Conferências
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food sea worlds — aula aberta
Mar 21 2023
27 MARÇO > 14H00 I GRANDE AUDITÓRIO
Aula Aberta DCIV
Food Sea Worlds
com
Nídia Braz (15h-16h, online)
Investigadora, Centro de Estudos e Desenvolvimento em Saúde – Universidade do Algarve
e
Joana Melo Duarte (16h-17h)
Chef, Sous chef Plateform – Restaurante Tapisco by Chef Henrique Sá Pessoa
tools for creativity and sensemaking: from multimodal to human-centered artificial intelligence
Mar 21 2023
23D MARCH 2023 > 2.30 PM I FACULDADE DE ARQUITETURA DA ULISBOA, ROOM 5.0.13
talk #1
Diogo Cabral (ITI/ LARSyS)
In his talk, Diogo will cover more than ten years of research work focusing on different aspects of creativity and sensemaking support tools. He will discuss the issues and benefits of multimodal interactions and present the challenges of human-centered artificial intelligence in these tools. Diogo’s work includes the development of video annotation and editing tools, interfaces for digital and physical information-seeking and exploration, and sensory feedback studies.
1st PARAGONE ENCOUNTERS – DIALOGUES THROUGH THE ARTS: GESTURE
Mar 20 2023
OPEN CALL UNTIL MARCH 30TH 2023
The 1st PARAGONE ENCOUNTERS – DIALOGUES THROUGH THE ARTS, organized by the Doctoral program in Performing Arts and the Moving Image – APIM (Lisbon University and Lisbon Polytechnic Institute) taking place in Lisbon between May 22-27, 2023. The first edition of the Paragone will focus on the notion of GESTURE as its core theme. The Paragone Encounters seeks to host and foster intersecting and multidisciplinary dialogues around theoretical thought and artistic practice. The first edition (2023) will be hosting as a special guest the Laboratoire d’Études en Sciences des Arts (LESA), from Aix-Marseille Université.
Deadline for submission of proposals: March 30, 2023
Contact: paragone.apim@belasartes.ulisboa.pt
Call for papers and works.
PARAGONE is organized by the Doctoral program in Performing Arts and the Moving Image (Lisbon University and Lisbon Polytechnic Institute). The Paragone Encounters seek to congregate and foster intersecting and multidisciplinary dialogues around theoretical thought and artistic practice in the form of conferences, debates, talks and exhibitions. The proposed topic for discussion in this first edition is the notion of gesture and its prevalence in the artistic field.
This call for papers encourages critical thought and/or practice around the possibilities encompassed by the notion of gesture, broadly defined. Philosophical reflections upon this concept, its political and cultural implications as well as its artistic manifestations, will provide e central axis around which the idea of gesture may be experienced, articulated and exhibited.
Call: Applications to participate in these Encounters may be done either through the submission of a text (paper) or an artistic project (work). The proposal must justify its pertinence with regard to the featured theme for the present edition (Gesture). All proposals must include personal CVs.
1) Call for papers: proposals of essays for public presentation (20 minutes). The texts must take Gesture as its primary topic, addressing its meanings and possibilities in the context of philosophical, political, social, and artistic reflection. For the call, must be sent an abstract of the presentation (about 3000 characters) clearly stating its relationship with the theme (Gesture), as well as a personal CV.
2) Call for works: Artistic projects (film, performance, exhibition/installation, etc.) in different media addressing and problematizing the question of the gesture. The project’s proposal must be sent in digital format (text, image, video). This proposal should specify the work’s technical requirements and justify its relevance in relation to the conceptual and artistic nature of the topic of these Encounters. The organization is committed to ensure the best conditions for the exhibition of the works within the spaces made available by the collaborating institutions. However, the organization is unable to assume any expenses involved in the production of the works.
Chiado, Carmo, Paris: os “lugares” de Dordio Gomes e as bifurcações da pintura
Mar 20 2023
23 MARÇO 2023 > 14h30 I GRÉMIO LITERÁRIO
Realiza-se no próximo dia 23 de março, às 14h30, o segundo ciclo de conferências Chiado, Carmo, Paris: os lugares de Dordio Gomes e as bifurcações da pintura.
Inaugurou no dia 10 de março, no Museu Nacional Soares dos Reis, Porto, a “Colectiva” que integra estudantes e docentes da Faculdade de Belas-Artes da UL, em parceria com docentes e estudantes das Belas Artes de Granada, exposição integrada na programação que teve início no mês passado, cujo ponto de irradiação, nacional e internacional, é a FBAUL. Aos artistas portugueses foi feito um convite para realizarem obra em torno de Dordio Gomes (que tem no acervo daquele museu as suas “Casas de Malakoff”). Os artistas da Faculdade de Belas Artes de Granada, por sua vez, trabalharam em torno de Manuel Ángeles Ortiz (1895-1984), com a coordenação de Juan Carlos Guadix.
A exposição fica patente até 30 de abril.
Pela FBAUL, temos: Catarina Mendes / Cláudia Colares / Gina Martins / Joana Alves / João Castro Silva / José Quaresma / Nadya Ismail / Nicoleta Sandulescu / Paulo Lourenço / Pedro Zhang / Suzana Azevedo / Tiago Baptista / Vasco Moura / Xavier Tourais
Pelas Belas Artes de Granada: Andrés Macías / Bethânia de Sousa / Enrique Marín / José Gracia Pastor / Juan Carlos Guadix / Mairen Gutiérrez / Noelia Jiménez / Patricia Hurtado / Ramón Santa Cruz / Ricardo Garcia.
O PROGRAMA do Chiado, Carmo, Paris: os lugares de Dordio Gomes e as bifurcações da pintura iniciou no dia 23 de fevereiro, às 14h30, no Museu Nacional de Arte Contemporânea (MNAC), com o primeiro de seis ciclos de conferências e a primeira de sete exposições internacionais, sendo a primeira exposição constituída por três núcleos, a visitar em sequência: Museu Nacional de Arte Contemporânea (MNAC), Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL), Museu Arqueológico do Carmo (MAC). Este projecto tem a coordenação do docente da FBAUL, José Quaresma.
No mesmo dia procedeu-se ao lançamento do livro com 11 ensaios em torno da obra deste pintor, aos quais se juntam outros ensaios sobre artistas coevos de Dordio (oriundos de Espanha, Brasil, Polónia e Itália).
O evento é passível de ser registado e divulgado pela Faculdade de Belas-Artes através de fotografia e vídeo
INSCRIÇÃO NOS CICLOS DE CONFERÊNCIAS
A inscrição é obrigatória em cada uma das conferências:
Museu Nacional de Arte Contemporânea (23/02/2023) – INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Grémio Literário (21/03/2023) – INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Museu Nacional Soares dos Reis, Porto (20/04/2023)
Casa de Portugal, Paris (04/05/2023)
Auditorio Manuel de Falla, Málaga (11/05/2023)
Centro Interpretativo do Tapete de Arraiolos (17/06/2023)
De acordo com o texto da Introdução do Livro / Catálogo:
“Por via da apropriação artística, da discussão estética e da produção ensaística, pretende-se reaproximar Dordio Gomes dos seguintes lugares: (1) do Chiado, nomeadamente do MNAC, onde existem obras muito representativas do seu percurso artístico, e da Faculdade de Belas- Artes de Lisboa, anteriormente a Academia Real de Belas Artes, na qual ingressa aos 12 anos para realizar a sua formação artística (e pessoal); (2) da cidade de Paris, onde viveu e trabalhou em dois períodos distintos da sua vida, cidade a partir da qual empreendeu visitas a vários países europeus, por exemplo Itália e Suíça; (3) da Vila de Arraiolos, à qual regressou várias vezes, por diversos motivos; (4) e ainda do Porto, devido, por um lado, ao facto de lá ter leccionado cerca de três décadas, contribuindo para a formação de diversas gerações de artistas portugueses, e, por outro lado, pelo facto de estar representado no Museu Nacional Soares dos Reis com obras muito relevantes.
Paralelamente à elaboração de um conjunto significativo de ensaios em torno de Dordio, assim como textos relacionados com as Artes na Esfera Pública, este ano o projecto Chiado, Carmo, Paris permitiu desenvolver obras de arte relacionadas com algumas fases da actividade artística de Dordio Gomes, sempre com preocupações contemporâneas e numa lógica de apropriação criativa, capaz de fazer mediações plásticas entre a sensibilidade artística dos autores de hoje e as descobertas e bifurcações que este pintor trouxe à arte portuguesa. Trata-se de um desafio colocado a doze artistas emergentes e a quatro professores da FBAUL para o alargamento das potencialidades da obra de Dordio Gomes, que se vão interligar a estudantes e docentes do ensino artístico superior em Espanha, Brasil, Itália e Polónia, num total de 45 artistas europeus, com sete exposições colectivas a realizar em Lisboa, Porto, Paris, Granada, Arraiolos, Bologna e Lodz.
Como o projecto integra artistas estrangeiros cujas orientações artísticas não necessitam de coincidir com as motivações portuguesas, propôs-se aos curadores estrangeiros que sugerissem aos estudantes e docentes das respectivas instituições de ensino um artista plástico que na década de 1920 tenha estado em contacto com a cultura francesa, designadamente parisiense, ou que tenha realizado obra muito representativa para os respectivos meios artísticos. O compromisso colectivo que solicitámos aos curadores e ensaístas estrangeiros consistiu em trazer esses artistas para o presente, enfatizando-se assim o que os mesmos possam ter partilhado com Dordio Gomes, designadamente o Cubismo, o Expressionismo (ou certas vagas de Neo-expressionismo), Cézanne e as vagas de Cezanismo na pintura; entre outros pontos de contacto com a obra de Dordio Gomes. Os artistas estrangeiros sobre os quais também se engendraram obras de arte, elaboraram ensaios e vão realizar conferências são os seguintes: Brasil: Tarsila do Amaral (1886-1973); Granada, Espanha: Manuel Ángeles Ortiz (1895-1984); Bologna, Itália: Renato Guttuso (1911-1987); Lodz, Polónia: Leon Chwistek (1884-1944).
Desta forma, com esta diversidade de autores, confluência de vontades e aproximação de horizontes distintos de trabalho, esperamos dar continuidade aos esforços de mudança artística, pedagógica e estética desenvolvidos por Dordio Gomes.”
José Quaresma
INSCRIÇÃO NAS CONFERÊNCIAS
Georgia: Contemporary Art, Religion & (Queer) Politics
Mar 20 2023
29TH MARCH 2023 > 7 PM I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
Language: English
In the framework of his residency at the CERA PROJECT, Nikoloz will be presenting the findings from his three-year research for the first time in Portugal. His research is about socio-political studies of religious-themed artistic practices from the 1970s onwards, which acted as a weapon for alternative politics in Georgia and other post-Soviet countries.
Nikoloz Nadirashvili is a resident curator at the CERA Project (2023), a program funded by the European Union in the framework of the EU4Culture project implemented by the Goethe-Institut, Czech Centers, Danish Cultural Institute, and Institut Français de Géorgie. During his residency in Portugal, he will research the incorporation of religious themes in modern and contemporary Portuguese art, departing from the period of “Estado Novo” which might echo the Soviet totalitarian regime. Additionally, he will also research contemporary Portuguese art that falls under queer and political subjects.
Nikoloz is an art curator and historian based in Tbilisi, Georgia, where he works as a chief curator of TRANSCENDENTALIA at Peace Cathedral. Previously, he lectured at the Tbilisi State Academy of Arts and Shota Rustaveli Theatre and Film State University while managing the Contemporary Art archive – Tbilisi, the Propaganda and Oxygen Biennial. Since 2013, he has been curating numerous exhibitions including at the Georgian National Gallery and State Museum of Georgian Literature. He worked with different organisations namely UNESCO, the Noosfera Foundation, the Georgian Embassy in Paris and the Ministry of Culture and Monument Protection of Georgia. He holds a MA in Art History from Tbilisi State Academy of Arts (Georgia) followed by an MA in Arts from the University of Groningen (the Netherlands). He is a member of the Association Internationale des Critiques d’Art.
The CERA PROJECT is an itinerant art platform for the promotion and exhibition of contemporary art that falls outside Eurocentric and Western narratives, founded in 2016 in London by Portuguese curator Inês Valle. The CERA PROJECT encourages critical engagement with contemporary global issues and fosters dialogue across artists, curators, writers, scientists, collectors, and the public to encourage critical thinking about artistic, social, political, and environmental issues through a diverse portfolio of art projects from culturally less visible regions. Since 2016 it has independently worked with more than 55 participants and with art organisations, museums, galleries, and art residencies from several countries such as Argentina, Zimbabwe, Italy, Somalia, the UK, Nigeria, New Zealand, Portugal, Ghana, Angola, Democratic Republic of Congo and Rwanda.
www.ceraproject.com / theceraproject@gmail.com
7th edition of International Meeting on Retouching of Cultural Heritage (RECH7 – 2023)
Mar 19 2023
CALL FOR PARTICIPATION MAY 31ST 2023
OCTOBER 12-13, 2023 I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
We are pleased to announce the Call for Abstracts of the 7th edition of International Meeting on Retouching of Cultural Heritage (RECH7 – 2023).
After three editions in Porto, Portugal, the 4th edition in Split, Croatia, the 5th edition in Università degli Studi di Urbino “Carlo Bo”, in Italy, and the 6th in collaboration with the Instituto Universitario de Restauración del Patrimonio (IRP) of the Universitat Politècnica de València, Spain, this year, this Meeting will be at the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBAUL), in Portugal.
For those who don’t know RECH yet, RECH Biennial Meeting is one of the largest educational and scientific events in chromatic reintegration field, an ideal venue for students, conservators, and scientists to present their research results about this topic.
Please visit the WEBSITE for more information.
riact n.6 – Research in Art vs. Research Into art: When Painting ruminates ekphrasis – call for papers
Mar 19 2023
“I eKphrase as I breathe [...]”
Hélène Cixous, “Quand H. C. essaie de s’excuser…”, Études françaises, 51(2), 25–35, 2015.
“If critics agree at all about ekphrasis, they stress the fact that it has been variously defined and variously used and that the definition ultimately depends on the particular argument to be deployed.”
Peter Wagner, (ed.), Icons – Texts – Iconotexts: Essays on Ekphrasis and Intermediality, Köln, Walter de Gruyter, 1996, p.11
“Let us understand by ekphrasis the word that comes from the image: not the word that we can pronounce about it but the word that it proposes or suggests to us. Ekphrasis in this regard is not a commentary, analysis, or evaluation of the work.”
Jean-Luc Nancy, “Ekphrasis”, Études françaises, 51(2), 25–35, 2015.
The upcoming issue of RIACT will explore the difference between research in art and research into art, grounding a substantive part of its reflection on the notion of ekphrasis, an artistic concept so often rejected by plastic artists, sensing that it threatens to usurp that which is most fruitful and irreplaceable in artistic expression. In fact, ekphrasis was and remains – in its actual and contemporary forms – a procedure of interpretation and legitimation pervading the most varied artistic creations and which can assume the most diverse groundings (proportional to the full range of interpretative freedom, as Jean-Luc Nancy argues in the above-cited text: “[...] there are as many modes of ekphrasis as there are ways of speaking”)”, as well as the most surprising literary forms, having often delayed – and even undermined – other possibilities of assimilating and interpreting works of art.
RIACT Nº6 explores essential aspects of artistic research rooted in practice, with particular emphasis on the contributions of painting to the erosion of ekphrasis as a procedure that in the past was central to the identification and understanding of pictorial practice. In fact, with the exponential development of artistic research in painting and related areas – whether in the academic or other spheres-, this artistic expression has been disavowing the excess of voices external to its procedures and rituals, particularly the judging stances that tend to develop research about art in an invasive manner, as a surrogate for the living quality that characterizes the internal, but porous plasticity of painting.
Due to the timeliness of this change and broadening of investigative orientation, artists and authors are invited to develop a critical approach to the modalities of ekphrasis that have most contributed throughout history to set apart pictorial thought (inherent to the plasticity of making) from reflections on painting that are excessively dependent on the haloed “word” of metaphysics, dismissing a proper exploration of the gaps and subtleties between theoretical reflection and plastic and sensitive reflection, as the ultimate founder of any move toward the meaning of painting.
Parallel to the above goals, and in order that this methodological orientation – artistic research based on the plastic emanation of painting – is not confused with a fruitless adversity or nihilistic inclination, we will address various forms of harmonization between Artistic Creation, Research in art and Research into Art, exploring the affinities and differences between them, without any subservience to each other’s methodologies, calling for an inquiry into the features that approximate and separate the three spheres. Authors are also invited discuss the specificities of artistic research, that is, to the self-thematization of its strength and relevance, insofar as conducting an investigation with this increased concern will necessarily thematize the paths and characterizations that artistic research based on the plastic emanation of painting can assume.
Topics in focus:
I- Criticism of Ekphrasis and Research in Art
II- Self-sufficiency of Research in Painting face-to-face with Research into painting
III- Autonomy of Pictural Thought in the face of Aesthetic-Philosophical Thought
IV- Plasticity and Semantics in the light of Research in Art
V- Intermateriality in Pictorial Research
VI- Temporal Flow, Pictural Torrent and Artistic Research
VII- Crossings of any of the above.
Key dates:
January 10 – Proposal submission for 1st Peer Review.
February 10 – Results of 1st Review
March 15 – Proposal submission for the 2nd Peer Review.
April 17 – Results of 2nd Review
May 30 – Edition of approved essays for RIACT Nº6
To obtain information on the scope of the proposal and other editorial characteristics, consult the “Meta-article” (General characteristics of the Research Proposal to be submitted) at http://riact.belasartes.ulisboa.pt/
You can also send an email to this address: riact.artisticresearch2030@gmail.com
xCoAx 2023: 11th International Conference on Computation, Communication, Aesthetics and X
Mar 19 2023
05 > 07 JULY 2023 I KONTANZ, GERMANY
Conference Program
-
July 5: Conference opening, School of X, exhibition opening, proceedings launch.
-
July 6: Paper presentations, keynote, performances.
-
July 7: Artwork and performance presentations, keynote, closing event.
xCoAx is an exploration of the intersection where computational tools and media meet art and culture, in the form of a multi-disciplinary enquiry on aesthetics, computation, communication and the elusive X factor that connects and characterises them all.
The focus of xCoAx is on the unpredictable overlaps between creative freedom and algorithmic rules, between human nature and machine technology, aimed towards new directions in aesthetics.
xCoAx has been an occasion for international audiences to exchange ideas in search for interdisciplinary synergies between computer scientists, artists, media practitioners, and theoreticians at the thresholds between digital arts and culture.
Since starting in 2013 in Bergamo, xCoAx has taken place in Porto, Glasgow, Bergamo again, Lisbon, Madrid, Milan, Graz, online, and Coimbra. xCoAx 2023 will take place in Konstanz, Germany. We will closely monitor the evolving situation with CoViD-19 and will be ready to move the event online, but as of now we aim for a fully on-site, in-person event.
Call for papers, artworks, performances
xCoAx 2023 calls for papers, artworks, performances and research works-in-progress by scholars, artists, performers and students, working on any of its multi-disciplinary facets.
You are invited to submit theoretical, practical or experimental research work in the form of papers, artworks, and performances, on a range of topics that includes but is not limited to the following:
• Computation
• Communication
• Aesthetics
• X
• Algorithms / Systems / Models
• Artificial Aesthetics
• Artificial Intelligence & Creativity
• Audiovisuals / Multimodality
• Design
• Interaction
• Games
• Generative Art & Design
• History
• Mechatronics / Physical Computing
• Music / Sound Art
• Performance
• Philosophy of Art & of Computation
• Computational Photography and Image Technologies
• Technology / Ethics / Epistemology
Important dates (2023)
• Submission deadline: February 14
• Notifications to authors: March 13
• Registration deadline for authors: March 31
• Delivery of final versions of full papers, and extended abstracts of artworks and performances for the proceedings: April 16
• Delivery of final versions of multimedia files for the website: May 5
• School of X live: July 3-5
• Welcome, opening of the exhibition: July 5
• Presentations of papers, artworks and performances: July 6-7
• Performances evening: July 6
• Closing event: July 7
Submission categories
Papers
Please submit a paper (3.000 to 6.000 words, excluding references) following the formatting in the Word template at http://xcoax.org.
Revision of papers will be double-blind. Please make sure that the PDF file is completely anonymised (i.e. omits author-related information in the body of text or as explicit self-citations, notes and bibliography). Accepted papers will be published in the conference proceedings and authors will hold a 15-minute presentation at xCoAx 2023.
Artworks
Proposals should provide a clear description of the work in the form of a document including the following:
• A 200-word abstract
• A 700 to 2.000-word main text (excluding references)
• An appendix with technical rider and setup details for either online or on-site setting
• Links to online documentation or preview of the work
The document must follow the formatting in the Word template at http://xcoax.org. Revision of proposals will be single-blind. All accepted works will be part of the exhibition and featured on the xCoAx 2023 website and the artists will hold a 5-minute presentation at xCoAx 2023. Part of the exhibition will take place at the Leica Gallery in Konstanz, which will be especially dedicated to artworks with a conceptual connection to photography and image making or processing techniques. The proceedings will publish the abstract, the main text, and at least one featured image of the artwork provided by the authors. Should the circumstances and the logistics of xCoAx 2023 change due to unforeseen causes, an alternative solution will be proposed by the Organising Committee.
Performances
Proposals should provide a clear description of the performance in the form of a document including the following:
• A 200-word abstract
• A 700 to 2.000-word main text (excluding references)
• An appendix with technical rider and setup details
• Links to online documentation of the performance
The document must follow the formatting in the Word template at http://xcoax.org. Revision of proposals will be single-blind. Accepted works will be part of the program and featured on the xCoAx 2023 website and the authors will hold a 5-minute presentation at xCoAx 2023. The proceedings will publish the abstract, the main text, and at least one featured image of the performance provided by the authors. Should the circumstances and the logistics of xCoAx 2023 change due to unforeseen causes, an alternative solution will be proposed by the Organising Committee.
Additional information and submission details
• All works must be submitted via EasyChair: https://easychair.org/conferences/?conf=xcoax2023
• Submissions must be original and will be rigorously reviewed by an international and multidisciplinary scientific committee, in a process that will assess originality, relevance, artistic and technical achievements;
• Submissions should be presented as .pdf files with all the media files embedded or linked to online resources;
• Final versions for publication should be delivered in .docx with all the images and other media files attached as independent files;
• All images and media assets must be cleared for publication by the authors;
• At least one of the authors of each selected contribution must register to the conference before the first author registration deadline in order for the work to be published in the proceedings;
• xCoAx’s working language is English;
• xCoAx’s conference proceedings (with ISBN) will be published online with free access;
• Please contact the program chairs at info@xcoax.org with any questions regarding submissions.
Conference format
• Wednesday July 5: Opening event, Exhibition opening, Proceedings launch.
• Thursday July 6: Paper presentations, Keynote, Performances.
• Friday July 7: Artworks and Performances presentations, Keynote, Closing event.
Registration
For each accepted submission, one author will have to register with full registration (for authors with academic affiliation) or with reduced registration (for authors without academic affiliation) before March 31.
Attending co-authors and audience members will have to register with reduced registration before July 5.
• Full registration: € 250
• Reduced registration: € 100
Organizing committee
• Caterina Moruzzi, University of Konstanz
• André Rangel, i2ADS / Faculty of Fine Arts, University of Porto
• Jason Reizner, Bauhaus-Universität Weimar
• Luís Nunes, i2ADS / Faculty of Fine Arts, University of Porto
• Luísa Ribas, CIEBA / Faculty of Fine Arts, University of Lisbon
• Mario Verdicchio, Università degli Studi di Bergamo
• Miguel Carvalhais, i2ADS / Faculty of Fine Arts, University of Porto
Contacts
revista “convocarte” nº 14/15: arte e mobilidade: eppur si muove! / ART AND MOBILITY: Epur si muove! / ART ET MOBILITÉ: Epur si muove! — chamada de trabalhos
Mar 18 2023
PROLONGAMENTO DA DATA DE ENTREGA DE CANDIDATURAS - DATA LIMITE 31 AGOSTO 2022
Candidaturas: convocarte.belasartes@gmail.com | INFO
Data limite de apresentação das candidaturas de textos: 31 agosto 2022.
Devido ao atraso do número anterior de Arte e Paideia, e para acertos de calendário, todas as fases de trabalhos para Arte e Mobilidade (n.º 14 e 15) são adiantadas por mais 2 meses: envio de proposta com sumário até 31 de agosto de 2022; envio de texto final até 30 de novembro 2022. Ver PRÓXIMO NÚMERO | CONVOCARTE (ulisboa.pt)
Arte e Mobilidade: Eppur si muove! [PT]
Eppur si muove ou E pur si muove, normalmente traduzido como «mas movimenta-se» ou «no entanto ela move-se», é uma frase que se atribui a Galileu Galilei. Polemicamente, e segundo a tradição, ela terá sido afirmada logo após Galileu renegar a visão heliocêntrica da Terra perante o tribunal da Inquisição.
Além da retórica da expressão, que faz um tropos ao que se acabara de renegar, invertendo o seu sentido, ela tem esse cunho de nos dizer que a estaticidade é um limiar impossível ao ser humano, porque estamos sempre em movimento. Também, e para além da ironia actual da expressão, na saída de uma situação global de confinamento, que nos obrigou à imobilidade, a expressão surge com uma força cultural de resistência, de recusa da imobilidade nos seus impedimentos e restrições aos corpos e aos objetos, para assim nos lembrar a força de resiliência da fala, da acção ou da coragem.
Se este apelo à mobilidade tem esta tradição de coragem deontológica na história da ciência, servindo de exemplo a manutenção de princípios apesar de violentas pressões externas em sentido contrário, facilmente lhe encontramos toda uma espessura cultural nas artes. A mobilidade pode assumir um primeiro grande plano da deslocação do artista, busca por novas influências e formações que ampliem os horizontes da sua capacidade de produzir Arte.
A aceleração da dinâmica e tensão dos ismos, que marcam a arte ocidental desde a entrada na era industrial, não prescinde da relação com outras possibilidades de deslocação, mais rápida e de constante aceleração. Tal permite pensar que a relação entre os movimentos da história e os da deslocação do espaço geográfico estão relacionados. A mobilidade implica a conjugação do espaço e do tempo, mas também mobiliza rupturas.
Mas, não se trata de fenômeno novo. Muito antes da revolução industrial e das facilidades da aldeia global, conectada no instante da velocidade da luz da Internet, sempre houve viagem na Arte, permitindo a troca e partilha de objectos artísticos, como das suas técnicas e estilos. A história da arte é um vasto mapa de viagens de contatos artísticos, de deslocações de artistas e obras, que transportam consigo uma partilha de influências. Impossível, assim, separar o movimento de artistas e obras que se tem dado ao longo do tempo, pois tudo isso se liga aos próprios movimentos da história da arte.
Mas, se a ênfase à mobilidade não se dá como fenômeno novo, o momento contemporâneo amplia a dimensão e velocidade das mobilidades já presentes nas culturas Paleolíticas, Mesolíticas ou Neolíticas, ou nos nomadismos dos povos primevos das Américas, África e Oceania. Há múltiplas possibilidades de abordar o problema das culturas itinerantes nos dias que correm, cuja lógica artística e cultural assenta na disponibilidade constante ao móbile.
Agente crucial na questão da mobilidade nas artes é o próprio artista. O artista em viagem amplia a sua experiência e conhecimento. O viajar, como prolongamento da sua formação, é decisivo sobretudo a partir da Era Moderna e com o espírito do artista culto do Renascimento. A deslocação pode servir para uma formação e crescimento de si, como pode trazer consigo rupturas, ser exílio, voluntário ou involuntário, político ou artístico, dimensões que têm marcado a história das civilizações.
A deslocação pode dar-se por razões de um projecto artístico, como o caso do ar livrismo, que determinou uma das questões mais relevantes da história da pintura do século XIX, culminando num dos movimentos artísticos mais míticos da arte moderna, o Impressionismo, sobretudo com o ar livrismo total de Monet. Ou, mais recentemente, as derivas dos situacionaistas ou as caminhadas de Richard Long no âmbito da Land Art ou, enquanto acção artística, a famosa deslocação de uma montanha de Francis Alÿs, obra com Cuauhtémoc Medina e Rafael Ortega (When Faith Moves Mountains, 2002), entre muitas outras.
Nesse dossiê temático, propomos uma profunda reflexão sobre a viagem nos estudos artísticos das Artes, desde a noção de artista viajante, com seu diário de viagem, o ar livrismo e as residências artísticas, ou seja, da viagem como fundamento ou processo artístico. Também interessam as relações entre as instituições artísticas e a viagem cultural como mercado, enquanto dimensão turística da arte, lançando a discussão entre a necessidade de visita e a criação artística. Tal como há um turismo do artista, mesmo pondo em jogo os estigmas desta palavra enquanto modo de viagem, há um alargado e intenso turismo da e para a Arte, motivando e mobilizando deslocamentos.
Problematizar a mobilidade chama tanto o seu excesso e poluição (por exemplo, a noção de «dromologia» de Paul Virilio), como a ideia de imobilidade, extremos necessários à discussão do que os deslocamentos assinalam no mundo da arte. Além das ditas artes do tempo, como a literatura, a performance, o cinema ou a música, também as artes plásticas, ditas do espaço, se implicam no movimento, com vários artistas a entrarem na mobilidade dos referentes, como Delacroix, Degas, Rodin, os futuristas ou, por outra via, o próprio cubismo, com a sua ideia da deslocação do artista em torno do referente. O movimento torna-se assim um tema ou problema para a representação. Mas também pode ser um problema construtivo da obra, permitindo estender a questão às obras cinéticas, reais e virtuais, do construtivismo russo à Op Art.
A mobilidade encontra-se como questão cultural abrangente, como deslocação dos seus agentes (desde dimensões da produção, a partir do lugar do artista, como da recepção, e em torno do lugar do observador) e toda a partilha cultural daí advinda, como pode ser uma questão da obra, da sua deslocação física, seu tema ou modo de relação com os seus motivos, como ainda da sua construção interna.
Portanto, fica claro a necessidade de uma resposta a esse interesse investigativo e criativo, tanto da comunidade acadêmica quanto artística, que por diferentes perspectivas consubstanciam arte e deslocação, numa relação profícua. Assim, propomos como desafios à reflexão, algumas temáticas:
– A velocidade, viagem e mobilidades nas artes.
– O artista viajante e em deslocação, das peregrinações, às missões artísticas, ao ar livrismo, ou às recentes residências artísticas.
– As residências artísticas como jogo deslocação e possível fixação temporária, desenhando cenários e impactando a [re]criação artística.
– Deslocações por exílio, migrações e outros caminhos pós-coloniais
– Projectos artísticos assentes na ação e na mobilidade, implicando a deslocação.
– A deslocação de colecções e obras, em exposições ou saqueadas historicamente.
– Obras e coleções em deslocações: o artístico tornado evento.
– Percursos artísticos no mundo do eu, enquanto artística, curador, espectador, etc.
– A mobilidade cultural dos processos artísticos, sobretudo no espírito da arte moderna e contemporânea e sob o signo das vanguardas artísticas.
Mas, dentro do princípio Eppur si muove, a proposta abre-se ao acolhimento de outros possíveis desafios. Pode-se ensaiar sobre o contraponto aos impedimentos de mobilidade, aos processos, impositivos ou não, de imobilidade, como o recente caso global da pandemia do Covid 19. Porque: Eppur si muove
Ciclo de Conferências Arte e Tecnologia como parte do processo de criação
Mar 10 2023
20 MARÇO 2023 > 17H00 I GRANDE AUDITÓRIO
Estas conferências, com coordenação da Professora Diana Costa, com perfil de aula aberta, têm como grande objetivo celebrar a transversalidade artística do campo de atuação da Ciberarte, promover o encontro entre pessoas de diferentes contextos artísticos e transmitir novos olhares estéticos, usando como base a linguagem pluridisciplinar das artes digitais, virtuais e todo o campo tecnológico.
No dia 20 de março realiza-se a conferência com o Título Ideal virtual – O espaço virtual como um lugar do desenho contemporâneo, por Hugo Passarinho.
A realidade é um território densamente contestado por impulsos gráficos de todos os tipos. O espaço virtual permite a implementação de ambientes ideais para a criação. Cruzando historicamente o caso da evolução da realidade virtual observaremos a aplicação da mesma, observando processos e resultados em nome próprio.
Evento gratuito e que não requer inscrição, estando apenas sujeito à lotação da sala.
Biografia de Hugo Passarinho
Criativo transversal a diferentes áreas da comunicação com foco na do desenho digital, design, criação de jogos. Nascido em Lisboa, 1978. Doutorado em Desenho pela Faculdade de Belas-Artes Universidade de Lisboa (2023), Mestre em Desenho pela Faculdade de Belas-Artes de Lisboa (2019), Licenciado pelo IADE Creative University (2002); 23 anos de experiência na industria criativa mutuamente em ambientes digitais e analógicos. Como praticante multidiscisciplinar do desenho e do design, sediado no pensamento estratégico foi-me possível exercer atividade na área da comunicação em todo o seu espectro. O trabalho que exerço funda-se numa forte aproximação conceptual, no desenvolvimento estratégico que se aplica a qualquer forma/ expressão em prol do resultado do projeto e das suas particularidades.
Sites:
https://duck-cat-sr5l.squarespace.com/
http://onedarkbird.com/
Instagram:
@hugo.passarinho.phd
@onedarkbird
italian design day — desenhar a luz
Mar 01 2023
09 MARÇO 2023 > 17H00 I GRANDE AUDITÓRIO
Por ocasião do “Italian Design Day 2023 – A qualidade que ilumina”, a Embaixada de Itália em Lisboa organiza uma conferência do Designer italiano DAVIDE GROPPI, em diálogo com o Arquitecto Ricardo Carvalho e com Isabel Dâmaso (Departamento de Design de Equipamento Belas-Artes ULisboa), no dia 9 de março, às 17h00, no Grande Auditório. A conferência conta com a presença do Senhor Embaixador de Itália Carlo Formosa.
A conferência contará com tradução simultânea e será emitida em direto streaming na página Facebook da Embaixada de Itália @ItalyinPortugal.
A entrada é livre.
In occasione dell’”Italian Design Day 2023 – La qualità che illumina”, l’Ambasciata d’Italia a Lisbona organizza una conferenza del Designer italiano DAVIDE GROPPI, in dialogo con l’Architetto Ricardo Carvalho e con Isabel Dâmaso (Dip. Design della Facoltà di Belle Arti di Lisbona), giovedì 9 marzo alle ore 17 presso l’Auditorio della Facoltà di Belle Arti dell’Università di Lisbona, Largo da Academia Nacional allo Chiado – Lisbona. La conferenze conterà con un servizio di traduzione simultanea e sarà trasmessa in diretta streaming sulla pagina Facebook dell’Ambasciata.
How I Made Two Feature Films by Age 21_Masterclass with the american film director Jack Fessenden
Mar 01 2023
© photo by Bahram Foroughi
8 MARCH 2023 | 17h00 | GRANDE AUDITÓRIO FACULDADE DE BELAS-ARTES
On March 8, 2023, at 5:00 pm, it will be presented the masterclass entitled How I Made Two Feature Films by Age 21, with the american film director Jack Fessenden, by invitation of Prof. Susana de Sousa Dias and Prof. Francisco Queirós.
This event will take place in the grande auditório and is open to students, teachers and public in general.
The masterclass will be given in English.
Free event that does not require registration, subject to room capacity.
This event is likely to be photographed and filmed and subsequently released publicly.
“I have been making movies for as long as I can remember. Over the past few years, I have made a practice of reflecting on my process and taking note of habits that help me succeed. The mission of this masterclass is to demystify the role of the film director by detailing how I make my films from conception to completion, and to do so with full transparency. To be a film director, you must give yourself over to delusion; the delusion that your film will one day get made when the odds are stacked against you. If you force yourself to believe in this, your film will take on a life of its own and you, the director, will become its caretaker. Achieve this relationship with your film, and you are on the path to making the delusion a reality.”
Jack Fessenden
On March 10, at 7:00 pm, at Cinema S. Jorge, the film Foxhole, by Jack Fessenden, will be presented, within the framework of Outsiders – Cycle of Independent American Cinema, organized by FLAD, which will take place from March 7th to 12th, 2023.
FOXHOLE
Fiction, 2021, 95’
Directed by Jack Fessenden
Written by Jack Fessenden
Cinematography by Collin Brazie
Cast James Le Gros, Andi Matichak, Alex Hurt
Woodstock (Ultra Indie award) (2021)
Oldenburg (Official Selection) (2021)
Foxhole, which takes place during roughly 36 hours, in three separate wars — The American Civil War, The First World War and the Iraq War — follows five soldiers confined to a trench and confronted by moral questions, the futility of particular actions and an increasingly volatile combat situation. The War film is reduced to its essence by 21-year old “filmmaker prodigy”, Jack Fessenden.
Investigação artística e as metodologias anti-coloniais
Mar 01 2023
Oswaldo Guayasamin: Los Condenados de la Tierra, no 6. La Edad de la Ira.
Colección Fundación Guayasamín. Quito. Ecuador
08 MARÇO 2023 > 11H00 I SALA 3.60
Neste encontro e partilha de conhecimentos, estudantes de diversos programas de doutoramento da FBAUL colocam em movimento as metodologias e instrumentos críticos, históricos e conceituais que servem como ferramentas analíticas nos seus processos de investigação para dar conta da relação entre “Investigação artística e as metodologias anti-coloniais”.
A partir dos trabalhos de autoras e autores como Edward Said, Stuart Hall, Albert Memmi, Frantz Fanon, Gayatri Spivak, Patricia Hill Collins, bell hooks, Silvia Rivera Cusicanqui, Linda T. Smith, a teoria pós-colonial, decolonial e dos estudos da subalternidade serão problematizados alguns conceitos centrais para as metodologias nas artes tais como: a fratura entre investigador e investigado, tempo, espaço, história, teoria, escrita, individuo e sociedade, corpo/mente, conceitos chave que marcam a produção epistemológica atual.
Participantes:
Izabelle Louise Monteiro Penha
Indígena Tremembé e doutoranda em Artes, FBAUL-CIEBA. Na sua investigação apresenta um estudo inédito da relação entre a Encantaria – seres da floresta que estão presentes na cosmogonia Tremembé –, e a Imagem-espírito (utupë) de Davi Kopenawa – o verdadeiro interior dos seres da floresta na cosmogonia Yanomani. Por meio do gênero docuficção será partilhado uma criação audiovisual com os Tremembé sobre a Encantaria, a partir de Metodologias Decoloniais Indígenas.
Tiago Amate
Artista-pesquisadore ludovicense, investiga relações (im)possíveis entre imagens em movimento e corpos dançantes. Mestre em Dança, integra o grupo de pesquisa Ágora (PPGDança UFBA/CNPq). Suas investigações se dão na perspectiva da dança enquanto matéria indissociável do pensamento, relacionando-a com imagens dissidentes à hegemonia cênico-narrativa do cinema ocidental. Doutorando em Artes Performativas e da Imagem em Movimento (FBAUL), desenvolve o projeto transdisciplinar Cartas que dançam ao sul, uma pesquisa teórico-prática que visa a criar iconografias críticas ao colonialismo patriarcal.
Denise Santos
Designer de histórias, estudante e artista negra com interesse em aspetos intelectuais, políticos e artísticos da descolonialidade no design e na cultura. Atualmente encontra-se a finalizar a dissertação de mestrado intitulada “Designer enquanto viajante entre narrativas (anti)coloniais – uma abordagem sobre aspetos da iconografia gráfica e visual de Cabo Verde e a sua diáspora”, na ESAD das Caldas da Rainha. Enquanto filha de país cabo-verdianos, procura a valorização do passado, presente e futuro de pessoas negras, reescrevendo e reconstruindo histórias de forma crítica e descolonial.
Lucas Camargo de Barros
Doutorando em Artes (FBAUL). Roteirista, realizador e montador. Analisa as representações de patologias fisiológicas e psicológicas no cinema contemporâneo como estratégia de subversão formal nos filmes “L’Intrus” (Claire Denis, 2004), “O tio Boonmee que se lembra das suas vidas anteriores” (Apichatpong Weerasethakul, 2010) e “E agora, lembra-me?” (Joaquim Pinto, 2013). Metodologicamente, tem uma abordagem interdisciplinar entre narrativas médicas e estética cinematográfica a fim de problematizar tais regimes de produção de imagem.
Moderador:
Dr. Fabián Cevallos Vivar.
Investigador da FBAUL-CIEBA. Doutor em Pós-Colonialismos e Cidadania Global pela Universidade de Coimbra. Mestre em Educação Superior pela Universidade de Barcelona. Licenciado em Filosofia, Sociologia e Economia pela Universidade de Cuenca-Equador.
masterclass Embodiment and Playfulness in Interaction Design, com o artista digital Tiago Martins
Mar 01 2023
14 MARCH 2023 | 5:00pm | GRANDE AUDITÓRIO FACULDADE DE BELAS-ARTES
On March 14, 2023, at 5:00 pm, it will be presented the masterclass entitled Embodiment and Playfulness in Interaction Design, with the digital artist Tiago Martins, by invitation of Prof. Mónica Mendes, under the program Erasmus Staff Mobility.
This event will take place in the grande auditório and is open to students, teachers and public in general.
The masterclass will be given in English.
Free event that does not require registration, subject to room capacity.
This event is likely to be photographed and filmed and subsequently released publicly.
About the Presentation
As part of an open lecture, Tiago will present his previous and current works – ranging from interactive installations and performances to wearable interfaces and smart objects, with an emphasis on embodied interaction and playfulness.
Tiago will also give a short course on VR development with Unity for students in the Masters in Multimedia Art working with VR, covering lighting and rendering for performance; and scene interactivity using the XR Interaction Toolkit.
Short Bio
Tiago Martins is a creative technologist and digital artist working in embodied interaction and mixed reality, creating interactive experiences involving aspects of game design. His works range from interactive installations and performances to wearable interfaces and smart objects.
Tiago is originally from Portugal but has been working abroad for several years. He has played key roles in innovation-oriented projects, often within Berlin’s bustling startup scene, and has taught university courses on programming, physical computing, game design, augmented reality and virtual reality. Tiago holds a PhD from the University of Arts in Linz, Austria, where he currently works as a researcher and lecturer.
Aula Aberta DCIV _ The Designer as…
Mar 01 2023
13 MARCH 2023 | 14h00>17h00 | Grande Auditório, FBAUL
On March 13, it will take place at the Faculdade de Belas-Artes an open class with the guests:
Gemma Copeland (1500h-1600h)
designer and founder of the Common Knowledge Cooperative
e
Ruben Pater (16h-17h, online)
designer and author of the book “CAPS LOCK: How capitalism took hold of graphic design”
This event is organized by the professors Frederico Duarte, Suzana Parreira e Pedro Almeida.
The open class will be given in English.
Free event that does not require registration, subject to room capacity.
This event is likely to be photographed and filmed and subsequently released publicly.
nikias skapinakis Congress
Feb 19 2023
1ST > 2ND MARCH 2023 I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
The National Museum of Contemporary Art (MNAC), the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBAUL), through the Center for Studies and Research in Fine Arts (CIEBA), the Institute of Art History (IHA) of the Faculty of Social and Human Sciences of the Nova University of Lisbon (NOVA FCSH), and the Interdisciplinary Center for Gender Studies (CIEG), of the Higher Institute of Social and Political Sciences of the University of Lisbon (ISCSP-ULisboa) organize from March 1st to the 2nd, 2023, the Nikias Skapinakis Congress.
This congress pays tribute to the Portuguese artist, who died on August 26, 2020, and author of an extensive and remarkable work that unfolded through painting, drawing and engraving, with a very personal path, rooted in an interdisciplinary personal nature, whose chromatic richness and expressive is not limited to the strong focus on portrait, although he has a particularly strong focus on this theoretical and plastic path, in an analysis that underlines the relevance of different sources such as history, literature, and everyday life for his artistic creation.
Alongside the congress, MNAC will organize an exhibition of the artist, with works that Skapinakis deliberately kept in his possession, creating a personal museum of his own work. The exhibition will be curated by Helena Skapinakis and Maria Aires Silveira.
bauhaus of the sea sails
Feb 01 2023
1ST FEBRUARY 2023 I HUB CRIATIVO DO BEATO //// 2ND FEBRUARY 2023 I CALOUSTE GULBENKIAN FOUNDATION
The two-day Bauhaus of the Seas Sails kick-off event will take place on 1st and 2nd of February in Lisbon, Portugal. It will be hosted by the Municipality of Lisbon and the Calouste Gulbenkian Foundation, the project’s local partners. The main goal of the event is to present the Bauhaus of the Seas Sails project among the consortium members and showcase both local and international projects related to its research themes and interests.
Day 1 will take place at Hub Criativo do Beato and will combine keynote addresses, an artistic performance, a seaweed-based lunch, the opening of an urban design exhibition and two consortium partner workshops. A showcase of research approaches to the seas will bring to Lisbon researchers from all over Portugal, who will present their work in areas such as architecture, biology, archaeology, energy transition and climate justice.
On Day 2, consortium partner representatives and guests will gather at the Calouste Gulbenkian Foundation and explore the project’s “drops” – concrete activities and experiments that over the next three years will engage local communities on a sustainable, fair and appealing transition. Following two sessions of 15-minute presentations, which will follow the themes of “Connecting” and “Designing”, the members of this engaged audience will take part in four workshop sessions led by Bauhaus of the Seas Sails partner institutions.
cross media arts 2023
Feb 01 2023
09 > 10 FEVEREIRO 2023 I FACULDADE DE BELAS-ARTES
A partir do conhecimento e sensibilidade dos diferentes campos artísticos, sejam eles performativos, visuais ou projetuais, esperamos encontrar outras práticas e formas de colaboração para o bem comum — novas direções que são desenvolvidas através do cruzamento de uma variedade de processos inovadores.
Queremos trazer para um entendimento geral das artes, uma discussão relacionada com uma práxis que atravesse as fronteiras entre os territórios artísticos e outros saberes. Explorando a interseção de conhecimentos e metodologias, esperamos incentivar formas alternativas de representação e intervenção social, designadamente um modelo de colaboração entre criativos, makers, partes interessadas e comunidades que promovam a coesão social e cultural através de ações concretas com os cidadãos.
Convidamos artistas visuais, performers, designers, arquitetos, entre outros criativos, a partilhar e a expandir as suas práticas.
Datas importantes
15 julho 2022: Submissão de resumos.
15 outubro 2022: Submissão de artigo para revisão por pares – (1ª ronda).
15 dezembro 2022: Submissão de artigo após correções – (2ª ronda).
Registo (comunicações)
Taxa de investigador doutorado 150€.
Taxa de estudante de doutoramento 100€.
Estão isentos de pagamento investigadores dos centros CHAIA, CIEBA, UNIDCOM, CICS.NOVA e doutorandos da UÉvora, FBAUL, IADE-UEuropeia, NOVAFCSH
Inscrição
Taxa para o público em geral 25€ (apenas para assistir à sessão principal).
Inscrição gratuita para os estudantes: UÉvora, FBAUL, IADE-UEuropeia, NOVAFCSH
Inscrição gratuita para os investigadores: CHAIA, CIEBA, UNIDCOM, CICS.NOVA
Coordenação
Paula Reaes Pinto (Ed.)
Escola de Artes da Universidade de Évora
António Gorgel Pinto (Ed.)
IADE, Universidade Europeia
Sérgio Vicente (Ed.)
Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa
Organização
CHAIA
Universidade de Évora
UNIDCOM
IADE, Universidade Europeia
CIEBA
Universidade de Lisboa
Contacto: xmediarts23@uevora.pt
chiado, carmo, paris. “soirée chez lui”. desassossego e apropriação —ŁÓDŹ, polónia
Dec 12 2022
15 NOVEMBRO > 15 DEZEMBRO 2022 I AULA GALLERY AKADEMIA, ŁÓDŹ, POLÓNIA
LISBOA, ÉVORA, PARIS, ŁÓDŹ, FLORENÇA | 2022
Inaugura no dia 15 de novembro, mais uma exposição relativa ao Chiado, Carmo, Paris. “Soirée chez lui”, desassossego e apropriação, na Aula Gallery Akademia em Lodz, na Polónia, projecto integrado na “Temporada Portugal França 2022”, com ancoragem na Casa de Portugal, em Paris.
O evento é passível de ser registado e divulgado pela Faculdade de Belas-Artes através de fotografia e vídeo
Foi no dia 17 de fevereiro que inauguraram as primeiras três EXPOSIÇÕES relativas ao Chiado, Carmo, Paris. “Soirée chez lui”, desassossego e apropriação, projecto integrado na “Temporada Portugal França 2022” com ancoragem na Casa de Portugal, em Paris.
A primeira inauguração realizou-se às 17h00 no Jardim de Esculturas do MNAC, a segunda às 18h00 na FBAUL, e a terceira às 19h00 no Museu Arqueológico do Carmo.
Trata-se da apresentação pública de obras de dezenas de estudantes, professores e investigadores do ensino artístico superior, no sentido do alargamento das potencialidades plásticas da obra de Columbano, Soirée chez lui, cruzando alguns dos seus referentes plásticos e semânticos com a “efervescência” e o desassossego dos artistas da FBAUL e da Universidade de Évora. Por analogia, atendendo ao âmbito internacional do projecto expositivo, os artistas polacos (Lodz) e italianos (Florença) abordam a intermedialidade entre as artes visuais e as artes performativas a partir de autores das respectivas culturas, nomeadamente a pintura “Chopin’s Polonaise”, de Teofil Kwiatkowski, e a escultura “Ofelia”, de Arturo Martini.
No mesmo dia realizou-se um ciclo de CONFERÊNCIAS no MNAC sobre a pertinência da obra de Columbano, incluindo o lançamento de um livro/catálogo com vários ensaios dedicados à obra do pintor português, assim como ao domínio das artes na esfera pública.
Para informação mais detalhada sobre a vasta programação que se inicia neste dia e que culminará em Florença, no fim de 2022, sugere-se a consulta do site e do Instagram da Faculdade de Belas Artes de Lisboa, do Museu Nacional de Arte Contemporânea, e do Museu Arqueológico do Carmo.
Após a consulta de todos os temas e autores que constam no PROGRAMA, poderão, em função dos vossos interesses, fazer as inscrições nos diversos ciclos de conferências através da plataforma digital da FBAUL.
Evento passível de ser fotografado e filmado para posterior divulgação.
INSCRIÇÃO NOS CICLOS DE CONFERÊNCIAS
A inscrição é obrigatória em cada uma das conferências.
Museu Nacional de Arte Contemporânea (17 de fevereiro de 2022) /INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Grémio Literário (16 de Março de 2022) / INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, Évora (03 de Maio de 2022) INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Casa de Portugal, Paris, França (20 de Maio de 2022) INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Informa-se que, devido à situação atual de pandemia e a novas medidas de controle, os ciclos de conferências poderão ser realizados através da plataforma zoom.
now available the e-book ON PORTRAITURE. Theory, practice and fiction. From Francisco de Holanda to Susan Sontag
Dec 11 2022
18, 19 and 20 January 2022 | Faculty of Fine-Arts, University of Lisbon
EVENT EXCLUSIVELY ONLINE
NOW AVAILABLE THE E-BOOK OF THE CONGRESS!
NOTE: when you open the link, please scroll down on the page, and you will find the file for dowload.
REGISTRATIONS CLOSED
PITCH SESSION
The Authors of the selected communications were invited to participate in a pitch session, where they made a brief presentation of their communications.
WATCH HERE the recording of this session, which took place online on January 18, 2021.
NOTE: It is not allowed to reproduce images or texts presented in this video, in whole or in part, without authorization from the authors and editors.
INTRODUCTION AND PRINCIPLE OBJECTIVES OF THIS CONGRESS
This colloquium intends to discuss the theory and practice of artistic, historical, anthropological, social and political experience on the topic of portraiture, as well as the fictional dimension contained within it. Located at the intersection of several disciplinary fields, the discussion(s) and papers will address the portrait as a concept, theme, process, object (monument and document) and device, in its multiple developments and in its successive conceptual, technological and contextual updates.
More than defining a temporal framework, the subtitle – From Francisco de Holanda to Susan Sontag – underscores the dynamic porosity on the researched topic in the fields of art and literature, as well as, in its mutual reversibility.
Francisco de Holanda, humanist and 16th-century Portuguese artist, is the author of Do Tirar pelo Natural [On Portraiture], the first treatise dedicated to portraiture in early modern Europe, which he concluded in 1549, in the decade following his return from a trip to Italy undertaken in 1538 to 1540, as member of the embassy of Ambassador D. Pedro de Mascarenhas. One objective for Holanda was to meet Michelangelo Buonarroti, in addition to observing and drawing fortresses and the most outstanding works of art across Italy. Upon his return, Holanda undertook writing Da Pintura Antiga [On Ancient Painting], concluded on October 13 (St. Lucas Day) 1548, as it is written at the end of Book II, followed by his second treatise, Do Tirar polo Natural [On Portraiture]. These two works were prepared for publication and were even translated into Spanish in 1563, by his friend, the Portuguese painter Manuel Denis. These treatises, written almost simultaneously, would only see publication, in Portuguese and Spanish, only in the 19th century. At the end of the Do Tirar polo Natural [On Portraiture], Holanda states that the text was completed on January 3rd, 1549, only a few months after the completion of the two Books of Da Pintura Antiga [On Ancient Painting]. In fulfilment of John B. Bury’s ground-breaking research, a bilingual edition of this portrait treatise, published by Paul Holberton Publishing in London, will be presented during this Congress.
Indeed, the two great pillars of Francisco de Holanda’s theory of art – the imitation of himself, nature and antiquity on one hand, and idea, on the other – have, precisely, as a point of departure, the artist’s creative process which Holanda discusses in his first two treatises. The importance of Do Tirar polo Natural [On Portraiture] for the theory of art, which Holanda explains and abundantly illustrates in his two books in On Ancient Painting, as well as in his drawings and illuminated albums, especially in As Antigualhas [On the Antique], makes Holanda’s need to write a portrait treatise fully justified. As an autonomous work, Do Tirar polo Natural [On Portraiture], complements Da Pintura Antiga [On Ancient Painting]. This treatise’s structure, in the form of dialogues, follows the model used in Book II of Diálogos em Roma [Dialogues in Rome], but here, instead of many interlocutors, is reduced to conversations between two protagonists, Brás Pereira and Feramando, the disciple and master, as well as the alter ego of Holanda. The themes and issues defined in Do Tirar polo Natural [On Portraiture], extend, deepen and, above all, specify in detail questions regarding portraiture; themes related to the representation of the human figure which Holanda took up in Chapters 38 to 41 in Book I of Da Pintura Antiga. These chapters lack the decisive contributions, which throughout the eleven, small dialogues of Do Tirar polo Natural [On Portraiture], Holanda describes as precepts for a painter to “portray” or “paint from life” the “persona” of a sitter. In Do Tirar, Holanda distinguishes the portrait as distinctive from other representations of the human figure.
In The Volcano Lover, Susan Sontag begins with documentation related to three historical figures from the 18th century, expanding them into a fictional extension where they appear as characters or doubles; emerging as figures stabilized in the credibility of portraits, thus questioning their presence throughout the history of art and the history of images. These figures are the diplomat, collector and volcanologist William Hamilton, his wife Emma Hamilton, lover of Admiral Nelson and the muse of the painter George Romney and Admiral Nelson. The portraits directly refer to those of William Hamilton, made by Joshua Reynolds, and those of Emma Hamilton, made by George Romney and Élisabeth Vigée-Lebrun. The questions asked regard the genesis of the sensitive body, in the example of the statue of Condillac, and the metamorphosis of the statue in the myth of Pygmalion; the metamorphosis of beings in the morphological accidents of the earth and in natural objects that retain their name and history; the ideal portrait; the impossibility of describing the beauty of a face or a body, delegated to the rhetorical artifice of metaphor; the portrait as a theme and as a model; the genre of statues: action and stillness, narcissism and modesty; effigies: symbolic death; cameos: miniaturization of the portrait, living picture: representation staged inside a box or in a place surrounded by the frames of the paintings; the body in pose: support and object of the representation of a representation; the body as the embodiment of the work; the ephemerality of the body and the perpetuity of the portrait; the figure, the portrait and the recognition that erases or illuminates the name. And the ruin of it all, because ruin is the inevitable destiny of human bodies and their representations, some and others relegated to the future of our time.
THEMATIC LINES
In conjunction withthese topics the main thematic lines of the colloquium are defined as:
- The portrait as a place and the place of the portrait in the visual culture of all periods
- Time and trans-temporality in and of the portrait
- The portrait as theory and the theories of the portrait
- The portrait as fiction
In the transversality of these lines, the following sub-themes are proposed:
The body and the portrait; Portrait: presence and representation; Portrait, self-portrait and self-representation; The expanded portrait: media, intermediary and mediation; Portrait: iconism, symbolism and similarity; Metonymic portrait; Portrait galleries; The portrait as a connotative place; The double and the portrait; The portrait and the mask; Portrait and genre: the collector and the collection; Portrait and gender: the artist and the model; Portrait: celebration and power; Portrait: celebration of anonymity; Portrait: show and monstrosity; The statistical portrait; Avatar: copy without original; The Impossible Portrait; The composite portrait; Portrait: the desecration of the body.
Keynote speakers will be selected according to the sessions formed from the submitted proposals and the thematic lines of this congress.
OFFICIAL LANGUAGES
The official languages are Portuguese, English, French, Italian and Spanish.
ORGANIZATION
INSTITUTES
CIEBA – Artistic Studies Research Centre, Faculty of Fine Arts, University of Lisbon
PRESIDENT
Annemarie Jordan Gschwend
VICE PRESIDENTS
Maria João Gamito (CIEBA/FBAUL)
Fernando António Baptista Pereira (CIEBA/FBAUL)
HONOUR COMITTEEE AND SCIENTIFIC COMMITTEE
The final selection of the honorary and scientific committees (see HERE) will be determined according to the quality and thematic diversity of the submitted proposals.
EXECUTIVE
Alice Nogueira Alves
Ana Mafalda Cardeira
Glória Nascimento
Jorge dos Reis
Liliana Cardeira
Marta Frade
Maria Teresa Sabido
Teresa Teves Reis
FINAL PROGRAM (to be determined)
The opening of the Congress will be given by Annemarie Jordan Gschwend and the closing session by Professor Fernando António Baptista Pereira.
NOTE: During the Congress, Francisco de Holanda’s treatise, Do tirar pelo natural / On Portraiture (Paul Holberton Publishing, London), translated and with an introductionby John B. Bury, and edited by Annemarie Jordan-Gschwend and Professor Fernando António Baptista Pereira, will be presented.
INFORMATION:
CONTACTS
onportraiture.congress@belasartes.ulisboa.pt
VENUE
FACULDADE DE BELAS-ARTES DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
Largo da Academia Nacional de Belas-Artes – 1249-058, Lisboa, Portugal
l encontro me.av ulisboa — que futuro nas artes visuais?
Dec 01 2022
10 DEZEMBRO 2022 > 9H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
No próximo dia 10 de dezembro, sábado, realiza-se no Auditório Lagoa Henriques da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, o I Encontro do Mestrado em Ensino das Artes Visuais com o tema “Que futuro nas Artes Visuais?”.
Os objetivos deste encontro visam proporcionar, junto da comunidade académica, uma oportunidade de reflexão sobre questões atuais da educação e da formação de professores, bem como, promover um contexto favorável ao desenvolvimento do trabalho em curso, e contribuir para a criação de uma identidade do MEAV_ULisboa.
As INSCRIÇÕES são gratuitas, mas OBRIGATÓRIAS, e devem ser realizadas até 3 de dezembro.
Para obter mais informações contactar encontromeav@belasartes.ulisboa.pt
towards a common heritage
Dec 01 2022
12 > 16 DEZEMBRO 2022 I GRANDE AUDITÓRIO FACULDADE BELAS-ARTES
The Third CIPSH International Academy on Chinese Cultures and Global Humanities Seminar
Towards a Common Heritage: How artistic images shaped the global understanding of the world in the seabords of Eurasia since the 1650s
Organized by the Apheleia International Association in partnership with the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon and the Polytechnic Institute of Tomar
The International Council for Philosophy and Human Sciences (CIPSH) organizes annualy an International Academy on Chinese and Asian cultures and Global Humanities (IACAGH), with the generous support of the Chiang Ching-kuo Foundation for International Scholarly Exchange (CCKF). The IACAGH programmes symposia focusing on specific themes to promote dialogue between participating academic communities.
We call for the participation of reputed scholars and promising postgraduate students to foster future research. The seminar is organized by the International Association for Humanities and Cultural Integrated Landscape Management (APHELEIA), in partnership with the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBA-UL) and the Polytechnic Institute of Tomar (IPT).
In continuum with the the 2020 and 2021 editions, devoted to a series of high-level seminars focusing on “Global Ethics”, the 2022 seminar Towards a Common Heritage, emphasises on How artistic images shaped the global understanding of the world in the seabords of Eurasia since the 1650s. Lisbon, a western European seabord capital city, welcomes this event between 12 and 16 December, 2022 in a double-format of Conferences and Study Visits, leading to the publication of the Conference proceedings by the CIPSH in 2023. For this seminar, the IACAGH considers artistic and a range of related intellectual expressions from the mid-seventeenth century to the present.
In his seminal essay On the Concept of History (1942), Walter Benjamin argued that the understanding of the world is primarily structured through images, which encapsulate a dimension for redemption that is conveyed by time, or the past. This seminar builds on his approach and looks at processes that gained momentum since the dawn of Modern Age to the present, in order to evaluate the global acceleration of material culture and the arts. Simultaneous with increasingly global exchange routes, contradictory cultural processes were equally triggered, especially those pertaining to the rise and identity of modern nations. Yet, common ground was equally founded, gradually leading to the construction of world images signifying its interconnected system and, as argued by Shmuel Trigano in “The Paradigm of the Human in Humanity”, in Diogenes (2002), of Humanity as a unity of meaning free from ethnocentric divisions. Most often departing from different cultural perspectives, both in Europe and in China, images denoted the interplay between landscapes and humans, possibly leading towards a growingly convergent understanding of those interplays.
The Seminar Towards a Common Heritage asks how artistic images impacted social dynamics, the contruction of world images—past, present and future—and how art shaped historical perceptions of space and landscape since the 1650s.
6º Colóquio Expressão Múltipla
Dec 01 2022
Beatriz Manteigas, Macacos amestrados IV, 61x42cm, técnica mista sobre papel, 2020
13 > 14 DEZEMBRO 2022 | VIA ZOOM
LINK ZOOM para assistir ao Colóquio:
https://videoconf-colibri.zoom.us/j/99614441498?pwd=WEtSeTFsOHhkZkJFUFBGWFdhcnBSdz09
PROGRAMA (sujeito a alterações)
Este congresso visa proporcionar uma visão abrangente sobre a investigação na área do Desenho. Divide-se em duas chamadas de trabalho com vista a duas publicações anuais e a um colóquio/congresso.
A primeira chamada é dirigida ao Desenho Aplicado. Por Desenho aplicado entendem-se todas as vertentes em que o desenho é um elemento central, sendo, no entanto, concretizado com outros fins que não ele próprio. Assim áreas do desenho como as da concept art, ilustração, animação, desenho digital, realidade virtual, desenho de produção, entre outras, serão os maiores alvos nesta iniciativa. É por isso dirigida aos estudiosos que pretendam seguir, ou que já estejam a desenvolver trabalho nestas áreas, de maneira a permitir uma disseminação de experiência e de resultados.
A segunda chamada é dirigida à Teoria e Prática do Desenho num âmbito mais geral onde as suas relações com a arte e com os processos artísticos são investigadas.
O colóquio é dirigido sobretudo aos estudiosos que procuram desenvolver dissertações e teses na área do Desenho ou noutras que possam de alguma forma ampliar as discussões relativas a estas áreas de conhecimento. Pretende-se a disseminação das diversas experiências, metodologias e resultados. Aos interessados em participar convida-se à submissão de resumos relativos a comunicações orais a serem apresentadas no colóquio assim como os respetivos artigos atendendo à especificidade das chamadas de trabalhos.
Todos os resumos e artigos serão submetidos a uma revisão peer review. Os resumos aprovados serão impressos na ocasião do colóquio e os textos completos serão publicados online separadamente em duas revistas no Repositório da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
O colóquio, a ter lugar entre 13 e 14 de dezembro de 2022 no Grande Auditório da FBAUL, será composto por comunicações de 20 minutos e por um posterior momento para resposta a questões do público. Está prevista a abertura do colóquio/congresso com a presença de um ou dois keynotes.
Cada artigo recebido pelo secretariado é reenviado, sem referência ao autor, a dois ou mais membros da Comissão Científica, garantindo-se no processo o anonimato de ambas as partes (double-blind). No procedimento privilegia-se a distância geográfica entre a origem de autores e a dos revisores científicos.
Coordenação
Artur Ramos – Universidade de Lisboa (Expressão Múltipla)
Henrique Costa – Universidade de Lisboa (EM: Desenho Aplicado)
Comissão Organizadora
Artur Ramos – Universidade de Lisboa
Henrique Costa – Universidade de Lisboa
António Trindade – Universidade de Lisboa
Domingos Rego – Universidade de Lisboa
Beatriz Manteigas – Universidade de Lisboa
Gabriela Torres – Universidade de Lisboa
Comissão Científica 2021
Artur Ramos – FBAUL
Américo Marcelino – FBAUL
António Trindade – FBAUL
Henrique Costa – FBAUL
Filipe Abreu – FBAUL
António Canau – FAUL
Armando Jorge Caseirão – FAUL
José Maria da Silva Lopes – Universidade do Porto
Luís Fortunato Lima – Universidade do Porto
Miguel Bandeira Duarte – Universidade do Minho
Natacha Antão Moutinho – Universidade do Minho
Rita Carvalho – Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias
Daniel Bilbao Peña – Universidade de Sevilha
Miguel Ángel Bastante Recuerda – Universidade de Sevilha
Simón Arrebola-Parras – Universidade de Sevilha
Alexandre Guedes – Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro UFRRJ
Aline Basso – Universidade Federal do Ceará UFC
Sílvia Rosado – IADE
Dilar Pereira – CIEBA
Tiago Batista – FBAUL
Maria Prieto – Universidade Lusófona de Humanidades e Tecnologias
Inês Garcia – ESE
CALENDÁRIO:
Primeira chamada de trabalhos: Desenho Aplicado
1ª Fase – Submissão de propostas: envio de resumos provisórios*
Até 3 de maio, data limite para o envio do resumo;
Até 10 de maio, notificação de pré-aceitação ou recusa.
2ª Fase – Envio de artigos completos*
Até 21 de junho envio do artigo para revisão;
Até 30 de junho, notificação de conformidade ou recusa.
Segunda Chamada de trabalhos: Teoria e Prática do Desenho
1ª Fase – Submissão de propostas: envio de resumos provisórios*
Até 18 setembro, data limite para o envio do resumo;
Até 25 setembro, notificação de pré-aceitação ou recusa.
2ª Fase – Envio de artigos completos*
Até 20 de novembro, envio do artigo para revisão;
Até 30 de novembro, notificação de conformidade ou recusa.
Informações sobre as comunicações orais
*Os resumos e artigos deverão ser enviados para expressaomultipla@gmail.com segundo a seguinte formatação:
Formato do Resumo
O resumo poderá ter até 2.000 carateres sem espaços e incluir uma ou duas ilustrações. Devem ser indicadas três palavras-chave.
Formato do Artigo
Cada artigo deverá ter entre 10000 e 15000 caracteres sem espaços referentes ao corpo do texto, isto é, sem contar com o título, resumo, palavras-chave, legendas e bibliografia. O documento deve ser enviado em formato word.
- Título: Fonte Times New Roman, tamanho 14, maiúsculas, negrito, centralizado.
- Afiliação: Nome do autor e respetivo centro de estudos. Times New Roman, tamanho 12.
- Resumo e palavras-chave: Times New Roman, até 600 caracteres sem contar com os espaços, tamanho 12, espaçamento simples, parágrafo justificado.
- Abstract e keywords: Em inglês, Times New Roman, até 600 caracteres sem contar com os espaços, tamanho 12, espaçamento simples, parágrafo justificado.
- Subtítulos: Fonte Times New Roman, negrito, tamanho 12.
- Corpo de texto: Times New Roman, tamanho 12, espaçamento 1,5. Parágrafo justificado.
- Legendas: Numeradas, Times New Roman, tamanho 10.
- Referências Bibliográficas: Devem seguir o Modelo APA ou NP 405. Fonte Times New Roman, tamanho 12 (APA), 10 (NP 405) espaçamento simples.
- Até 10 imagens: Inseridas no correr do texto, legendadas e referidas (atenção aos direitos de autor).
THE MATERIALITY OF MODERNISM — THIRD INTERNATIONAL CONFERENCE CENTER FOR EUROPEAN MODERNISM STUDIES 2022
Dec 01 2022
15 > 17 DECEMBER 2022 I COLÉGIO ALMADA NEGREIROS, FCSH – UNL
The Centre for European Modernism Studies is a University research centre whose aim is that of investigating Modernism under the multiple layers of the term such as artistic, literary, historical point of views.
first Virtual Reality Animation Conference
Dec 01 2022
15TH DECEMBER 2022 > 11 AM I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
We invite all researchers and professionals to participate in the first Virtual Reality Animation Conference. The Conference will take place in the Faculty of Fine Arts at the University of Lisbon on December 15th, 2022.
The talks will discuss theoretical, historical, technological and artistic levels of animation within virtual reality. The conferences aims to facilitate international dialogue between researchers and professionals with interests in virtual reality.
The Conference will consist of a set of scientific, professional talks, workshops and a Game Jam, which will have a hybrid format (physical and online) taking place on December 15th, 2022.
The acceptance of the abstracts’ submission must fit the following themes: VR Production, VR Animation and Art theory applied to VR Animation and must be submitted till November 30th, 2022 through the following form from the link below.
l Seminário Internacional luso-brasileiro património, cultura, identidade e museologia
Nov 28 2022
03 > 04 DEZEMBRO 2022 > 12H00 I VIA ZOOM
Realiza-se via ZOOM, nos dias 3 e 4 de dezembro, a partir da 12h00 o “I Seminário Internacional luso-brasileiro património, cultura, identidade e museologia”, organizado pelos alunos do Mestrado de Museologia e Museografia da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e os alunos do Programa de Pós-Graduação em Patrimônio, Cultura e Sociedade, da Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro.
lançamento do nº 5 da riact e ciclo internacional de conferências sobre Investigação artística
Nov 20 2022
30 NOVEMBRO > 13H20 I VIA ZOOM
Comunica-se o lançamento da RIACT nº5, no dia 30 de novembro, edição dedicada à Investigação Artística em domínios partilhados pela Pintura e pela Dança, cujo título é: Investigação artística da ‘projecção espacial’ e da ‘plasticidade corporal’ nos campos da dança e da pintura. Esta edição também inclui uma entrevista ao Pintor e Professor Catedrático António Quadros Ferreira.
Na mesma tarde realiza-se um Ciclo Internacional de Conferências designado: Artistic Research on ‘spatial projection’ and ‘body plasticity’ in dance and painting, com a participação de diversos especialistas entre os quais Naomi Lefebvre Sell (Trinity Laban Conservatoire, Londres) e Fernando Duarte (Director artístico de Dança em Diálogos), além de outros, como pode ser observado no Cartaz-PROGRAMA.
As conferências realizam-se através da plataforma ZOOM.
Projetos e Processos da Pintura – Ciclo de Conferências
Nov 10 2022
José Lourenço, 2020, s/ título, acrílico sobre tela, 80×100 cm
1ª CONFERÊNCIA – 25 NOVEMBRO 2022 > 10H00 I SALA 3.41
Entrada livre condicionada à capacidade da sala
Projetos e Processos da Pintura
Este Ciclo de Conferências pretende ser um espaço onde se privilegia o conhecimento na área da experimentação, investigação e o contacto com problemáticas associadas ao projeto, de forma a construir uma base de conhecimentos, sobre várias técnicas e materiais, no âmbito do exercício projetual da Pintura.
Promover a aproximação às práticas artísticas profissionais através de convidados na área de intervenção da Pintura.
Proporcionar, aos estudantes de vários anos de formação, o aprofundamento de metodologias e processos operativos da pintura nas diversas tecnologias associadas ao processo pictórico.
1ª Conferência
Métodos operativos e técnicos da pintura como meios tradutores do universo pictórico
O artista José Lourenço nasceu em Lisboa no ano de 1975.
É Licenciado em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes de Lisboa.
Exibe o seu trabalho desde 1995 e está representado em várias coleções nacionais e internacionais, nomeadamente na Fundação PMLJ, Museu de Arte Comtemporânea Union Fenosa – MACUF, Fundação Pedro Barrié de la Maza, Coleção Norte de Arte Contemporânea – Governo de Cantábria, Barclays Bank, entre outras. Site: www.joselourenco.art ; Instagram: @joselourenco
Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor
Nov 10 2022
21 NOVEMBRO 2022 > 15h30 |GRANDE AUDITÓRIO, FACULDADE DE BELAS-ARTES
Com o encontro “Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor” aborda-se o percurso do artista e a necessidade de preservar e divulgar o seu legado.
Conta com a presença de Fernando António Batista Pereira, Laura Afonso, Mila Simões de Abreu, Jorge Rodrigues, Luís Jorge Gonçalves, Cláudia Matos Pereira, Dalton Sala, entre outros.
Será apresentado o livro “A Panificadora de Vila Real de Nadir Afonso: crónica de uma demolição” e será exibido o filme “1965, PANREAL UM EDIFÍCIO DE NADIR AFONSO”.
Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor
Nadir Afonso (1920-2013), o Arquiteto e o Pintor, continua presente no nosso quotidiano, através das suas obras: Estação de Metro dos Restauradores, em Cascais, na Panificadora de Chaves, entre outros locais.
O arquiteto trabalhou nos ateliês de Le Corbusier e de Oscar Niemeyer, que foram absorvidos pelo seu olhar. Foram marcantes para o jovem que saiu de Chaves. Passou pelo Porto, Paris, Rio de Janeiro e São Paulo. Voltou a Paris e fixou-se em Cascais. As cidades foram o seu mundo. Na arquitetura deixou a tridimensionalidade nas cidades. Na pintura ficaram os registos de cidades em movimento.
Na cidade de Vila Real legou-nos a Panificadora Panreal, uma fábrica de pão, que transformou em uma Catedral do nosso principal alimento. Infelizmente destruída recentemente, com a passividade das autoridades públicas. Vila Real e Portugal ficaram mais pobres. Naquele edifício estava Le Corbusier e, sobretudo, Oscar Niemeyer, os deuses da arquitetura do século XX, depurados por Nadir Afonso. Era um marco, na nossa arquitetura, que devíamos honrar.
Entrada livre sujeita à lotação da sala.
O evento é passível de ser fotografada e/ ou filmado para posterior publicação das imagens.
International Conference “Photography in-between Science, Art and Philosophy”
Nov 10 2022
NOVEMBER 26 2022 > 09.30 AM I AUDITORIUM LAGOA HENRIQUES
Photography has been the object of several theories, working with concepts as diverse as apparatus in the political/cultural approach by Vilém Flusser, as punctum and studium proposed by Roland Barthes, as psychoanalytic symptom advanced by Didi-Huberman, as aura (fetish) by Walter Benjamin, or as world-image by Susan Sontag.
However, all theories point to the same evidence: the complex reality, the several dimensions, of photography. Photography has the capacity to capture and perceive the world, that is, it can, at the same time, absorb the world and understand it. Simultaneously, it encloses a fundamental play between its (apparent) passivity and its transformative effects, between its (questionable) impartiality and its critical power. Photography has yet another dimension, that of being a transcendental exercise: when thinking about the world, photography thinks of itself as an image.
This colloquium aims at thinking photography from the perspectives of Science, of Art and of Philosophy. To analyse theories, techniques, and practices. To approach scientific photography, artistic photography, and new technologies. In a world full of images and multiple techniques for capturing and producing images, it is imperative, more than ever, to think photography.
Orador convidado
Rob Kesseler (Central Saint Martins)
Rob Kesseler is a visual artist and Emeritus Professor of Arts, Design & Science at Central Saint Martins, London. For the past twenty years he has worked with botanical scientists and molecular biologists to explore the living world at a microscopic level. Using a range of complex microscopy processes he creates multi-frame composite images of plant organs. Collaborators include The Jodrell Laboratory Kew, The John Innes Centre, Norwich, MRC Cambridge and the Max Planck Institute for Plant Breeding Research, Cologne. He works from studios in London and Corfu and exhibits and lectures internationally.
Informações
A participação no colóquio é gratuita mas carece de INSCRIÇÃO.
Entrada livre mediante inscrição e condicionada à capacidade do auditório.