Exhibitions
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Young Design Generation ’26 – exhibition
May 24 2026
27 MAIO > 27 JULHO 2026
A exposição YDG’26 inaugura a 27 maio, pelas 11h, no MUDE, e ficará patente de 27 maio a 27 julho 2026.
A exposição reúne os 20 trabalhos finalistas da Open Call YDG’26, iniciativa promovida pela Lisbon Design Week, em colaboração com o MUDE – Museu do Design, e o apoio do novobanco. Este projeto impulsiona talentos emergentes e revela a diversidade de abordagens, linguagens e práticas que definem a atualidade, incluindo também informação sobre todas as propostas apresentadas a concurso.
Finalistas da YDG´26
A Open Call encontra-se encerrada. Agradecemos todas as excelentes submissões. Os nomes dos finalistas já podem ser consultados abaixo!
Anita Cen
Baptiste da Silva
Beatriz dos Anjos + Madalena Barros
Bernardo Fernandes
Bruno Dray
Carolina Hermenegildo
Carolina Moreira
Daniel Elkayam
Daniel Sampaio
Gil Monteverde
Inês Santos
José Vieira + Tomás Cruz
Mariana Silva + Margarida Silva + Mariana Gouveia + Afonso Quintela
Íris Ribeiro
Marta Braga + Constança Gonçalves
Marta Magalhães
Moisés Oliveira
Pedro Matos + Mariana Esteves + Bernard Gerber
Sunniva Toppe Tolaas
Tiago Canário
#Júri
Bárbara Coutinho, MUDE – Museum of Design
Paulo Tomé, Novobanco
Ana Thudichum, CIEBA Universidade de Lisboa
Sam Baron, Sam Baron & Co & & LDW
Maria Rebelo Pinto, Aires Mateus e Associados & LDW
Marco Sousa Santos, Branca Lisboa & LDW
Rafael Pereira, MarakaBranka studio
Mais informação através do website e por email.
IG @lisbondesignweek
19ª Edição das Galerias Abertas de Belas-Artes (GAB-A)
May 24 2026
5 > 7 JUNHO 2026 | FACULDADE DE BELAS-ARTES
Durante o fim de semana de 5, 6 e 7 de JUNHO de 2026, a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa vai acolher a 19ª Edição das Galerias Abertas de Belas-Artes (GAB-A).
Horário:
5 de JUNHO: 17h-20h
6 e 7 de JUNHO: 14h-20h
Entrada Livre.
As GAB-A são um evento anual que promove a exposição de projetos artísticos dos alunos da faculdade, bem como dos respectivos ateliês, oficinas e espaços criativos. São, simultaneamente, um fórum de discussão e mostra de jovens artistas, de produtos de investigação artística e de obras em contexto de ensino superior artístico público, integradas no espaço físico onde são pensadas e produzidas. Não é uma exposição numa galeria, museu ou centro cultural. É a abertura dos espaços de trabalho e de investigação artística que a Faculdade de Belas-Artes encerra, num espírito de ateliê aberto pontuado pela presença dos jovens criadores. Esta edição será marcada pelos Diálogos pela Arte, os POP-UP e a Mostra de Trabalhos.
DIÁLOGOS PELA ARTE
Ciclo de conversas com programação todas as sextas-feira até ao fim de semana da Mostra de Trabalhos:
08/05 | às 10h | Auditório Lagoa Henriques
ARTE NAS PERIFERIAS: PRÁTICAS, TERRITÓRIO E COMUNIDADE
15/05 | às 11h | Auditório Lagoa Henriques
PUBLICAR ARTE: DO CONCEITO AO OBJETO
29/05 | às 10h | Grande Auditório
ENTRE O OLHAR E A COLEÇÃO: CURADORIA E COLECIONISMO HOJE
03/06 | às 10h | Grande Auditório
MANUAL DE SOBREVIVÊNCIA PARA JOVENS ARTISTAS
POP-UP
De 1 a 3 de junho, marcando o início da programação semanal dos GAB-A, será uma feira de objetos de menor escala, não obrigatoriamente representativos da prática artística no contexto de faculdade, mas igualmente apreciados. Durante o dia, poderão ver pelo espaço térreo da faculdade bancas com vendas de stickers, joalharia, cerâmicas utilitárias, pins, merchandising, entre outros.
MOSTRA DE TRABALHOS
No dia 5 de junho, das 17h00 às 20h00, e nos dias 6 e 7 de junho, das 14h00 às 20h00, a faculdade abre portas com uma exposição que se estende pelas salas e corredores de todo o edifício. A mostra de trabalhos inclui trabalhos de alunos de Escultura, Pintura, Desenho, Design, Multimédia e outras práticas contemporâneas, que se expandem pelo espaço. A Mostra inclui ainda um Ciclo de Curtas-Metragens, um Ciclo de Vídeo e Vídeo Performance, e um Ciclo de Performance.
Para saber mais sobre as Galerias Abertas das Belas-Artes, vê o Instagram das GAB-A.
xCoAx 2026 — 14th International Conference on Computation, Communication, Aesthetics and X
May 24 2026
08 > 10 JULY 2026 I TORINO, ITALY
xCoAx 2026 – 14th International Conference on Computation, Communication, Aesthetics and X
8-10 July 2026 – Torino, Italy
Submit before February 1, 2026.
xCoAx explores the intersections where computational tools and media meet art and culture in the form of multi-disciplinary enquiries on aesthetics, computation, communication and the elusive X factor that connects and affects them all.
xCoAx is a great chance for international audiences to exchange ideas in search of interdisciplinary synergies between artists, media practitioners, computer scientists, and theoreticians at the thresholds between digital arts and culture.
xCoAx 2026 will take place at the Palazzo Madama museum in Torino, Italy, under the auspices of the Department of Philosophy and Education Sciences of the University of Torino.
Call for papers, artworks, performances, School of X applications.
xCoAx 2026 calls for papers, artworks, performances and research works-in-progress by scholars, artists, performers and students working on any of its multi-disciplinary facets.
You are invited to submit theoretical, practical or experimental research work in the form of papers, artworks, or performances, on a range of topics that includes but is not limited to the following:
Computation / Communication / Aesthetics / X / Algorithms / Systems / Models / Artificial Aesthetics / Artificial Intelligence & Creativity / Artistic explorations of digital game technologies / Audiovisuals / Multimodality / Design / Interaction / Generative Art & Design / History / Mechatronics / Physical Computing / Music / Sound Art / Performance / Philosophy of Art & of Computation / Computational Photography and Image Technologies / Technology / Ethics / Epistemology
If you are a Master’s or PhD student you also have the opportunity to apply for the School of X.
All information on how to submit papers, artworks, performances, and applications to the School of X is available at https://xcoax.org
Important dates:
- February 1 (end of day anywhere on Earth): Deadline for submissions.
- March 23: Notifications to authors.
- April 20: Registration deadline for authors.
- April 26: Delivery of final versions of full papers and extended abstracts of artworks and performances for the proceedings.
- May 3: Delivery of final versions of multimedia files for the website.
- July 6 to 7: xCoAx exhibition set-up at Palazzo Madama.
- July 8 to 10: xCoAx conference, exhibition, and performances.
Contacts:
email: info@xcoax.org
instagram: @xcoaxorg
bluesky: xcoax.org
ponto nemo – exposição de ana franco neto
May 23 2026
18 > 27 MAIO 2026 | GALERIA BELAS-ARTES
A exposição Ponto Nemo de Ana Franco Neto inaugura dia 18 maio pelas 17h e está patente de 18 a 27 maio, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes.
Curadoria: Joane Brandão de Carvalho
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
O trabalho de Ana Franco Neto transporta-nos para um universo entre o arquivo e a ficção, onde objetos, imagens e fragmentos surgem como vestígios de um sistema desconhecido. Como no Ponto Nemo — o lugar mais remoto do planeta e destino simbólico de satélites desativados, as suas obras habitam uma zona suspensa entre presença e abandono, entre possível memória e futuro. Como fragmentos de uma cosmologia ficcional ou relíquias de um tempo que nunca existiu, estas obras afirmam-se enquanto entidades autónomas, regidas por uma lógica própria e por um sistema simbólico que escapa à leitura absoluta.
Ana Franco Neto (Lisboa, 1998) artista visual que desenvolve a sua prática artística no cruzamento entre pintura, escultura e cerâmica. Licenciada e mestranda em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, tem desenvolvido o seu percurso através da participação em exposições coletivas, bienais e residências artísticas. Incluindo a XVI Bienal Internacional de Cerâmica Artística de Aveiro (2023), PISO 3 na Sociedade Nacional de Belas-Artes (2023) Bienal de Arte de Gaia (2025), a Bienal de Espinho (2025), Amplitude – Exposição Coletiva de Cerâmica, Almada (2025) e a residência O MAU, Taguspark, Oeiras (2025-2026). Em abril de 2026, apresentou a sua primeira exposição individual, Apócrifos, na Fundação Leal Rios.
Exposição e Seminário O Movimento da Alma na ‘Paixão de Cristo’ de Rafael Bordalo Pinheiro | Museu José Malhoa
May 23 2026
14 MAIO > 30 SETEMBRO 2026 | MUSEU JOSÉ MALHOA, CALDAS DA RAINHA
No dia 14 de Maio de 2026, às 10h30, inaugura no Museu José Malhoa, nas Caldas da Rainha, a exposição de desenho e o seminário intitulados O Movimento da Alma na “Paixão de Cristo” de Rafael Bordalo Pinheiro – Entre desenhos e reflexões. A exposição ficará patente até 30 setembro.
A exposição apresenta os desenhos produzidos durante a residência e, no dia da abertura, decorre um seminário dedicado ao debate e à reflexão crítica sobre a obra de Bordalo Pinheiro, os museus e as suas possibilidades contemporâneas.
O seminário contará com investigadores e profissionais como Artur Ramos, Luís Jorge Gonçalves, João Alpuim Botelho, Dora Mendes, Marta Galvão Lucas, entre outros convidados.
O público é convidado a participar neste diálogo sobre património, criação e pensamento artístico atual.
Acesso gratuito.
Este evento é uma organização do:
Museu José Malhoa/Museus e Monumentos de Portugal
Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa/ VICARTE Vidro e cerâmica para as artes/ CIEBA, Centro de Investigação e de Estudo em Belas-Artes
Universidade Federal de Rio Grande do Norte/ Grupo de Pesquisa de Género, Políticas Públicas e Sociedade
Quando Rafael Bordalo Pinheiro, entre 1887 e 1899, criou a Paixão de Cristo, para as capelas da Via Sacra da Mata do Buçaco, por encomenda do governo português, através do Ministro Emidio Navarro, estava a retomar uma tradição da arte ocidental sobre a dramatização da vida de Jesus, em esculturas policromadas de terracota.
Previam-se 86 esculturas de escala natural, com 12 Passos da Paixão. Por diferentes dificuldades, o projeto inicial não foi concluído, tendo chegado aos nossos dias as seguintes cenas: Jesus no Horto, Traição de Judas, Passagem do Cedron; Jesus em casa de Anás; Jesus na casa de Caifás; Jesus perante Pilatos; Jesus perante Herodes; Pilatos lavando as mãos e Jesus a Caminho do Calvário.
Na atualidade encontra-se no Museu José Malhoa, nas Caldas da Rainha, cidade onde Rafael Bordalo Pinheiro localizava a sua fábrica de cerâmica. Trata-se do seu projeto mais ambicioso, que nos demonstra as suas capacidades como artista. Através das esculturas observamos dramatismo, expressão e uma plasticidade muito bem explorada, que nos conduz ao sublime. Tinham passados os tempos do dramatismo do Barroco, onde se explorava com emoção os Passos da Paixão, através das vias sacras, em esculturas que podemos examinar no Bom Jesus do Monte, em Braga, na Serra do Pilar, na Póvoa de Lanhoso, ou em Congonhas, em Minas Gerais, no Brasil. No entanto, Rafael Bordalo Pinheiro explorou, na terracota, o dramatismo através dos rostos, dos corpos, das panejamentos e das cores.
A diversidade das cenas é um desafio para o desenho que foi proposto a alunos de desta disciplina da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Estes desenhos, executados a partir dos originais e no próprio espaço do Museu José Malhoa, constituem dez aproximações individuais à obra de Rafael Bordalo Pinheiro A Paixão de Cristo. A diversidade fisionómica aliada à modelação ligeiramente inacabada das esculturas é o cruzamento de interpretações ilimitadas à reconstrução e à reinvenção das figuras. Todos os dez artistas convidados abordaram a obra segundo múltiplos pontos de vista e não só no sentido literal. Cada uma das aproximações reconstrói o espaço, cria contextos, reinventa as personagens, acentua expressões e idealiza visões e fisionomias. O desenho, associado vulgarmente ao essencial acaba por aliar o rigor da forma com a agradabilidade da cor, para nos surpreender com o potencial da obra de Rafael. Na verdade, estas sessões desenvolvidas no museu constituem momentos únicos de observação, análise, descoberta e conhecimento sem paralelo graças ao contacto direto e natural com as obras de arte. Estes desenhos são a celebração desses momentos.
Designing Sustainable Futures – exposição com curadoria de Ana Mestre
May 23 2026
21 MARÇO > 31 JULHO 2026 I PAVILHÃO DE PORTUGAL
Como desenhamos um futuro melhor? A exposição “Designing Sustainable Futures” convida famílias, estudantes e curiosos a descobrir como o design, a ciência e a natureza se unem para responder aos desafios do nosso planeta. De 21 de março a 31 de julho de 2026, o Pavilhão de Portugal acolhe uma exposição pensada para todas as gerações.
Porquê visitar?
- Excelência e inovação no design de equipamento para o contexto diplomático tendo por mote a floresta e as alterações climáticas.
- Laboratório de projetos sobre os novos desafios e avanços no design com soluções para a economia circular e sustentabilidade.
- Reflexão sobre o futuro do design a partir de propostas e experiências que dão resposta aos desafios ambientais e sociais do design.
Uma experiência para todos.
Com curadoria da designer e docente da FBAUL Ana Mestre, que celebra 25 anos de carreira, e a participação de investigadores da Universidade de Lisboa, esta é uma oportunidade rara para conhecer projetos inovadores que saem dos laboratórios e gabinetes diplomáticos diretamente para o olhar do público.
Seja um jovem explorador de 8 anos ou um entusiasta de 80, venha descobrir esta narrativa visual e interativa organizada em dois núcleos:
Sentidos da Floresta (Núcleo I)
Abertura a 21 de março, Dia Mundial da Floresta.
Comece a visita com uma homenagem à natureza. Veja de perto o design de excelência criado para a Presidência Portuguesa do Conselho da União Europeia, incluindo a mesa modular Symbiosis e a icónica Forest Chair desenvolvidas pelo SUSDESIGN Studio & Research.
Para todos: uma experiência imersiva que desafia os visitantes a vivenciar os cinco sentidos da floresta.
Design Futures Dialogues (Núcleo II)
Abertura a 21 de março.
O que acontece quando o design se junta à biologia e à engenharia? Como é que as técnicas ancestrais contribuem para a sustentabilidade? Como é que os resíduos podem dar vida a novas soluções de design?
Descubra 20 projetos fascinantes que propõem soluções para a poluição, o consumo excessivo e as alterações climáticas.
Para descobrir: novos materiais e ideias reais de alunos e investigadores para uma transição sustentável.
Horário
De 3.ª feira a domingo: das 10h00 às 18h00
Centro de Exposições do Pavilhão de Portugal
visitas guiadas e atividades
Para o Público Geral e Famílias
De 21 de março a 31 de julho de 2026
No segundo domingo de cada mês, as portas do conhecimento abrem-se para todos.
Participe nas nossas visitas guiadas, com a designer Ana Mestre.
Datas: 12 de abril, 10 de maio, 14 de junho e 12 de julho
Para Escolas (3.º Ciclo e Secundário)
De 22 de abril a 30 de junho de 2026
Traga a sua turma para explorar o design como ferramenta de transformação.
Visitas guiadas e oficinas práticas disponíveis mediante marcação.
Biografia
Ana Mestre, nasceu em Lisboa (1978), é doutorada em Sustainable Design Innovation pela Delft University of Technology na Holanda. É Professora Auxiliar em Design de Equipamento na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. É professora visitante na Loughborough University London.
Desde 2000 que coordena e desenvolve trabalho de investigação na área do Ecodesign e Design para a Sustentabilidade e mais recentemente na área do Design para a Economia Circular. Foi fundadora da SUSDESIGN – estúdio de design para a sustentabilidade (2006), no âmbito do qual desenvolveu a iniciativa ´Design Cork for Future Innovation and Sustainability´ (2008) e a marca a CORQUE DESIGN (2009).
Possui um portfólio de mais de 50 exposições de design em vários destinos internacionais, tais como a exposição ´Cork Design Pionners´ (2011) em Nova Iorque e a exposição Destination Portugal no MoMa, também em Nova Iorque.
Em 2015, foi nomeada como finalista ao Prémio Português de Design com o seu trabalho de design em cortiça. Em 2016, o comitê científico da fundação “La Triennale di Milano” nomeou e destacou o seu trabalho e exposição CORQUE#016, no âmbito da “XXI Trienal di Milano – Design After Design”.
Entre 2016 e 2018 foi ´Research Fellow´ na Nothingham Trent University onde desenvolveu o Pós Doutoramento na área do Design para Economia Circular e oMBA.
Entre 2020 e 2021 foi consultora especialista na área do Design para a Sustentabilidade e Economia Circular para a Presidência Portuguesa do Conselho da União Europeia 2021 (PPUE 2021), no âmbito do qual foi consultora da Direção da Missão Diplomática, e desenvolveu o design de mobiliário das áreas sociais da sede da PPUE 2021 e da Cimeira Social Europeia 2021. Em 2023 iniciou a coordenação da iniciativa Design Futures apoiada pela Direção-Geral das Artes do Ministério da Cultura e co-produzida pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. É atualmente coordenadora do Future Worlds Lab, grupo de investigação do CIEBA – Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes.
Floating with Cassini _ exposição de José Quaresma _ Academia de Belas Artes de Bolonha
May 23 2026
15 > 31 MAIO 2026 | Ala Collamarini | Academia de Belas Artes de Bolonha
José Quaresma, docente da FBAUL; inaugura dia 15 de maio a exposição de desenho, instalação e pintura Floating with Cassini, na Academia de Belas Artes de Bolonha. No dia 16 de maio, um dia após a inauguração, fica disponível neste site o catálogo digital desta exposição.
A exposição Floating with Cassini reúne desenhos de grande escala, instalação gráfica e pintura, desenvolvendo-se em torno de uma Selenografia (imagem gravada da Lua, séc. XVII), composta por muitos desenhos de observação telescópica do satélite da Terra, num esforço conjunto de contemplação de um corpo celeste por Cassini e pelo gravador Jean Patigny. Esta “saída de órbita” por intermédio de estudos astronómicos, nos quais Cassini não hesitou projectar e desenhar rostos humanos, constituem a motivação central desta exposição. Foi igualmente determinante para o desenvolvimento deste projecto a deambulação pelo pavimento da Basílica de S. Petrónio, no qual se encontra a incisão de um vasto relógio de sol com indicações astronómicas preciosas, iluminando “a vida que corre” com ligações àquilo que transcende a Terra, moldando-a com enigma e espiritualidade.
JOSÉ DIAS SANCHO – CARICATURA E HUMOR. Exposição Museu Bordalo Pinheiro
May 22 2026
©Museu Bordalo Pinheiro
29 ABRIL > 31 MAIO 2026 | MUSEU BORDALO PINHEIRO
No próximo dia 29 de abril, pelas 18h30, o Museu Bordalo Pinheiro inaugura a exposição JOSÉ DIAS SANCHO – CARICATURA E HUMOR.
A partir de projeto de mestrado de Joana Galrão, defendido na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, no âmbito do Mestrado de Crítica, Curadoria e Teorias de Arte, esta exposição tem a curadoria do Prof. Fernando Rosa Dias.
Esta exposição pretende apresentar as facetas de caricaturista e humorista de José Dias Sancho (1898-1929), figura polifacetada, polémica e dinâmica, mas ainda esquecida da história do Modernismo português. Com protagonismo em várias atividades, foi advogado, poeta, escritor, publicista, autor e dinamizador, tendo criado a primeira empresa cinematográfica do Algarve. A sua morte precoce, sem completar 31 anos, contribuiu para o fim do tempo de ouro do Modernismo Algarvio, diligente durante a Primeira República.
Depois da exposição «Regionalismo e Modernismo» no Museu Municipal de Faro, centrado em diálogos de José Dias Sancho com outras figuras do Modernismo, esta exposição no Museu Bordalo Pinheiro destaca a sua atividade de caricaturista e de humorista, da imagem ao texto, tal como o seu gosto por causas e polémicas, e ainda algum foco nas relações que estabeleceu com os modernistas de Lisboa. A exposição seguirá depois para São Brás de Alportel, como um «Regresso à Terra» Natal.
In https://museubordalopinheiro.pt/expo/jose-dias-sancho/
Elogio da Loucura ou a Loucura do Pintor_ exposição de Agostinho Santos
May 06 2026
6 > 28 MAIO 2026 | CAPELA DA FACULDADE DE BELAS-ARTES
No dia 6 de Maio, às 17h00, inaugura na Capela da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a exposição “Elogio da Loucura ou a Loucura do Pintor”, de Agostinho Santos.
Curadoria: Beatriz Meireles e de Luís Jorge Gonçalves.
Nesta data, será também realizado o lançamento do Livro de Artista Elogio da Loucura ou a Loucura do Pintor.
A exposição e a edição do livro resultam de uma colaboração entre a Faculdade de Belas-Artes e Câmara Municipal de Paredes.
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Agostinho Santos expressa, através do conjunto de obras apresentadas, onde inclui um Diário Gráfico, as suas faces da loucura. As suas imagens são também um convite a se refletir sobre como a loucura é quotidiana. Sentimos que a loucura está para além do que a cultura popular associa à insanidade, ou à demência, ou seja, os estados de desequilíbrio químico no cérebro, ao nível neurológico.
Agostinho Santos, como jornalista foi uma pessoa que lutou pela liberdade e como artista, no seu conjunto de desenhos e pinturas exprime a liberdade, o seu poder crítico e o seu olhar sobre o tempo em que vivemos. Encontramos a deusa loucura, Erasmus de Roterdão, porque esta foge à essência do racional. Nesta busca, as imagens da loucura levam-nos a questionar o mundo atual. Somos loucos a olhar para um personagem desequilibrado, que governa uma grande potência, apoiado em narrativas da desinformação, com uma ideologia de domínio de recursos, para uma oligarquia restrita, veiculado e ampliada através de uma cadeia humana e tecnológica, com discursos justificando o que não é racional, mas jogando com as emoções. A irracionalidade está a tomar conta de nós e esta série, de desenhos e do Diário Gráfico de Agostinho Santos conduz-nos a essa reflexão e provocam emoções em nós. Para que mundo caminhamos, com a deusa Loucura?
ivens perspectives — exposição de amália bragança
May 05 2026
10 ABRIL > 17 MAIO 2026 I IVENS LIVING REAL ESTATE
Inaugura no dia 10 de abril, no espaço IVENS Living Real Estate, Rua Ivens 2, 1200- 227 Lisboa, a exposição de Amália Bragança, no âmbito do acordo de colaboração entre a IVENS e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos seus artistas, em contexto formativo.
Coordenação: Investigadora Ana Matilde Sousa
Amália Bragança (n. 2005) reside e trabalha em Lisboa, frequentando atualmente o 3.º ano da licenciatura em Pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. O seu corpo de trabalho, de natureza multidisciplinar, explora as potencialidades da imagem estática e em movimento, procurando construir narrativas a partir do confronto entre realidades distintas. Desenvolve a sua prática através de diversos suportes e técnicas, como o desenho, a pintura, a fotografia e o vídeo, navegando entre o bidimensional e o tridimensional. Participou em diversas exposições coletivas, entre as quais se destacam The Conception of Youth (Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, 2026), O Último Tranca a Porta (Lugar Específico, Lisboa, 2025), Casa da Ladra – Residência Artística SAFRA (Lisboa, 2025), Vogados (Rua Camilo Castelo Branco, Lisboa, 2025) e GABA – Galerias Abertas (Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, 18.ª edição, 2025; 17.ª edição, 2024; 16.ª edição, 2023).
estudos para uma cábula – exposição de joão palmeira
May 01 2026
23 ABRIL > 13 MAIO 2026 | GALERIA BELAS-ARTES
A exposição Estudos para uma cábula de João Palmeira, está patente de 23 de abril a 13 maio, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes.
Curadoria: Nuno Sousa Vieira
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
A cábula não é apenas um objeto, nem um simples repositório de informações, mas sim um dispositivo de transformação, que não se limita a guardar o que o tempo deposita, atuando sobre ele, uma vez que vai revelando camadas de sentido que só se tornam visíveis através da experiência de quem a manipula, de quem o dobra, de quem o guarda ou de quem o usa. Neste contexto, a pergunta que a cábula suscita permanece: como apreender e compreender o que o tempo nos deixa? A informação que contém pode ser a mesma, mas a resposta nunca é única. Cada gesto, cada olhadela, cada espirro e cada dobra, reescrevem o seu significado, como se a cábula fosse um espelho que, em vez de refletir, multiplica as possibilidades do que já existe. Neste sentido, considerando que a informação que ela contém parece imutável, mas as respostas se multiplicam e se desdobram, cada leitura é um novo gesto e cada interpretação é uma nova camada de sentido. A cábula é, assim, um manual de operações abertas: não prescreve, sugere; não comprime, amplia; segundo o qual, a cada resposta precede sempre uma nova pergunta.
[excerto de «A Cábula do Nariz para o Bolso», de Nuno Sousa Vieira]
folded over itself – exposição de Lola Sementsova
Apr 12 2026
9 > 17 ABRIL 2026 | GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 9 de abril, às 18h, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Folded Over Itself de Lola Sementsova.
Curadoria: Alexia Alexandropoulopu
Coordenação: Marta Castelo
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Folded Over Itself
The exhibition unfolds through a sequence of works that move between the intimate and the architectural, the bodily and the structural.
It begins with a table. On it, a white ceramic vase opens along a cut that feels too deliberate to be accidental and too exposed to be purely decorative. The wound is lined with small, glistening stones that catch the light and hold it there. Next to it, a piece of meat, red and similarly encrusted, sits beside a knife and fork. The scene appears familiar, almost domestic, but something is off. What is presented as if it could be consumed resists that possibility.
There is an attraction in this. The setting is theatrical, even seductive, but it gradually leads somewhere more uncomfortable. This tension recalls what Georges Bataille described as the closeness between desire and disturbance, where what draws us in is also what unsettles us.
Further into the space, a red cage appears. It is large, close to the scale of the human body, and you feel it in relation to your own. Its structure is strict, repetitive, almost cold, but it has been wrapped, softened, worked through by hand. The red thread changes everything. It gives the structure a density, as if it were carrying something within it, even when it appears empty. The colour is insistent. It brings associations of blood, of interior life, but also of warning, of something that should perhaps not be touched.
There is something excessive here, something that does not settle into a single meaning. It feels both protective and restrictive at the same time. As Julia Kristeva suggests, these are the moments where boundaries begin to blur, where inside and outside are no longer clearly separated.
In another room, a video shows a hand pouring sand into a cage. The gesture repeats. The sand slips through, gathers, disappears, and begins again. Nothing accumulates. Nothing resolves. Over time, the action becomes almost hypnotic, not because it changes, but because it doesn’t. It stays with the same attempt, again and again, to hold something that cannot be held.
Across the exhibition, materials carry a strong presence. Wool, ceramic, sand, glass. They feel familiar, grounded, but are used in ways that shift their meaning. The domestic meets something more visceral. Protection begins to resemble containment.
There is no clear conclusion here. The works remain in an in-between state. They hold things together, but not completely. They leave something open, not fully exposed, but not entirely contained either.
courier de mário caeiro /// a casa – all my colors de pedro rosa
Mar 21 2026
19 MARÇO > 09 ABRIL 2026 I CAPELA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 19 de março, às 18h30, na Capela da Faculdade de Belas-Artes, a exposição A Casa – All my Colors de Pedro Rosa. Trata-se de uma exposição de fotografias esquecidas dos tempos partilhados nas Belas Artes. Designers formados nos anos 80 na ESBAL, Caeiro, hoje curador, e Rosa, hoje designer, manifestam neste reencontro o seu interesse pela memória dos afetos. The kids are allright.
A exposição ficará patente até 9 de abril.
Horário: 2º a sábado – 11h/19h
Ainda na Capela, no mesmo dia à mesma hora, será apresentado o livro Courier de Mário Caeiro. Trata-se de um livro de poesia em modo fanzine arty e exposição em recato registo de escrita lumínica celebram memórias pessoais dos anos 80. Mário Caeiro publica esquecíveis poemas de juventude. Courier de seu título, em edição de autor.
A publicação de poesias de juventude por Mário Caeiro [n. 1966], juntamente com uma exposição de fotografia com imagens da mesma época feitas por Pedro Rosa [n. 1967], lançam (aceitam) um desafio. Como celebrar — e tornar oportuna — a memória dos afetos? Num registo íntimo, Caeiro e Rosa, ambos designers de formação, que passaram pela ESBAL em meados dos anos 80, mostram esquecidos poemas arquivados, folhas dactilografadas e impressões fotográficas até aqui guardadas em rolos.
A conversa é instigada por Fernando Rosa Dias, investigador, docente na FBAUL e diretor da revista CONVOCARTE.
Na antevisão do inenarrável livro de poesia, Caeiro aproveita a ocasião para apresentar Collage, seleção de colagens recentes. E Pedro Rosa reúne seleção de fotografias do seu arquivo na exposição A CASA – ALL MY COLOURS. Aos visitantes é disponibilizada banda sonora via Spotify.
O livro ficará disponível exclusivamente na LIVRARIA LINHA DE SOMBRA na Cinemateca Portuguesa em Lisboa.
além da superfície — exposição de isabel castelo branco
Mar 13 2026
13 > 20 MARÇO 2026 I CORREDOR DO AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Inaugura no dia 13 de março, no corredor do auditório Lagoa Henriques, a exposição Além da Superfície de Isabel Castelo Branco. A exposição ficará patente até 20 de março.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Na lonjura do oceano onde o horizonte é a linha que funde mar e céu, a água do mar revela-se como um caminho etéreo, fluindo de forma natural e espontânea. Como as ondas que dançam ao sabor do vento, é neste movimento constante que construo o meu pensamento, moldando-o como esculturas de sal.
O mar, esse eterno guardião dos segredos da natureza é um reflexo dos opostos que habitam dentro de nós. Na sua calmaria serena, encontramos paz e tranquilidade, apenas para sermos desafiados pela fúria tempestuosa que ruge nas suas profundezas, lembrando-nos da transitoriedade e da imprevisibilidade da vida.
Nesse jogo de contrários, onde o sereno encontra o furioso, as contradições e as ambiguidades florescem como flores selvagens numa costa rochosa. Cores fortes e intensas dançam no horizonte, criando um espetáculo visual de contrastes e conflitos.
No entanto, é nesse caos aparente que encontramos uma busca pela harmonia, uma tentativa de reconciliar os opostos e encontrar o equilíbrio.
A cor é para mim uma linguagem vital. É nela que encontro a emoção, o ritmo. A teoria de Johannes Itten ressoou profundamente com esta minha preocupação, em que a verdadeira harmonia nasce do contraste entre as cores, do jogo de forças, da tensão dinâmica entre as cores, entre o quente e o frio, o claro e o escuro. É na oposição que se revela a expressividade mais profunda da cor.
E assim, enquanto os nossos olhos se perdem na vastidão azul do mar, somos convidados a olhar para além do visível, a mergulhar nas profundezas do próprio invisível.
É um convite à contemplação da alma, uma jornada interior onde encontramos a verdadeira essência da existência.
Este movimento, que fez surgir a pintura, ressoa nela.
Isabel Castelo Branco
desenho anatómico – um olhar para além da morfologia
Mar 12 2026
05 > 19 MARÇO 2026 | GALERIA BELAS-ARTES
Exposição
Desenho anatómico – um olhar para além da morfologia.
A anatomia ocupa, desde há séculos, um lugar central na formação artística. Muito antes da institucionalização das academias, artistas procuraram compreender o corpo humano a sua estrutura mais profunda, não apenas como compreensão morfológica, mas como sistema articulado de ossos, músculos e tendões que sustentam a forma e o movimento. O estudo anatómico tornou-se, assim, uma ferramenta de conhecimento e um exercício de rigor, permitindo representar o corpo com consciência estrutural científica, procurando a naturalidade e a fluidez da arte.
Nas academias de arte, o desenho anatómico e a anatomia artística consolidaram-se como pilares fundamentais da aprendizagem. A sua linhagem pedagógica é longa e atravessa diferentes momentos históricos, sobrevivendo a reformas estéticas, a ruturas conceptuais e às sucessivas transformações do ensino artístico.
Com a modernidade e a rutura com o modelo académico, o corpo deixou de ocupar a centralidade absoluta que detinha, e disciplinas como o Desenho Anatómico foram, por vezes, consideradas obsoletas. No entanto, a sua relevância nunca desapareceu. Pelo contrário: a compreensão estrutural do corpo revelou-se essencial para novas linguagens visuais.
Áreas contemporâneas como a animação, a ilustração científica, o concept art e as narrativas visuais reafirmaram a anatomia como um dos fundamentos estruturais da prática artística. Num tempo em que o movimento, a expressão corporal e a construção de personagens assumem um papel determinante, o conhecimento anatómico não é apenas herança histórica, é ferramenta ativa de criação.
É neste movimento cíclico que a anatomia regressa com renovada vitalidade.
A presente exposição reúne trabalhos dos estudantes das unidades curriculares de Desenho Anatómico I e II, revelando abordagens distintas e complementares. Algumas obras assumem uma linguagem mais académica, centrada na observação rigorosa e na construção estrutural; outras exploram caminhos mais livres e disruptivos, integrando a anatomia como matéria plástica e território de experimentação.
Em ambas as abordagens, permanece uma constante: a consciência do corpo como campo de conhecimento, como estrutura inteligível e como espaço de liberdade criativa.
Esta exposição não é apenas um conjunto de exercícios académicos. É testemunho da continuidade de uma tradição e, simultaneamente, da sua transformação. Entre a herança e a reinvenção, o ensino do desenho anatómico afirma-se como espaço de pensamento, de disciplina e de imaginação.
No contexto das Jornadas de Anatomia Artística, estes trabalhos evidenciam que a anatomia não pertence ao passado, mas sim ao presente da criação e ao futuro das artes visuais.
Professor de Desenho Anatómico, Anatomia Artística e Anatomia Comparada – FBAUL,
Frederico Elias
Lista de alunos que terão os trabalhos expostos:
- André Meco, Desenho;
- Alina Gaspar, Desenho
- António Neves, Arte Multimédia
- Bárbara Cabral, Pintura
- Bruna Bento, Desenho
- Catarina Lago, Arte Multimédia
- Débora Centeio, Desenho
- Inês Mesquita, Design de Comunicação
- Leonor Mendes, Pintura
- Mariana Esteves, Design de Comunicação
- Nuno Baptista, Arte Multimédia
- Selma Pina, Design de Comunicação
- Rita Afonso, Design Comunicação
- Rosa Barros, Pintura
- Vera de Gusmão, Arte Multimédia
- Xavier Ramos, Pintura
Assistência Curatorial:
Professor Frederico Elias (coordenação)
- Jay Barros
- Júlia Domingos
- Julieta Österdahl
- Leonor Ferreira
- Madalena Silva
- Maria Valadares
- Rosa Barros
- Sara Sales
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Estes eventos são passíveis de ser fotografados e filmados e posteriormente divulgados publicamente.
JORNADAS DE ANATOMIA ARTÍSTICA
6 MARÇO 2026 | 9H45 – 17H00 | AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES FBAUL
Entrada livre, limitada à lotação da sala.
Programa
Manhã (9h45 às 12h30):
9h45 – Abertura das jornadas com o Professor Doutor Eduardo Duarte, presidente da FBAUL;
10h00 – A Anatomia e a Arte, a influência da Renascença – Andreas Vesalius:
- Introdução e mediação – Professor Doutor Óscar Dias, Ex-Professor Catedrático de ORL da FMUL e Especialista de Medicina do MUHNAC;
- Arte no Hospital – Professora Doutora Maria da Graça Oliveira, Assistente Hospitalar Graduada de Pediatria Médica, Subespecialista em Neonatologia e Docente da FMUL;
- Arte e ciência – Professor Doutor Victor Oliveira, Docente de Neurologia da FMUL, Diretor do Museu Egas Moniz e colaborador do Núcleo do Património da FMUL;
- Perguntas e debate, 20 minutos;
- Intervalo 15 minutos;
- A Fabrica Humana de Vesalius: breve apresentação da obra - Doutora Susana Henriques, Coordenadora da Biblioteca e Património da FMUL
- Vesalius e o seu papel na História da Anatomia – Professora Doutora Lia Neto, Diretora do Instituto de Anatomia da FMUL e docente na FMUL;
- Calcar & Vesalius, A Colaboração que Redefiniu a história da Anatomia e da Arte – Professor Doutor Frederico Elias, docente de desenho e anatomia na FBAUL e investigador do CIEBA;
- Perguntas e debate, 20 minutos.
Tarde (14h00 às 17h00)
- Introdução Professor Doutor Artur Ramos, docente de desenho na FBAUL e investigador do CIEBA;
- Gipsoteca Digital – Professor Doutor José Revez, docente de escultura na FBAUL e investigador do CIEBA;
- Académias: Conservação e Valorização da Coleção de Pintura da FBAUL – Doutora Liliana Cardeira, Investigadora do CIEBA e Pós-Doutorada em Ciências da Arte e do Património pela FBAUL;
- A Anatomia Artística dos séculos XIX e XX no ensino lisboeta – As coleções de Desenho Anatómico da Universidade de Lisboa – Mariana de Figueiredo Sousa, Investigadora do CIEBA e Doutoranda em Belas-Artes, FBAUL;
- Perguntas e debate, 20 minutos;
- Intervalo 15 minutos;
- Tecnologias emergentes ou/e abordagens mais tradicionais? decisões informadas no ensino da Anatomia como ciência de base para outros campos médicos – Professora Doutora Graça Alexandre-Pires, Docente da Faculdade de Medicina Veterinária da Universidade de Lisboa e Investigadora do CIISA/AL4Animals, coordenadora do sector de Anatomia;
- Dissecação anatómica de figuras fantásticas, da convergência da natureza e da arte, Fortunio Liceti por Giovanni Battista Bissoni – Professor Doutor Armando Jorge Caseirão, Docente Agregado da FAUL e Investigador do CIEBA;
- Estatuária olmeca e o culto do jaguar, representação e significados de anomalias morfológicas – Teresa Monteiro, Estudante da Licenciatura em Ciências da Arte e do Património (FBAUL);
- The Body as Medium: Artistic Anatomy, Identity, and Social Transformation –Maria Ventura – Coordenadora do Departamento de Artes do King’s College School, Cascais;
- Perguntas e debate, 20 minutos;
- Conclusão.
ivens perspectives — tomás boto exhibition
Mar 12 2026
23 FEVEREIRO > 09 ABRIL 2026 I IVENS LIVING REAL ESTATE
Inaugura no dia 23 de fevereiro, no espaço IVENS Living Real Estate, Rua Ivens 2, 1200- 227 Lisboa, a exposição de Tomás Boto, no âmbito do acordo de colaboração entre a IVENS e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos alunos da FBAUL, em contexto formativo, projeto com a coordenação da Investigadora Ana Matilde Sousa.
Tomás Boto (n. 2005, Portimão) vive em Lisboa e estuda atualmente Pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. O seu trabalho desenvolve-se a partir de uma linguagem artística exploratória e sem filtros, que lhe permite construir e desconstruir continuamente o próprio processo plástico. Parte de contextos do quotidiano e de referências visuais que lhe despertam interesse, trabalhando o desenho e a escrita através de um humor muito próprio, procurando, nas suas composições, mais a pergunta do que a resposta. Realizou duas exposições individuais no Algarve, Folha Sem Linhas (Ferragudo, 2024) e Marafade Sejas (Ferragudo, 2025), e participou em diversas exposições coletivas, como GABA – Galerias Abertas (FBAUL, 16.ª–18.ª ed., 2023–2025), Pensar Pá Fora (Lisboa, 2025), Arquipélago (Lisboa, 2025) e Fora de Zona (Lisboa, 2025). É ainda cofundador e artista residente do coletivo W.A.S.P. (Where Art Seeks Prospect), que atua em várias áreas artísticas com o objetivo de organizar encontros e exposições, dando palco a artistas emergentes.
A exposição de Emília Silva decorreu entre 7 de janeiro e 22 de fevereiro de 2026 na IVENS Living Real Estate, no âmbito do acordo de colaboração entre a IVENS e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos alunos da FBAUL, em contexto formativo, projeto com a coordenação da Investigadora Ana Matilde Sousa.
Emília Silva (Coimbra, 2005) reside e trabalha em Lisboa, onde frequenta atualmente o curso de Pintura na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Concluiu o curso profissional de Produção Artística – Cerâmica na Escola Artística António Arroio. A sua prática explora a interseção entre pintura e desenho, enraizada num amor pelas narrativas visuais e pelas artes gráficas. A procura de abrigo em situações de desconforto constitui um tema recorrente no seu trabalho, materializado através de metáforas visuais e da criação de paisagens irreais. Participou em diversas exposições coletivas, entre as quais Fora de Zona (Galeria Liminare, Lisboa, 2025), HAMMER TIME (Zaratan, Lisboa, 2025), Vogados (Rua Camilo Castelo Branco, Lisboa, 2025), O último tranca a porta (Lugar Específico, Lisboa, 2025) e Casa da Ladra – Residência Artística (Safra, Lisboa, 2025).
belas artes: uma história da biblioteca
Mar 12 2026
24 OUTUBRO 2025 > 21 março 2026 I BIBLIOTECA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 24 de outubro, na Biblioteca da Faculdade de Belas-Artes, no âmbito das comemorações do Dia das Belas-Artes, a exposição Belas Artes. Uma História da Biblioteca que ficará patente até 21 de março de 2026.
A exposição Belas Artes. Uma História da Biblioteca pretende dar a conhecer de forma inédita o processo evolutivo desde a sua fundação em 1957, na apelidada “Reforma de 57” da Escola Superior de Belas Artes de Lisboa, passando pela sua abertura em 1969, até se tornar a biblioteca universitária dos dias de hoje.
São expostos objetos e documentos que fazem parte da sua história recente, e que constituíam a atividade biblioteconómica no modo analógico, mas que são hoje obsoletos, devido à informatização que se processou desde a década de 1990 e mais recentemente a passagem aos meios digitais.
Expõem-se objetos que fizeram parte da atividade biblioteconómica, e documentos das coleções bibliográficas disponibilizadas aos utilizadores. Entre estas coleções, encontra-se um documento gráfico raro, publicado e impresso nos finais do século XIX, com mais de 6 metros de comprimento, e que é um exemplos das curiosidades bibliográficas e iconográficas existentes nesta biblioteca.
pensar o monumento a partir de jorge vieira
Mar 11 2026
24 JANUARY > 22 MARCH 2026 I BEJA CASTLE GALLERY
The exhibition Pensar o Monumento a partir de Jorge Vieira opens on 24 January at 4pm at the Beja Castle Gallery.
Beja Castle Gallery
Castelo – Casa do Governador
Largo Dr Lima Faleiro, 7800-266 Beja
turismo@cm-beja.pt | 284 311913
Opening hours – Monday to Sunday: 9.30am-12pm / 2pm-6pm
Pensar o Monumento a partir de Jorge Vieira is an exhibition that emerges in the context of a crisis of collective representation in the public space and against the dilution of values, we recover the Monument to the Unknown Political Prisoner as a symbol of political and artistic resistance. (…)
The exhibition features 1:25 scale models made by seven students from the Sculpture Master’s programme at the Faculty of Fine Arts in Lisbon, where Jorge Vieira also taught, and with them studies, drawings and images that contribute to an understanding of a sculptor’s working process. These are potential monuments designed for today, with no specific location, but with the latency to transform and integrate into any city, town or region on the globe, in places where society allows itself to reflect and embrace the vulnerability that constitutes us and make a more humane society flourish once and for all.
Sérgio Vicente and Marta Castelo
o pão como desenho
Mar 11 2026
16 OUTUBRO 2025 I MUSEU DO PÃO, SEIA
Dia 16 de outubro, pelas 16.00 horas, inaugura a exposição O pão como desenho, no Museu do Pão, em Seia. Integrando 20 artistas e docentes ligados a instituições do ensino artístico superior (onze nacionais e nove estrangeiros), o desafio lançado aos artistas participantes consistiu na realização do “pão da sua vida” sob a forma de desenho com dimensões muito generosas (entre os 100×70 cm e os 170×150 cm), no qual pudessem expressar, de modo contemporâneo, imagens do pão ou de momentos do ciclo do pão. O projecto e a curadoria são do docente José Quaresma e a organização do Museu do Pão.
Os vinte artistas e docentes participantes, entre os quais se encontram dez da FBAUL, são os seguintes:
Agim Sako, Alice Bomberini, Alicia Habisiak-Matczak, António Pedro, António Quadros, Bethânia Barbosa, Diana Costa, Domingos Rego, Elia Sponton, Evgeniya Hristova, Juan Carlos Ramos, João Sobreira, José Quaresma, Lima de Carvalho, Margarida Prieto, Marta Soares, Paulo Lourenço, Pedro Fortuna, Rui Serra, Stefano Pasquini, Tomasz Matczak.
Horário: 4ª a domingo – 10h/18h
phenomena — isabel sabino, domingos rego e rui serra exhibition
Feb 19 2026
FINISSAGE 21 FEVEREIRO 2026 > 1800 I MUSEU DE HISTÓRIA NATURAL E DA CIÊNCIA
Realiza-se no próximo sábado, dia 21 de fevereiro, às 18h00, a finissage da exposição Phenomena, conversa e visita guiada com Rui Serra, Isabel Sabino e Domingos Rego, moderação de Sofia Marçal e Marta Lourenço.
No âmbito do Programa Arte, Natureza e Ciência do Museu de História Natural e da Ciência, realiza-se a exposição Phenomena dos artistas visuais Isabel Sabino, Domingos rego e Rui Serra, apresentada em três salas em simultâneo, entre 23 de janeiro e 22 de fevereiro de 2026.
Inauguração 23 janeiro 2025 – 18h00.
PHENOMENA – périplo
Domingos Rego
Périplo parte de experiências vividas pelo artista no Parque Natural da Arrábida, reunindo um conjunto de trabalhos (pintura, desenho e fotografia) que propõem sucessivas aproximações a este território, desde um campo de visão cartográfica, até aos detalhes de flores autóctones.
Sala A060
PHENOMENA – pro
Isabel Sabino
Pro poderia ser o nome de uma cobaia, um corpo sujeito a ensaios cuja indefinição remete para um estado em devir, algo entre célula, carne, cinzas, pedra, água, animal e vegetal, planeta, orgânico e inorgânico, natural e artificial, letra e algarismo, memória e imaginário.
Sala: Laboratório de Química Analítica
PHENOMENA – polis
Rui Serra
Polis é o título de uma série de trabalhos tridimensionais apresentados por Rui Serra. São maquetes de espaços indefinidos, são ferramentas ou instrumentos ritualísticos, oriundos de uma desconhecida (e hipotética) civilização futura.
Sala A050
Learning otherwise — Portais para um mundo mais-do-que-humano
Feb 19 2026
5 > 25 FEVEREIRO 2026 | GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 5 de fevereiro, às 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a exposição coletiva Learning otherwise — Portals into a more-than-human world, organizada pela Cultivamos Cultura e com curadoria de Emma Hallemans e Rita de Almeida Leite.
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Learning otherwise — Portals into a more-than-human world
“Wonder is an essential survival skill for the Anthropocene” — Robert Macfarlane
In times when we forget to learn from the past, feel uncertain about which sources to trust, and exhaust ourselves as teachers, this exhibition foregrounds an unconventional mode of learning through time and ecologies. It shifts our attention toward collective intelligences rooted in deep relationships with surrounding environments, where the human body is no longer the sole center of knowledge.
This exhibition guides us through processes of learning shaped by transgenerational encounters — including those unfolding between our DNA strands. Situated between scientific inquiry and speculative thinking, it investigates invisible ecologies, more-than-human intelligences, and modes of perception that challenge and complement anthropocentric frameworks. Drawing from microorganisms, worlds parallel to human existence, and (extra)sensory influences, the selected works explore how immaterial forces and unseen entities shape form, matter, and experience. We invite you to momentarily disembody and re-embody otherwise. How might we shape new pedagogical relationships within the walls of a university?
Emma Hallemans
Rita de Almeida Leite
matéria sensível, forma indizível: corpo e espaço em artesanias fotográficas (sensitive material, unspeakable form: body and space in photographic crafts)
Feb 04 2026
09 > 13 FEBRUARY 2026 I FBAUL CHAPEL
THE OPENING HAS BEEN POSTPONED TO FEBRUARY 9 DUE TO THE FORECAST OF WORSENING WEATHER CONDITIONS.
Inaugurated on 9 February at 6:30 p.m. in the Chapel of the Faculty of Fine Arts, the exhibition matéria sensível, forma indizível: corpo e espaço em artesanias fotográficas will remain open until 13 February.
This event may be photographed and filmed and subsequently disclosed publicly.
The exhibition matéria sensível, forma indizível: corpo e espaço em artesanias fotográficas is an invitation to a journey between body, form and space. In it, the image is not presented as an immediate record, but as a gradual event and unveiling.
By bringing together the artistic work of Leandro Souza, Odinaldo Costa and Taci de Farias, the exhibition proposes, through cyanotype, a reading that opposes the instantaneity of the digital, establishing an extended relationship with time and inspiring a political gesture of resistance to haste and oblivion.
Here, the body ceases to be merely a theme and acts as active matter and autobiographical territory. And thus, it articulates subjectivities, identities, memories and presence.
TECHNICAL INFORMATION
Artists: Leandro Souza, Odinaldo Costa and Taci de Freitas (Lab Clube).
Curator: Shannon Botelho.
Organisation: Fabián Cevallos Vivar (CIEBA/FBAUL).
Support: FCT – Foundation for Science and Technology.
alegrete – sculpture fbaul students exhibition
Feb 03 2026
27 JANUARY > 03 FEBRUARY 2026 I QUINTA ALEGRE, LISBON
The ALEGRETE exhibition by the final-year sculpture students of the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon opens on 26 January at 5.30pm at Quinta Alegre, Palácio do Alegrete. The exhibition will run until 3 February.
Quinta Alegre/ Palácio do Alegrete
Campo Amoreiras 94
1750-025 Lisboa
informacoeseservicos.lisboa.pt | 210521760
Opening hours – Monday to Friday: 10am to 5.30pm / Saturday and Sunday: 2.30pm to 5.30pm
This event can be photographed and filmed, and then made public.
ALEGRETE is an exhibition that brings together the work of the final-year sculpture students at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon in the first semester of 2025/2026. Quinta Alegre is a cultural space with excellent conditions for developing an integrated sculpture project – art in dialogue with architecture and its history. It’s a place with unique qualities for this exhibition, a place where you can still recognise the gardens, orchard, vegetable garden and woodland, features of the 18th century pleasure farm organisation on the outskirts of Lisbon, but also because today this farm is a refuge for the affirmation of full citizenship in a complex urban area disqualified by the process of informal urbanisation in the second half of the 20th century.
The investigative work through artistic practice developed by the students critically positioned themselves in this field of contrasts between the historical, urban and social situation that mirrors the diversity of approaches present in this exhibition. Sculpture, in its material condition, merges in this exhibition with time and the experience of place.
Participants in the exhibition: Ana Almeida, Ana Carvalho, Ana Marta Santos, Anna Uklejewska, António Arrobas, Beatriz Carvalho, Beatriz Lopes, Becky Harrison, Brito Atrofio, Bruna Gouveia, Catarina Araújo, Catarina Pestana, Catarina Valério, Clara Pedroso, Cláudia Varela, Coimbra, Fransje Langedijk, Guilherme Custódio, Jiaqi Qiu, Joana Cunha, Joana Motta, joão pires, Leal Pereira, Leonor André, Lore, Madalena Martinez, Mariana Pombo, Matilde Marques, Miguel Basto, Miguel Jerónimo, Minês, Naia Branco, Rafael Dos Santos, Sofia O’Neill, Sonia Singh e Teresa Faria
ângela ferreira na art basel qatar 2026
Feb 03 2026
05 > 07 FEVEREIRO 2026 I ART BASEL QATAR, DOHA
A artista Ângela Ferreira, professora da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, participa da primeira edição da Art Basel no Médio Oriente que se realiza em fevereiro de 2026. Depois de Basel, Miami Beach, Hong Kong e Paris, a edição inaugural da Art Basel Qatar será realizada no M7, um centro criativo no coração de Doha, bem como no Doha Design District, no centro de Msheireb.
Na Art Basel Qatar 2026 participam 87 galerias de 31 países, incluindo a Cristina Guerra Contemporary Art, que estará representada com obras da artista Ângela Ferreira.
Ângela Ferreira nasceu em Maputo, Moçambique, estudou Escultura durante o regime do apartheid, na Michaelis School of Fine Arts da Universidade da Cidade do Cabo, na África do Sul. Doutorada pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, onde é professora, o seu trabalho de escultura, vídeo e fotografia foca-se no pós-colonialismo, identidade e questões interculturais. Representou Portugal na Bienal de Veneza em 2007, com o projeto Maison Tropicale. Participou em várias exposições individuais e coletivas, e está representada em diversas coleções públicas e privadas.
media and material literacy in extended reality
Jan 25 2026
CONFERENCE PAPER SESSIONS 19TH > 21ST NOVEMBER 2025 I FBAUL /// EXHIBITIONS 20TH > 27TH NOVEMBER I FBAUL / MNAC
Conference Papers Sessions
19 > 21 November
Workshops
19 November – Room 2.07
Exhibitions
20 > 27 November
► Exhibition Opening
13h30
@ Gallery
Katerina Kyriafini, Dorota Hrycak-Krzyżanowska, Małgorzata A. Szyszkowska, Alexandros Kontogeorgakopoulos & Helena Elias, Tom Konyves in collaboration with Jarosław Solecki, Justyna Gorzkowicz & Jarosław Solecki
@ Cistern
Carolina Dias
@ Lagoa Henriques Corridor
FBAUL students
► Guided Visit - 13h45
@Gallery
10 or 15 Poets with a Video Camera
Tom Konyves in collaboration with Jarosław Solecki
18h00
@ MNAC (Museu Nacional de Arte Contemporânea)
Tiago Jordão, Selma Pereira, Miguel Mendoza-Malpartida & Américo Marcelino
This event may be photographed and filmed and subsequently made public.
We invite experienced researchers, young scholars, doctoral candidates, educators, students, practitioners operating in the fields of education, media, technology, culture, and arts, as well as anyone interested in the intersections of hybrid environments and educational practices, to participate in the International Interdisciplinary Scientific Conference organized by the FBAUL (Faculty of Fine Arts, University of Lisbon) and Polish University Abroad (PUNO) on behalf of all project partners as part of the CAPHE project.
After the pandemic, educational institutions have significantly strengthened their engagement with remote and hybrid teaching and learning approaches, complementing traditional modes of instruction and reshaping educational practices, methodologies, and assessments. This transition has highlighted both the potential and vulnerability of digital technology use in education, particularly influenced by factors such as specialization, infrastructure, inclusivity, and access to digital resources.
Within this rapidly evolving hybrid educational milieu, continuous updates to educational practices are required to enhance traditional classroom experiences, through innovative design and implementation of hybrid, online, and virtual learning environments. These efforts aim to foster active learning engagement across educational communities.
Although this digital progress and impact on education, it has been an asymmetrical development, since what is thought, learned and consolidated is vulnerable due to many circumstances underpinning the educational ecosystem. It can be more or less effective depending on the school specialization, infrastructure, inclusive vocational purposes, and their access to open source digital environments. Also, the disciplinary nature of the contents, techniques of knowledge transfer, learning and assessment processes, may constantly require or not fully require the use of digital technology.
Metaverse immersion, human machine – interaction, machine learning environments, data algorithms, released actants of formal or informal training and learning environments, whether as co-creators, or co-curators and co-constructors of knowledge settings and emergent paradigms in education. In fact, considering these endless achievements and upgrades, literacy on extended materiality can be regarded as in need for all matters in the field of education.
Physical and digital pedagogies, immersive settings, synchronous and asynchronous contents, and blended activities now frequently intersect in classes, lectures, training sessions, workshops, and creative exhibitions. The landscape of education is continually reshaped by diverse resources, methodologies, contents, and materialities, both open-source and commercial. Acknowledging these opportunities and challenges related to media and material literacy and hybrid education practices forms the central theme of this conference.
We aim to explore educational principles, hybrid education models, immersive teaching-learning experiences, and their effectiveness within paradigms of inclusivity and equality. The conference will provide a platform to map, critically reflect, and rethink how educational ecosystems are responding to current challenges and opportunities.
REGISTRATION is mandatory
Considering that the event will be filmed, recorded, and photographed, in accordance with data protection regulations, the registration form will request authorization for the processing and public dissemination of images.
Participation of CAPHE Partners in the conference is free of charge but requires registration.
For external applicants the registration with a fee is mandatory.
The fee for the conference is 80€ and for the attendants is 10€.
The fee will be charged afterwards.
Conference Partners – Project Partners
- Conservatorio G. Puccini, La Spezia, (CP) Italy
- Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, (FBAUL) Portugal
- Jagiellonian University in Krakow, (UJ) Poland
- Kenyatta University, (KU) Kenia,
- Miastopracownia (MP) Poland
- Narratologies P.C., (NR) Greece
- Opera Network, (ON) Italy
- Polish University Abroad in London, (PUNO) United Kingdom
- Polish Aesthetic Society, (PTE) Poland
- National and Kapodistrian University of Athens (NKUA)
The Conference is financed under two projects:
UE Funding, No: 101086391
Acronym: CAPHE
Grant programme: HORIZON-TMA-MSCA-SE.
Grant title: Communities and Artistic Participation in Hybrid Environment.
Time: 01.01.2023-31.12.2026
UKRI Funding, No: EP/X038572/1
Acronym: CAPHE
Grant offer: Research Grant, Other JeS Guarantee Calls,
Grant Title: Communities and Artistic Participation in Hybrid Environment.
Time: 01.12.2022-30.11.2026.
seres-artefactos (artifact-beings) — rafaela nunes exhibition
Jan 22 2026
16 > 29 JANUARY 2026 I FBAUL CISTERN
On January 16, at 5 p.m., Rafaela Nunes’ exhibition Seres-artefactos (Artifact Beings) will open at the Cisterna da Faculdade de Belas-Artes.
This event may be photographed and filmed and subsequently made public.
Hybrid entities emerge in the interstices between categories: neither entirely natural nor artificial, neither exclusively human nor machine. Seres-artefactos (Artifact-Beings) are speculations about these hybrids that cross binary boundaries and intertwine natural and artificial, human and non-human, beings and artefacts.
Rafaela Nunes uses a transmedia methodology that intertwines plastic languages such as painting and drawing with programming languages and artificial intelligence. In this poetics of feedback — where each medium informs and transforms the other — the untranslatability between different languages is explored through the instability of interpretation between human and machine.
The work on display invites reflection on the role of more-than-human agencies in artistic practice through co-creation with generative models, procedural programming, and the serendipity of the plastic arts themselves. This practice catalyzes an entanglement of languages and agencies to create hybrid entities that inhabit a speculative interstitial zone.
Seres-artefactos (Artifact-beings) function as speculative fictions about ambiguity and fluidity, offering a lens through which to reflect on the traditional categorisations under which we continue to organise reality. Inviting a post-humanist feminist perspective, it questions the ambivalent relationship with what it means to be ‘human,’ presenting multiplicity and mutability as intrinsic to the various possible forms of being.
mutante awards design at wine
Jan 22 2026
16 > 29 JANUARY 2026 I FBAUL GALLERY
The exhibition of the 2nd edition of the Mutante Awards Design at Wine opens on 16 January at 6 pm in the Gallery of the Faculty of Fine Arts. It is an exhibition of wine label design.
This event may be photographed and filmed and subsequently publicised.
Hours: Monday to Friday – 2 p.m. to 6 p.m.
GUIDED TOURS
Guided tours are free but require registration by emailing design@mutante.pt.
Guided tour next Monday, 19 January 2026 – 2:30 p.m.
Design at Wine is a project that offers a space for reflection for designers and other stakeholders in the process of commissioning, designing, executing and disseminating wine label design projects in Portugal. It seeks to contribute to the creation of specific knowledge and increase visual literacy applied to label and bottle design.
The exhibition showcases the winners of the 2nd edition of the Mutante Awards Design at Wine, in a diverse set of works, with wines from all wine-producing regions of mainland Portugal and the islands, with the participation of small and large national producers, specialised design studios and generalist agencies, as well as independent designers. The results can be seen as a reflection of the design produced in Portugal and show the strategic potential of labels in communicating wine (and olive oil) to consumers.
josé dias sancho: modernismo e regionalismo
Jan 21 2026
08 NOVEMBRO 2025 > 15 FEVEREIRO 2026 I MUSEU MUNICIPAL DE FARO
Inaugura no dia 8 de novembro, às 17h00, no Museu Municipal de Faro a exposição José Dias Sancho: Modernismo e Regionalismo. Trata-se de uma exposição organizada no âmbito de um projeto de curadoria defendido na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa no Mestrado em Crítica, Curadorias e Teorias da Arte, realizado por Joana Galrão e orientado por Fernando Rosa Dias, respetivamente curadora executiva e curador científico da exposição.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
José Dias Sancho (1898-1929 é uma figura de destaque da história do Modernismo Algarvio. Na linha das exposições de Carlos Porfírio, Diálogos do Modernismo (2019) e Itinerários da Arte Moderna no Algarve (2023), realizadas no Museu Municipal de Faro, este pretende ser mais um relevante contributo para os estudos do Modernismo Algarvio, a partir de uma das figuras cruciais dessa história do modernismo português ainda a redescobrir.
A exposição irá centrar-se na sua vertente de caricaturista, completamente esquecida dos estudos de especialidade, como do seu papel na defesa articulada do Regionalismo e do Modernismo no Algarve, além das suas várias atividades: advogado, poeta, escritor, publicista, criador da primeira empresa de cinema do Algarve, autor e dinamizador teatral, jornalista, caricaturista, cartoonista, etc. Foi amigo de nomes marcantes do Modernismo Algarvio (Carlos Lyster Franco, Carlos Porfírio, Roberto Nobre, Bernardo Marques, etc.), de Lisboa (Almada Negreiros, António Ferro, José Pacheko, Jorge Barradas, António Soares, etc.) e espanhóis (Rogelio Buendía, Gómez de la Serna, Carmen de Burgos, etc.)
Figura polémica, prolixa, ativa e corajosa, em pouco menos de 15 anos desenvolveu uma vasta produção crucial na história do Modernismo Algarvio. O seu falecimento precoce, sem completar 31 anos, contribuiu para o fim do tempo de ouro do Modernismo Algarvio, que coincidiu muito com a Primeira República, e uma perda para a história artística e cultural do Algarve.
A exposição seguirá, com outros focos e variantes, para o Museu Rafael Bordalo Pinheiro (Lisboa) e o Museu de São Brás de Alportel.
Está em preparação um catálogo.
17ª bienal internacional cerâmica artística aveiro 2025 com a participação da fbaul
Jan 13 2026
18 OUTUBRO 2025 > 19 JANEIRO 2026 I AVEIRO
Até 19 de Janeiro decorrem em Aveiro as exposições que integram a XVII Bienal Internacional de Cerâmica Artística, onde se integra o projeto Múltiplos, com catálogo disponível da Biblioteca FBA-ULisboa.
A Faculdade de Belas-Artes participa com a obra Cúmulo, instalada na Praça do Rossio, reúne os contributos de 24 estudantes de 4 mestrados da FBA-ULisboa ou em parceria, estagiários Erasmus+, oriunda(o)s de 9 países, e tem a coordenação dos professores Marta Castelo e Pedro Fortuna.