhou também o prémio Shevchenko Opanas Zalyvakha.
As obras de Bogdan Brynskyi estão guardadas no Museu de Artes de Ivano-Frankivsk, no Museu Nacional de Lviv, no Museu Nacional Taras Shevchenko, em Kyiv, assim como em coleções privadas dentro e fora da Ucrânia, como no Canadá e nos EUA. Neste momento vive e trabalha em Ivano-Frankivsk.
A sua pintura é versátil em termos temáticos e em termos de humor, variando da paisagem lírica a motivos urbanos e abstratos. O artista é membro do grupo NaSim, que faz parte da irmandade de Ivano-Frankivsk.
Foi Professor Associado numa Faculdade da Ucrânia e está de momento reformado do ensino.

Sobre António Trindade

Nasceu a 23 de abril de 1967. É Professor Auxiliar com Agregação na Universidade de Lisboa, Faculdade de Belas-Artes. Paralelamente exerce também a atividade de Artista Plástico. Atua na área de Geometria, pertencente ao Departamento de Desenho, tendo como focos de interesse as Geometrias da Representação e Belas Artes. Doutoramento em 2008 com a tese “Um Olhar sobre a Perspectiva Linear em Portugal nas pinturas de cavalete, tectos e abóbadas:1470-1816″. Mestrado em 2002 com a tese “A Arquitectura Maneirista em Portugal. Da Capela-Panteão de Santa Maria de Belém ao Real Mosteiro de São Vicente de Fora”. Provas de Aptidão Pedagógica e Capacidade Científica em 2000, na área da Geometria Descritiva, com o título “Luz e Sombras nas Superfícies Regradas Planificáveis, Cónica e Cilíndrica, e nas Superfícies não Regradas, Superfície Esférica. Em 2015 publicou o livro “A Pintura integrada em Tectos e Abóbadas e a Perspectiva Linear”, apresentado pelo Professor Catedrático Doutor Vitor Murtinho, do Colégio das Artes da Universidade de Coimbra, na Academia Nacional de Belas Artes de Lisboa, com posfácio da Professora Associada Doutora Cristina de Azevedo Tavares, com com edição do CIEBA e da FBAUL e distribuição da Príncipia Editora. Publicou também até ao presente 2 Livros, 3 capítulos de livro e 21 artigos científicos, tendo outros artigos no prelo, incidindo todos em temas centrados na Geometria, na Perspectiva Linear e sua relação com as Artes Plásticas e Visuais. Escreveu 14 textos das suas 20 exposições individuais até agora realizadas, publicados em catálogos editados pela Galeria Arte Periférica, sediada em Lisboa, pela Galeria Sete, sediada em Coimbra, e em sites de Galerias e Museus. Realizou 20 Exposições Individuais, representado pela GALERIA ARTE PERIFÉRICA em Lisboa, antigamente também pela GALERIA SALA MAIOR no Porto e mais recentemente é também representado pela GALERIA SETE em Coimbra. Participou em outras 55 Exposições Colectivas, onde se destacam as presenças nas feiras de Arte Contemporânea, como na FAC-LISBOA, três vezes na ARCO-MADRID, 1995, 1996 e 2004, e em 2017 na ART-MADRID, representado em todas pela GALERIA ARTE PERIFÉRICA. Tem obras em colecções como a Telecel-Lisboa, Frubaça-Alcobaça, em Portugal e no estrangeiro, como na Fundação Luciano Benetton e na Quinta das Lágrimas em Coimbra. Realizou trabalhos artísticos para as empresas da Telecel, Frubaça e para o novo Centro Pedagógico de Faro, Complexo Campos da Penha. É citado e referido em trabalhos académicos como referência bibliográfica e é referido em publicações artísticas, algumas já extintas, como nas Revistas Magazine Artes, Arte e Leilões, L+Arte, Arte y Parte, bem como em catálogos das referidas feiras de Arte Contemporânea, com textos de escritores e críticos como Valter Hugo Mãe, Sandra Vieira JÜrgens ou da curadora Filipa Oliveira.

Águas argênteas, vértices de piteira / Diálogo contemporâneo com Dordio

14 > 28 JULHO 2023 I JARDIM DE ESCULTURAS, MNAC

Inauguro no dia 14 de julho, no Jardim de Esculturas – MNAC, a exposição individual, Águas argênteas, vértices de piteira / Diálogo contemporâneo com Dordio, de José Quaresma. 

A exposição ficará patente até 28 de julho.

CATÁLOGO

A exposição consiste em sete instalações picturais nos sete “nichos” da espessa parede do jardim, engolfando-se na sequência rítmica que caracteriza as perfurações cónicas desta parte do edifício.
As obras foram produzidas em função de um diálogo contemporâneo com Dordio Gomes, vislumbrando-se também a apropriação de algumas manchas e torvelinhos associáveis a Franz Marc. Para ser mais preciso, esta exposição realiza um diálogo com duas obras de Dordio existentes no MNAC, Éguas na Manada e Rio Douro, mas também com outras duas, as Casas de Malakoff (no MNSR) e o Grande Autorretrato (Col. Part.). Estas quatro pinturas são agora perspectivadas segundo novas transgressões plásticas e semânticas, tendo dado origem às sete produções acima indicadas, pintadas sobre madeiras diversas, vidros acrílicos e serapilheira.

José Quaresma