Arte
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Young design Generation Open Call 2025 Lisbon Design Week + Mude
Mai 09 2025
28 MAIO > 27 JULHO 2025 I MUDE
A Lisbon Design Week, em colaboração com o MUDE – Museu do Design, convida jovens criativos a apresentarem o seu trabalho para a segunda edição da exposição que pretende ser uma mostra da criatividade de autores portugueses ou radicados em Portugal.
Esta Open Call integra o conjunto de eventos da Lisbon Design Week 2025. O júri selecionará 20 peças para integrar uma Coleção Cápsula que será apresentada no MUDE entre 28 de maio e 27 de julho 2025.
A exposição
As 20 peças selecionadas integrarão a Coleção Cápsula que será exposta no MUDE – Museu do Design na Rua Augusta 24, 1100-053 Lisboa, a inaugurar dia 28 de maio de 2025.
A exposição terá produção conjunta da Lisbon Design Week e do MUDE, integrando-se nos programas culturais de ambas as instituições. Aberta a um público diverso e muito alargado, fará parte dos principais eventos da última semana de maio: a Lisbon Design Week 2025, a Arco Lisboa, a Semana da Criatividade (CCP) e as Galerias Abertas da FBAUL, que juntam em lisboa estudantes, criativos e profissionais da indústria, colecionadores, imprensa especializada nacional e estrangeira e figuras-chave dos setores da arte, artesanato, design e arquitetura.
Os autores das peças selecionadas serão convidados a participar em diversos eventos organizados pela Lisbon Design Week, incluindo exposições, visitas a ateliês, lojas e galerias, eventos de networking, palestras e destaque em artigos e materiais de comunicação. Este conjunto de oportunidades tem como objetivo reconhecer a criatividade e a excelência, proporcionando aos participantes uma plataforma para crescimento profissional dentro da comunidade criativa.
Objetivo da exposição
Promover o diálogo entre o património do design, a história e a contemporaneidade, através de novas interpolações às peças que integram a Exposição de Longa Duração do MUDE.
Dar visibilidade à criatividade emergente e partilhar com um público alargado o olhar das gerações que iniciam, agora, o seu percurso profissional.
Categoria - Contraponto
A Exposição de Longa Duração do MUDE, oferece, a quem a percorre, uma leitura do design em Portugal num contexto de reflexão sobre si mesmo e sobre o que o rodeia. As peças e os seus processos são mostrados em núcleos de afinidades, que se vão justapondo época a época para revelar a intricada dinâmica das diferentes referências culturais dos sécs. XX e XXI que contribuem para debater “Para que servem as coisas?”.
Abrir esta exposição à contribuição de jovens, é um convite para juntar a voz das mais recentes gerações a este debate que o Museu quis iniciar. São aceites submissões de peças que corporizam conceitos
transversais a esta temática e que tragam novas formas de desenhar, comunicar, percecionar e utilizar design. Os participantes são incentivados a mostrar como o seu trabalho contribui para ultrapassar os desafios do design na atualidade. As peças a submeter podem ser equipamentos, componentes, objetos ou suportes de comunicação (itens one-off, produtos ou protótipos HI-FI) em tamanho real.
Elegibilidade
Todos os jovens criativos ou estudantes do sector artístico e criativo de nacionalidade portuguesa ou residentes em Portugal, individualmente ou em equipe. Os participantes devem ter menos de 35 anos no momento da submissão (até 24 de abril de 2025).
Regras de submissão
- A participação é gratuita
- Cada participante ou equipa pode submeter apenas uma peça
- O prazo limite para submissão é 24 de abril de 2025
- A peça deve resultar de um processo de design e ser bi ou tridimensional
- A peça pode ser inédita ou já ter sido editada, exposta ou comercializada
- A peça deve ser apresentada por meio de fotografias, desenhos e uma descrição detalhada das suas características específicas, incluindo dimensões e materiais.
Deve ser acompanhada por um breve texto que explique de que forma a peça estabelece um diálogo com a Exposição de Longa Duração do MUDE, seja através da sua relação temática, conceptual ou material com uma ou mais peças, contribuindo para a reflexão e a interação com o discurso expositivo existente. - Serão selecionadas 20 peças para exposição temporária no MUDE
- Caso a peça seja selecionada, o autor compromete-se a entregar um exemplar ou protótipo em alta fidelidade (HI-FI), acompanhado de fotografias em alta resolução (HR), descrição e uma breve biografia, para ser exposto no MUDE – Museu do Design
- A peça ficará em exposição até 27 de julho, sendo posteriormente combinada a data para levantamento no mesmo local
- O formulário e Informação detalhada sobre o processo se submissão está disponível no site da Lisbon Design Week/Open Calls
- A submissão pode ser feita em língua portuguesa ou inglesa
- As submissões e eventuais pedidos de informação devem ser enviados para opencalls@lisbondesignweek.pt ; com cópia para justine@lisbondesignweek.pt
- Todos os participantes receberão um certificado de participação.
FICHA DE INSCRIÇÃO
CONTACTOS
opencalls@lisbondesignweek.pt
www.lisbondesignweek.pt
www.instagram.com/lisbondesignweek
www.mude.pt
desafio a arte do café
Mai 09 2025
CANDIDATURAS ATÉ 25 ABRIL 2025
Desafio A Arte do Café, desafio organizado pela Belissimo Cafés em parceria com a Faculdade de Belas-Artes de Lisboa e da Faculdade de Belas-Artes do Porto.
Este desafio é exclusivo para os alunos finalistas no ano letivo de 2024-2025 de Pintura, Cerâmica (Pintura e Escultura) e Design de Comunicação.
Candidaturas abertas até 25 de abril de 2025.
As obras vencedoras estarão expostas no Lounge Belissimo, na Feira de Arte ARCO Lisboa, que se realiza entre 29 de maio e 1 de junho de 2025.
Realizou-se uma SESSÃO DE APRESENTAÇÃO, com representantes da Delta Cafés, na próxima quarta-feira, dia 26 de março, às 11h30, no Grande Auditório.
Júri da FBAUL: Helena Elias, José Quaresma, Pedro Fortuna e Sofia Leal Rodrigues.
Para esclarecimento de eventuais dúvidas, os participantes podem contactar a Bellissimo Cafés, através do endereço de e-mail mktg.bellissimocafes@gruponabeiro.com
pigmentos e corantes com história
Mai 07 2025
11 ABRIL > 10 MAIO 2025 I BILIOTECA FACULDADE BELAS-ARTES UNIVERSIDADE LISBOA
Inaugura no dia 10 de abril às 17h30, na Biblioteca da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a exposição Pigmentos e Corantes com História. A exposição ficará patente até 10 de maio.
Esta exposição integra a programação do DIA INTERNACIONAL DOS MONUMENTOS E SÍTIOS.
Desde a pré-história, o ser humano possui um impulso inato de deixar a sua marca através da criação de obras de arte. Esse desejo impulsionou a procura constante por pigmentos mais eficientes e duradouros para a criação de tintas. Esta exposição percorre a história de alguns pigmentos e corantes fundamentais, desde os pigmentos terrosos utilizados pelo homem primitivo na decoração das paredes das cavernas até aos materiais colorantes sintéticos desenvolvidos em épocas mais recentes.
Apesar dos avanços tecnológicos, a paleta do artista continua a ser uma fusão entre os pigmentos usados na pré-história, os materiais naturais da Idade Média e os compostos sintéticos orgânicos modernos. Esta exposição apresenta a história de alguns desses materiais, desde os pigmentos naturais da pré-história até aos compostos sintéticos modernos, destacando em cinco vitrinas temas como aglutinantes, toxicidade, degradação e técnicas de conservação e restauro.
Curadoria: Ana Bailão, Ana Carolina Ferreira, Diana Ferreira e Margarida Boavida
Coordenação Científica: Ana Bailão
Com o apoio de Maria João Albergaria, Pedro Gaurim Fernandes, Sara Henriques
FBAUL Lança Plataforma Online para Divulgar a Investigação do Mestrado em Escultura
Mai 06 2025
A Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL) tem o orgulho de anunciar o lançamento de uma nova plataforma digital dedicada a reunir e divulgar a investigação teórica e teórico-prática em escultura desenvolvida no âmbito dos programas de Mestrado em Escultura e Escultura Pública.
Este projeto surge como uma resposta à necessidade de valorizar e centralizar o conhecimento produzido no ensino superior artístico da FBAUL. Através de um site intuitivo, a plataforma permitirá o acesso direto e facilitado a todas as informações relativas às Dissertações e Trabalhos de Projeto realizadas desde 2008 até aos dias de hoje.
Este projeto não apenas destaca a qualidade da produção artística e científica da FBAUL, mas também reforça a imagem da instituição como um centro de excelência no ensino e investigação em artes. A plataforma oferece uma oportunidade única para estudantes, pesquisadores, e o público em geral explorarem o desenvolvimento da escultura contemporânea em Portugal.
Com o lançamento desta ferramenta, a FBAUL reafirma o seu compromisso com a disseminação do conhecimento e a promoção da arte como uma prática vital e transformadora.
3D PAD [Painting Atlas Damage]
Mai 06 2025
O projeto 3D PAD [Painting Atlas Damage] visa desenvolver um catálogo tridimensional de patologias da camada cromática em pinturas de cavalete, combinando digitalização 3D, animações científicas e uma plataforma online de acesso aberto. Esta ferramenta pedagógica procura facilitar a compreensão dos fenómenos de degradação, superando as limitações dos atlas tradicionais, normalmente baseados em imagens bidimensionais e texto, e é direcionada a estudantes e profissionais de conservação e restauro.
A metodologia incluiu a seleção de patologias com base em questionários a alunos, a digitalização 3D dos danos, a produção de animações explicativas e a criação de um repositório online. Todas as informações e resultados obtidos durante o ano de financiamento, validados em contexto académico, estão disponíveis no website do projeto (https://sites.google.com/view/painting-atlas-damage-project/home).
Financiado pela FCT (ref. CEECINST/00112/2018/CP1530/CT0024) através do CIEBA, o projeto destaca-se pela abordagem interdisciplinar, envolvendo especialistas em documentação de bens culturais, modelação 3D e conservação e restauro, através da colaboração estreita entre a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de La Laguna, Tenerife, Espanha.
afinidades e tensões
Mai 04 2025
09 MAIO 2025 > 09H30 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Estas conferências constituem a segunda parte do Ciclo Internacional iniciado em novembro de 2024, também na FBAUL, no âmbito do Doutoramento em Artes Performativas e Imagem em Movimento.
No início da sessão, pelas 09.45 horas, vai ser apresentado o livro de ensaios produzidos em função do desafio lançado a todos os conferencistas, a saber: Afinidades e Tensões entre Investigação Artística, Criação Artística e Investigação em Artes, com a coordenação dos docentes da FBAUL, José Quaresma e Fernando Rosa Dias.
As conferências são gratuitas, porém, é necessário proceder à inscrição nas mesmas através do breve formulário em baixo.
diálogos entre a arte e o ser — conferência bolseiros gulbenkian
Mai 01 2025
15 MAIO 2025 > 15H45 I GRANDE AUDITÓRIO
Entrada livre
Esta conferência é um evento impulsionado pela Fundação Calouste Gulbenkian aberto para todos, de estudantes para estudantes. Queremos inspirar a comunidade académica dando a conhecer a vida e obra de artistas emergentes bem como os discursos atuais da intervenção social.
No dia de 15 de Maio, às 15:45 no Grande auditório, vem conhecer estas histórias e deixa-te inpirar!
Para mais informações aceder ao perfil no instagram: @cin50cinquenta
PROGRAMA
o poder da ação social
Aïscha Lemos
Catarina Cerqueira
Gonçalo Filipe
coffee break 17h00/17h15
a criação e o ser artista
Carolina Lino
Luca Zangandi
Mariana Maia Rocha
Sofia Taipa
workshop au soir
Mai 01 2025
13 MAIO 2025 I SALA 3.63
Este workshop tem como objetivo dar a conhecer a obra, os materiais e as técnicas, bem como os danos e as estratégias de conservação da pintura Au Soir, da autoria de Artur Alves Cardoso. A sessão é especialmente dedicada a pessoas cegas e amblíopes, promovendo a acessibilidade e a inclusão. No entanto, outras pessoas interessadas no tema também podem inscrever-se e participar
Assim, os interessados deverão inscrever-se enviando email para: heritagelab@office365.ulisboa.pt
Formadora: Ana Sofia Neves [Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa]
Docente responsável: Ana Bailão
Horário: 10h-13h00
Local: Sala 3.63
Público-Alvo: cegos e amblíopes
Vagas: 7
Preço: Gratuito
Inscrição: OBRIGATÓRIA para o email heritagelab@office365.ulisboa.pt
Solicita-se a todos os inscritos que, em caso de desistência, nos informem para o mesmo e-mail, para dar lugar a outra pessoa.
artistas ecologistas – filipa ramos
Mai 01 2025
13 MAIO 2025 > 11H – 13H I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Convidada: Filipa Ramos (Escritora, Comissária e Professora no Instituto de Arte da FHNW Academy of Art and Design, Basileia, Suíça).
ARTISTAS ECOLOGISTAS
Como é que a arte contemporânea se relaciona com as crises sociais, políticas e climáticas do presente?
Nesta conferência, Filipa Ramos aborda duas vertentes paralelas em relação a esta questão. Por um lado, analisa abordagens pioneiras por parte de artistas de diferentes gerações e contextos que combinaram causas artísticas, sociais e ambientais. Por outro, reflecte sobre a relação entre a ecologia como tema e a ecologia como prática, sublinhando a necessidade de tanto artistas como instituições assumirem posições coerentes e responsáveis e discutindo uma série de exemplos.
Filipa Ramos, PhD, é escritora e comissária de exposições e reside entre Londres e Paris. A sua investigação explora a relação entre a arte e a ecologia, com especial enfoque no cinema e nos animais.
É docente no Instituto de Arte da FHNW Academy of Art and Design, em Basileia, e Diretora Artística de Loop, um festival dedicado ao cinema de artista, que se realiza anualmente em diversos espaços culturais e artísticos de Barcelona. Ramos foi Directora Artística do Departamento de Arte da cidade do Porto. Foi também curadora de Bestiari, a representação catalã na 60.ª Bienal de Veneza (2024). Em colaboração com Lucia Pietroiusti, co-curou Songs for the Changing Seasons para a 1.ª Klima Biennale Wien (2024) e Persones Persons (8.ª Bienal Gherdëina, 2022). Em 2021, foi também co-curadora de Bodies of Water, a 13.ª Bienal de Xangai. Ramos foi Editora-chefe da e-flux Criticism (2013–2020), Editora Associada da Manifesta Journal (2009–2011) e colaborou com a Documenta 13 (2012) e 14 (2017). Editou Animals (2016) e The Shape of a Circle in the Mind of a Fish (com Lucia Pietroiusti, 2025).O seu próximo livro, The Artist as Ecologist (2025), analisa as formas como os artistas contemporâneos se relacionam com o ambientalismo.
Departamento de Pintura – actividades inscritas no âmbito dos conteúdos programáticos das UCs Pintura Digital e Ciberarte, e aberto ao contexto mais alargado dos Ciclos de Licenciatura, Mestrado e Doutoramento da área de Pintura, bem como todo o universo da FBAUL e público exterior interessado.
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Legenda da imagem: Eduardo Navarro alimentando uma cria de foca no SOS Rescate Fauna Marina no Uruguai, parte do seu projecto F.O.C.A. (Fundação Oceânica de Contemplação Amorosa), 2023.
afectalab: ll encontro internacional de criação partilhada
Mai 01 2025
13 MAIO 2025 I FACULDADE CIÊNCIAS SOCIAIS E HUMANAS, UNIVERSIDADE NOVA DE LISBOA
Afecta é um convite ao contágio cine-investigativo num contexto coletivo de criação com seres viventes mais que humanos.
O II Encontro Internacional de Criação Partilhada terá lugar na FCSH (Universidade Nova de Lisboa), no dia 13 de maio de 2025. Reunirá artistas, estudantes, docentes e pessoas com investigação académica da área das artes, nacionais e internacionais. Este Encontro propõe um diálogo crítico em torno de práticas plurais de criação e investigação em cinema e arte multimédia, considerando outros seres viventes – animais, plantas, fungos, bactérias, encantados – como agentes que intervêm e transformam o ato criativo. O objetivo deste encontro é apresentar e discutir algumas reconfigurações contemporâneas encontradas em processos artísticos que se fazem com a presença de agências mais que humanas, em relação de partilha e não de exploração, bem como analisar as implicações políticas e sociais que emergem desta relação. Ademais, o encontro também visa aprofundar o debate sobre as múltiplas vertentes das práticas de criação partilhada, incentivando a reflexão e a troca de experiências entre participantes, promovendo o diálogo entre a academia e a sociedade civil através de uma oficina, mesas de conversa com artistas e comunicações.
O evento é uma organização coletiva do AfectaLab, que faz parte da Unidade de Investigação em Artes (UBI) em colaboração com o Labcom – Laboratório de Comunicação (UBI) e com o CIEBA – Multimedia (ULisboa) e só foi possível graças ao apoio do Doutoramento em Media Artes (UBI) e da Pós-graduação: Estudos Visuais – Fotografia e (Pós) Cinema da Universidade Nova de Lisboa (FCSH).
O AfectaLab, fundado em junho de 2023, conta com um coletivo diverso com cerca de 15 pessoas, cujas áreas de atuação incluem cinema, media arts, design, filosofia, educação, psicanálise e ciências sociais de diferentes universidades de Portugal e do exterior. É um espaço para acompanhamentos de projetos a partir da prática de criação partilhada, que visa uma troca de saberes entre pessoas do cinema e de outras áreas do conhecimento de modo interdisciplinar e não hierárquico. O material comum são trabalhos em Cinema e Multimédia.
Mais informações sobre o AfectaLab em: https://labcom.ubi.pt/laboratorio-de-investigacao-e-criacao-partilhada-em-cinema-e-outras-imagens-em-movimento/
Informações sobre o evento anterior em: https://labcom.ubi.pt/afecta-i-encontro-internacional-de-criacao-partilhada/
ORGANIZAÇÃO
Comissão Organizadora
Carolina Ramos, Cybelle Mendes, Izabelle Louise, Lígia Maciel Ferraz, Luana Lobato, Luanda Francine, Matilde Dias, Pedro Florêncio, Renata Ferraz, Thais Longaray.
Administração
Mércia Pires, Adelaide Reis, Cristina Lopes, Thais Longaray.
APOIOS
Fundação para a Ciência e a Tecnologia
Universidade da Beira Interior
Faculdade de Artes e Letras
Departamento de Artes
Doutoramento em Media Artes
Pós-graduação: Estudos Visuais – Fotografia e (Pós) Cinema
Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa
REALIZAÇÃO
AfectaLab – Laboratório de Investigação e Criação Partilhada iA*Lab CineMAtiC / iA* – Unidade de Investigação em Artes (UBI) em colaboração com o LabCom – Laboratório de Comunicação (UBI) e CIEBA (ULisboa).
CONTACTOS
E-mail: afectalab@gmail.com
Visceral bodies — exposição de jessica pinto
Abr 14 2025
07 > 17 ABRIL 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 7 de abril, às 17h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes a exposição Visceral bodies de Jessica Pinto. A exposição ficará patente até 17 de abril.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário
2º a sábado – 11h00 – 19h00
Visceral bodies — “relating to deep inward feelings rather than to the intellect”: uma resposta crua, instintiva e emocional
Nesta exposição, os corpos emergem de materiais diversos, como cerâmica impressa em 3D, porcelana, cera de abelha, vidro e corda, revelando tanto a materialidade do corpo quanto suas emoções em camadas.
Uma experiência que vai além da visão—destinada a ser sentida.
Por Jessica Pinto, estudante de Mestrado em Arte e Ciência do Vidro e da Cerâmica na Vicarte, FCT NOVA, que finaliza seu mestrado com a exposição individual Visceral Bodies.
enquanto isso // meanwhile
Abr 10 2025
16 ABRIL 2025 I SALA 1.15 C CERÂMICA DE PINTURA FBAUL
Por ocasião do lançamento do catálogo da exposição ENQUANTO ISSO//MEANWHILE, artistas e curadores que participam na exposição prepararam num programa de actividades e workshops que acontece no dia 16 de Abril:
1) 10h-13h – Workshop – DESENHAR A COR | Atividade de mediação da exposição com MARTA CASTELO *
2) 14h30 – 16h30 – Workshop – CORPOS EM MOVIMENTO: DESENHO E PERFORMANCE NO MUSEU com MARIANA MAIA ROCHA **
3) 16h30 – Visita à exposição com as curadoras – Galeria Millennium Bcp, MNAC
4) 17h30 – Lançamento do catálogo da exposição (com a presença das curadoras, artistas, parceiros e mecenas) – Galeria Millennium Bcp, MNAC
1) DESENHAR A COR | Atividade de mediação da exposição Enquanto Isso | Meanwhile no MNAC *
Considerando o conceito curatorial da exposição Enquanto Isso | Meanwhile, que assenta na apologia “da contemplação, da pausa e da desaceleração no processo criativo”, Desenhar a Cor surge como uma proposta de mediação demorada, com momentos de pausa e entrecruzados com tarefas mais ou menos intensas. A atividade consiste na preparação de diversas tintas de colorações diferentes, feitas a partir de barros naturais, para posterior uso em desenhos sobre papel. Selecionados barros coloridos dentro da paleta de Marta Castelo, passaremos à pulverização dos mesmos em pequenos pedaços, seguindo-se a colocação desse material dentro de água. Teremos de aguardar que o barro derregue, uma pausa que dará para descansar e conversar. Passaremos por peneiros de diferentes malhas e experimentaremos dois aglutinantes que darão adesão às tintas.
Estas, uma vez feitas, estão prontas para Desenhar a Cor. Se o tempo escassear e/ou não houver disposição para desenhar, cada participante pode trazer recipientes vazios e levar algumas tintas para as usar mais tarde.
Materiais
1. Três tipos de barros naturais
2. Três lonas
3. Três rolos de massa
4. Três a seis maços ou macetas
5. Seis baldes de borracha
6. Seis peneiros, três de uma malha mais larga, e outros três de malha mais fina
7. Seis ripas de madeira
8. Três Salazares
9. Uma varinha mágica
10. Três jarros de plástico
11. Esponjas, panos e toalhas para limpeza
12. Cola CMC
13. Cola branca
14. Recipientes para as tintas
15. Pincéis variados
16. Papéis
Local | Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa | Sala 1.15 C Cerâmica de Pintura
N.º máximo de participantes | 12 pessoas
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2) CORPOS EM MOVIMENTO: DESENHO E PERFORMANCE NO MUSEU **
Nível de escolaridade: Todas as idades (atividade intergeracional)
Conceção: Mariana Maia Rocha
Nesta oficina inspirada pela exposição ENQUANTO ISSO//MEANWHILE, os participantes serão desafiados a explorar o processo criativo por meio do desenho performático, do movimento e da interação com as obras expostas. O foco estará no tempo como um processo contínuo, onde o gesto, o erro e a experimentação serão partes fundamentais da criação. Através do desenho, do movimento e da interação com o corpo, os participantes irão reinterpretar as obras da exposição, experimentando e vivenciando o processo artístico de forma coletiva e performática.
Objetivos gerais:
- Explorar o desenho como prática performática, utilizando o corpo como ferramenta de expressão.
- Refletir sobre o tempo, a transformação e o processo criativo a partir das obras da exposição.
- Estimular a colaboração e a interação entre os participantes, criando uma experiência coletiva de criação.
- Focar no erro, na hesitação e na descoberta como partes essenciais do processo artístico.
PROCEDIMENTOS E METODOLOGIAS
MOMENTO 1 – CORPOS EM AÇÃO: O DESENHO COMO GESTO E MOVIMENTO
Referência: A performance e o corpo como extensão da arte, inspirados por artistas como Bruce Nauman, Yoko Ono, e Artur Loureiro.
Descrição:
Neste primeiro momento, os participantes serão convidados a explorar o corpo como um meio de expressão para o desenho. Usando diferentes partes do corpo (mãos, cotovelos, pés), eles irão criar desenhos uns dos outros de maneira performática. O objetivo não é a perfeição, mas a exploração do movimento, da improvisação e da interação com os outros.
Em seguida, os participantes farão um desenho cego: cada um irá escolher uma obra da exposição ENQUANTO ISSO//MEANWHILE e, com os olhos fixos na obra, fará um desenho sem olhar para o papel. A intenção aqui é capturar a sensação e a impressão da obra, explorando o gesto e a perceção.
- Objetivo: Explorar o desenho como uma prática performativa e espontânea, usando o corpo para criar uma conexão com os outros e com o espaço.
MOMENTO 2 – DESENHO E PERFORMANCE: A INTERPRETAÇÃO DAS OBRAS
Referência: A estética do incompleto e do erro, inspirada nas obras de Pablo Picasso, Isabel Cordovil, João Louro, Fernando Lemos, e Jorge Pinheiro.
Descrição:
Neste exercício, os participantes irão escolher uma obra da exposição ENQUANTO ISSO//MEANWHILE e replicar a pose ou gesto de uma personagem representada na obra. O objetivo é não apenas reproduzir o movimento, mas também refletir sobre o significado da pose e como ela pode ser expressa fisicamente.
Após a reprodução do gesto, os participantes usarão marcadores de cores para adicionar elementos gráficos ao seu desenho, como formas ou padrões, refletindo a interação entre o corpo, o movimento e o espaço da obra.
Objetivo: Explorar a interpretação das obras da exposição por meio do gesto e do movimento, além de integrar a expressão corporal ao desenho
Materiais e recursos a utilizar
Tesoura – 1 por participante
Marcadores cor (para detalhar os desenhos no terceiro momento) Cada participante deverá levar os seus
Lápis de grafite (para desenho performativo) 1 por participante
Papel de grande formato (para os desenhos coletivos) Cada família deverá dispor de cerca de 1mx1.5m de papel (será recomendável utilizar-se papel em rolo)
Fita-cola de papel – 1 ou 2 por grupo
Diário Gráfico ou folhas soltas A4 – 1 por participante
Conclusão:
Esta oficina oferece uma imersão criativa no universo da exposição ENQUANTO ISSO//MEANWHILE, permitindo que os participantes interajam com as obras de uma forma dinâmica e performática. Através de três momentos distintos, será enfatizada a exploração do corpo como ferramenta criativa, a reflexão sobre o processo artístico e a importância da colaboração e do gesto no desenho. Ao longo de toda a oficina, os participantes serão convidados a explorar, criar e descobrir, colocando o processo de criação no centro da experiência.
Local | Museu Nacional de Arte Contemporânea (MNAC) – R Serpa Pinto, 4-Lisboa
Registo de presença para as actividades 1) e 2)
geral.mnac@museusemonumentos.pt
ENQUANTO ISSO//MEANWHILE resulta da parceria com o Mestrado em Estudos Curatoriais do Colégio das Artes da Universidade de Coimbra e da UmbigoLAB e da Fundação Millennium bcp
Mecenas: Fundação Millennium bcp
matéria vibrante: estudos para natureza-viva — exposição de catarina reis
Abr 10 2025
15 > 29 ABRIL 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 15 de abril, às 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Matéria Vibrante: Estudos para Natureza-Viva de Catarina Reis
Curadoria de Mónica Mendes.
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Finissage 29 de abril às 18h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Matéria Vibrante: Estudos para Natureza-Viva é resultado da investigação artística de Catarina Reis, que tem co-laborado activamente através da análise atenta das matérias e das suas ressonâncias. Na sua investigação em Belas-Artes – Arte Multimédia, cada obra nasce de um compromisso com a especificidade do seu contexto – físico, conceptual e sensorial. Neste enquadramento da Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a artista investigadora concebe uma instalação que convida a interagir e a sentir, reconfigurada numa outra que convida à observação, no cruzamento entre arte, tecnologia e ecologia.
A exposição constitui assim uma oportunidade sui generis de contacto com uma prática artística de co-criação entre humanos e não-humanos, onde a matéria adquire agência e as noções de representação e autoria são criativamente questionadas. Convidando-nos a abandonar o olhar apressado e a abrir espaço para o encanto, a exposição propõe-se como um campo de forças vibrante e relacional, onde ver é também ouvir, e onde o acto de contemplar se transforma numa forma expandida de conhecimento e de ligação simbiótica.
Mónica Mendes
Há algo que vibra nas coisas que vemos como inertes – não apenas naquilo que já viveu, mas também no que nunca teve vida e, ainda assim, pulsa, oscila e ressoa. Matéria Vibrante: Estudos para Natureza-Viva apresenta um processo de investigação artística que explora a agência da matéria, questionando a noção biológica de vitalidade e propondo especular sobre uma imagem que se afasta do visual para se tornar um campo de forças co-criado.
A obra revisita a tradição pictórica da natureza-morta, especulando sobre um dispositivo tecnológico capaz de revelar ecologias ocultas pela aparência dos objectos, inspirando-se na ideia de “matéria vibrante” (vibrant matter) formulada por Jane Bennett. Na instalação apresentada, uma composição de objectos – como frutas, flores, utensílios, ou elementos ornamentais – está conectada a um dispositivo interactivo que capta e processa a “vibração” da matéria em sinais eléctricos. A matéria torna-se co-criadora da sua própria expressão, destabilizando noções convencionais de autoria e representação.
Catarina Reis é arquitecta, artista transmedia e investigadora doutoranda, baseada em Portugal. A sua prática atravessa os territórios da arte, ecologia e tecnologia, explorando relações entre espécies e materialidades através de meios híbridos e instalações site-specific. Em colaboração com plantas e outras entidades não-humanas, investiga a agência da matéria e modos especulativos de co-criação do mundo. Entre os seus projectos mais recentes contam-se instalações imersivas, composições interactivas e experiências com biofeedback e tecnologias sensoriais.
Catarina Reis, 2025
lançamento do livro Colosso
Abr 10 2025
23 ABRIL 2025 > 19H00 I BROTÉRIA
No âmbito da exposição COLOSSO de Rui Serra, SantoSilva e Tomás Maia, patente na galeria de exposições temporárias da Brotéria entre novembro de 2023 e janeiro de 2024, realiza-se no dia 23 de abril, às 19h00, na Brotéria, a apresentação do livro com o mesmo título. Esta publicação, com textos de José Luís Porfírio, de João Sarmento e Catarina Ricciardi (equipa da galeria da Brotéria) e com fotografias de Pedro Tropa, reflete sobre as mutações que marcaram a exposição.
Para assinalar o lançamento conversa com os artistas e convidados — João Seguro, José Luís Porfírio e Paulo Pires do Vale — onde juntos, irão revisitar e explorar os desafios e possibilidades lançados pelo COLOSSO, assim como o papel do livro na memória da exposição.
1a fase candidaturas mestrado de desenho – novo plano de estudos
Abr 07 2025
CANDIDATURAS ATÉ 09 ABRIL 2025
Estão abertas as candidaturas até 9 de abril, para o Metrado em Desenho.
São aceites candidaturas a mestrado de estudantes que se encontrem em fase de conclusão de licenciatura num estabelecimento de ensino superior português.
1.ª fase de candidaturas
(para estudantes nacionais e equiparados e estudantes internacionais)
Candidatura > 5 de março a 9 de abril de 2025
Publicação dos resultados > a partir de 30 de abril de 2025
Matrícula e inscrição dos candidatos colocados > no prazo de 10 dias após notificação das instruções de matrícula e inscrição.
Consulte informação AQUI.
rangefinder, imagens entrecruzadas — exposição de josé quaresma e tiago batista
Abr 02 2025
06 MARÇO > 06 ABRIL 2025 I MNAC
Inaugura no dia 6 de março, às 17h30, no Museu Nacional de Arte Contemporânea a exposição Rangefinder, Imagens Entrecruzadas de José Quaresma e Tiago Batista. A exposição ficará patente até 6 de abril.
José Quaresma e Tiago Batista interligam as suas linguagens e domínios plásticos partindo de dois mecanismos de produção de imagens entrecruzadas: o Estereoscópio de Carlos Relvas e o Rangefinder. Ambos os dispositivos formam duas imagens confluentes, embora com graus diferentes de reciprocidade e sobreposição. O primeiro está aqui associado à conceção das peças e o segundo, à semelhança de um dispositivo de focagem, à convergência das temáticas expositivas. Desenho digital e analógico, pintura, instalação e vídeo testam uma interação contínua do poder comunicativo do discurso de ambos os artistas.
A obra introdutória da exposição, que reconfigura num formato contemporâneo o autorretrato, como afogado, de um dos inventores da fotografia, Hippolyte Bayard (que tudo indica ter sido o primeiro fotógrafo a posar frente à sua própria câmara e a tirar uma selfie), inicia um corpo de peças que, de uma forma articulada, combinam o desenho com luz e imagens que se cruzam reciprocamente.
Lúcia Saldanha
organização . organization Museu Nacional de Arte Contemporânea
parceria [PeP] . partnership [PeP] MNAC / Quarteirão das Artes curadoria .
curatorship Lúcia Saldanha
artistas . artists José Quaresma / Tiago Batista
apoio à montagem . installation support Alberto Gomes / Amadeu Farinha / António Aguiar / Paulo Lourenço
design gráfico . graphic design Isabel Lopes de Castro
comunicação . communication Isabel Nunes / Mónica Fonseca / Teresa Sabido
serviço educativo education Hilda Frias
the phenomenon of lithuanian stained glass in the modern era by Žydrūnas Mirinavičius
Abr 01 2025
03 ABRIL 2025 > 11H00 I SALA 3.60
Žydrūnas Mirinavičius is teaching stained glass at the Vilnius Academy of Arts (VAA), Department of Site-specific Art and Scenography.
He is a stained glass artist, curator, and researcher. Graduated from VAA in 1998, he executed stained glass in several churches, public spaces, and private interiors in Lithuania, Norway.
He is constantly publishing articles on stained glass in scholar editions and cultural press, curates stained-glass expositions and conferences.
He gave masterclasses on painting on glass in Lithuania, France, USA.
fragmentos híbridos
Abr 01 2025
03 > 10 ABRIL 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 3 de abril, às 17h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Fragmentos Híbridos.
Curadoria de Helena Elias e Mónica Mendes.
Horário: 2ª a sábado – 11h00/19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
A exposição Fragmentos Híbridos emerge no âmbito das materialidades híbridas e de processos artísticos baseados na prática. Explora-se assim a potencialidade especulativa do fragmento como conceito operativo nas artes e como recurso para a formação em investigação artística no ensino superior.
Partindo da ideia de que uma porção de algo pode renascer e recriar qualquer outra “coisa”, a mostra propõe situações experimentais que articulam diferentes corpos materiais no continuum da realidade-virtualidade. Este processo visa promover o diálogo entre sujeitos e materiais, que também podem ser sujeitos.
As experiências resultantes abrem caminho para novas abordagens na educação artística, especialmente no que respeita à investigação artística e à sua transferência de conhecimento.
Inspirando-se na noção de tessera da crítica literária (Bloom, 1973), e no conceito de constelação enquanto processo criativo dinâmico (Elias, 2019) que resgata a complexidade, significado e autonomia do fragmento (Perienes 2010), Fragmentos Híbridos expande o conceito de “fragmento nómada” proposto por Elias, Mendes, Ângelo e Lucas (2024).
Através de uma selecção de imagens e objectos de diversos artistas, a exposição apresenta fragmentos que ora se manifestam como documentos, ora se reconfiguram como imagens sobreviventes (Didi-Huberman ), surgindo em novas materialidades e ambientes digitais que mantêm a latência das suas aparições anteriores.
Nestas composições, os artistas Catarina Reis, João Pedro Costa, Jorge Forero, Lui Avallos, Marta Lucas, Pedro Ângelo, e os colectivos ARTiVIS e ÉBANO, plasmam diferentes temporalidades e estágios matéricos, colapsando planos visuais que evocam tanto a matéria vibrante de Bennet, como o conhecimento situado de Haraway e o sujeito nómada de Braidotti.
Artistas
Carlos Henriques
Catarina Reis
João Pedro Costa
Jorge Forero
Lui Avallos
Marta Lucas
Pedro Ângelo
ARTiVIS
Ébano collective
imagens de ciência ll
Abr 01 2025
01 > 11 ABRIL 2025 I CORREDOR DO AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Inaugura no dia 1 de abril, às 17h30, no corredor Lagoa Henriques, a exposição Imagens de Ciência II.
Concluindo a 2ª edição do Curso Pós-Graduado de Aperfeiçoamento em Ilustração Científica partilha-se uma seleção dos trabalhos desenvolvidos durante o 1º semestre de 2024-2025, no qual se exploraram as diversas vertentes da comunicação visual de ciência, desde a publicação científica até à divulgação para o público em geral.
Durante o curso promoveu-se o contacto com métodos e técnicas de Ilustração Científica, através do desenvolvimento de projetos pessoais em articulação com instituições de património científico natural e cultural, sob coordenação das Professoras Guida Casella e Lúcia Antunes, e com os docentes convidados Pedro Salgado, Dilar Pereira, Sara Simões, André Texugo, Marco Nunes Correia, Diogo Guerra, Cláudia Baeta, e Delfim Ruas.
Alunos participantes: Alycia Carvalho, Ana Bule, Ana Lima, Carolina Ganhão, Diogo Agulheiro, Inês Matias, Joana Gonçalves, João Dourado Santos, Leonor Martins, Luís Bem-Haja, Luís Pinto, Mariana Leite, Martim Quinta, Matilde Ramos e Rita Sequeira.
Agradecimentos: A todos os docentes e artistas que partilharam o seu trabalho nas Masterclasses temáticas, e a todos os colegas que receberam estes alunos e alunas nas suas unidades curriculares, como optativas do curso de pós-graduação.
Horário: 2º a sábado – 11h00 – 19h00
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
arte contemporánea para detenerse, para ver, para estar — javier garcerá
Abr 01 2025
09 ABRIL 2025 > 18H/20H /// 10 ABRIL 2025 > 16H/18H I GRANDE AUDITÓRIO
Convidado Professor Catedrático de Pintura Javier Garcerá (Universidad de Málaga, Espanha)
Sessão 1: quarta dia 9 de abril (18h00-20h00), Grande Auditório da FBAUL
Sessão 2: quinta dia 10 de abril (16h00-18h00), Grande Auditório da FBAUL
Um dos problemas mais graves enfrentado pelo indivíduo na sociedade ocidental contemporânea é a sua dificuldade em saber parar e gerir o seu tempo a partir de uma atenção sossegada. A aceleração dos ritmos das cidades e o uso cada vez mais descontrolado das tecnologias e das redes sociais provocam, desde já, dependências que tornam precária a qualidade da vida quotidiana.
Por sua vez, é cada vez mais frequente encontrar nos fóruns internacionais de arte contemporânea artistas que reivindicam a matéria, o processo e o saber fazer como eixos inquestionáveis do seu trabalho. Assim, a par de propostas herdeiras da lógica conceptual, que exigem uma minimização e eliminação do objecto artístico, coexistem outras linguagens objectuais construídas a partir de um cuidadoso domínio da técnica e de uma manualidade que lhes permite recuperar a sensualidade da matéria, como forma de estimular um tempo que se alicerça novamente no ver.
Numa realidade saturada com um tipo de imagem funcional que só possui objectivos comerciais e pragmáticos, e perante um contexto acelerado em que não é fácil filtrar os conteúdos subtis que nos bombardeiam e que recebemos involuntariamente, é necessário reflectir sobre as respostas que a partir da arte contemporânea estão a ser dadas sobre a própria função da arte, e a responsabilidade do autor relativamente a esse vórtice acelerado no qual todos estamos imersos.
Neste curso (de duas sessões) propomos uma série de reflexões sobre o processo de elaboração e recepção de uma obra artística. Neste caso, referimo-nos à incidência do discurso, aos limites do controle racional sobre o fazer e o ver, e às condições que surgem quando, a partir de uma atenção sossegada e aberta, se permite um contato íntimo com a matéria.
Para isso, partiremos de obras de artistas contemporâneos que, dissolvendo as categorias estanques da arte e do trabalho artesanal, se apoiam nos aspectos sensuais da matéria, impondo limites ao controle racional do fazer, e dando origem a uma obra cuja compreensão envolve uma intensificação do olhar que se afasta do dizer.
A partir destas formulações, será apontada a possibilidade de recuperação do tempo e da atenção como ferramentas políticas, da prática artística como dissidência em relação aos ritmos da sociedade contemporânea, e, como modelo, uma ética baseada na distância e no silêncio.
Javier Garcerá
Departamento de Pintura - actividades inscritas no âmbito dos conteúdos programáticos das UCs Pintura e Teorias da Pintura Contemporânea (Mestrado de Pintura), e aberto ao contexto mais alargado dos Ciclos de Licenciatura e Doutoramento da área de Pintura, bem como todo o universo da FBAUL e público exterior interessado.
lições com cerejas
Mar 31 2025
02 NOVEMBRO 2024 > 31 MARÇO 2025 I TÁGIDE
Inaugurou no dia 2 de novembro, no Tágide Food & Art, a exposição Sumário, no âmbito do projeto Lições com Cerejas, com obras de Camila.ponto final.
O projeto Lições com Cerejas é o resultado do acordo de colaboração entre o Tágide Art & Food e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos alunos da FBAUL, em contexto formativo, projeto com a coordenação da Professora Cristina Branco.
Sumário
Como profissionalizar e apresentar os trabalhos académicos á sociedade civil? Abordamos temas como transporte, fotografia, estabelecimento de preços ou divulgação nas redes sociais, assuntos fundamentais para uma profissionalização artística.
Recorremos ao laboratório de fotografia que dá apoio aos alunos da Faculdade de Belas-Artes para melhorar a qualidade das imagens. Ana Caria Pereira ajudou-nos nessa tarefa. Juntou-se ao projecto uma antiga aluna, Marisa Oliveira que criou uma página no Instagram para a divulgação e comercialização das peças dos alunos: @galeria.ponto.de.partida.
Nesta exposição apresentamos os trabalhos escolares da aluna Camila.ponto final.
As suas pinturas com títulos poéticos, embalam-nos com o vento entre paisagens imaginárias, cores alegres e escrita.
A série intitulada Descerca-te e a cerâmica antropomórfica Regamor, convidam-nos a uma alegre introspeção: a Crescer para dento.
Cristina Branco
Novembro 2024
02 JULHO > 29 SETEMBRO 2024 I TÁGIDE
Inaugurou no dia 2 de julho de 2024 a 1ª Mostra do projeto Lições com Cerejas no âmbito de um acordo de colaboração entre o Tágide Art & Food e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos alunos da FBAUL, em contexto formativo, projeto com a coordenação da Professora Cristina Branco.
A 1ª mostra com obras de Carlota Raposo, Franco Palma, Luca Tintea e Pinx (João Rosas), esteve patente até 29 de setembro de 2024.
FRANCO PALMA - @franco.palma.art
Vila de Arraiolos, Évora1964, estudou Design Gráfico e Pintura no ARCO e é licenciado em Escultura pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Profissional de Engenharia Informática e Gestão, tem formação superior nestas áreas, exercendo desde 1988 essa atividade a nível empresarial.
CARLOTA RAPOSO - @_carlota_raposo_
Nascida na ilha de S. Miguel, Açores, licenciou-se em pintura na Faculdade de Belas-Artes de Lisboa. Atualmente o seu interesse pela cerâmica e pelo vidro levou-a a prosseguir o Mestrado em Arte e Ciência do Vidro e da Cerâmica na Faculdade de Ciências e Tecnologia da Universidade NOVA de Lisboa, em associação com a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
PINX (JOÃO ROSAS) - @pinxtatu
PINX, nascido João Vítor Moreira Rosas, é um artista multimédia brasileiro que vai do desenho, escultura e pintura à tatuagem, música e direção de arte audiovisual. Formado em Comunicação Social pela Universidade Federal Fluminense (2017), PINX começou na música com sua banda Drápula, no sudeste do Brasil. Estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (2019) e durante a pandemia foi autodidata em tatuagem. Já em 2022 estudou o Mestrado de Design na Universidade de Lisboa em 2022.
LUCA TINTEA - @lucatientea.art
Estudante de arte em Bucareste, na Roménia, onde nasceu há 23 anos, adora arte figurativa, sendo a sua maior influência o naturalismo do século XIX. Considera a arte como uma conversa com os artistas do passado que criaram obras que nos inspiram atualmente. O seu sonho é estudar na Academia de Arte de Barcelona.
LIÇÕES COM CEREJAS
Este projecto nasceu de um almoço na esplanada no Tágide e de um convite de Suzana Barros para organizar mostras de trabalhos de alunos da Faculdade de Belas-Artes no espaço do seu restaurante.
A ideia pareceu-me muito aliciante, porque permitia estender as minhas funções, seguindo a tradição das reuniões artísticas nos cafés históricos como a Cervejaria do Leão, a Brasileira ou o Martinho da Arcada.
Poderia pôr em prática algumas ideias de autores que subscrevo, tal como: Fernando Pessoa que nos sugere “Ser plural como o universo”, Agostinho da Silva nas suas “ Conversas vadias” onde afirma que “…o homem não nasce para trabalhar, o homem nasce para criar, para ser um poeta á solta e dar a sua mensagem particular no mundo”, ou Joseph Beuys que defende o princípio de “cada homem, um artista.”
Esta colaboração permite liberdade para apresentar as “experiências plásticas e criativas” dos alunos de pintura, desenho ou escultura, sem a prisão das regras e das tendências do mercado da arte, criando discursos e elaborando narrativas visuais alternativas e próximas das propostas dos autores.
Numa visita aos GAB-A de 2024, fez-se uma escolha prévia de trabalhos de cerca de 20 alunos. Dessa lista selecionaram-se, para a 1ª mostra, obras de quatro estudantes, em dois grupos. No primeiro surge a ideia de utopia, num regresso à natureza ou numa superação de conflitos entre margens. No segundo o estudo do corpo num retorno à representação de temas clássicos e académicos, ou nos grafismos do corpo tribal e ancestral das tatuagens contemporâneas.
É neste instante, entre a resposta a exercícios escolares e a mostra ao público num espaço de tertúlia, que podemos encontrar, no trabalho destes jovens, a inocência da criação artística desprovida de funções mercantilistas.
Já à mesa, convido-vos a saborear umas deliciosas cerejas.
Cristina Branco
Julho 2024
não há festa para ninguém — exposição de ana leonor pinto
Mar 29 2025
25 MARÇO > 04 ABRIL 2025 I CAPELA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 25 de março, às 18h00, na Capela da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Não há Festa para Ninguém de Ana Leonor Pinto.
Horário: 2ª a sábado – 11h/19h
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Não há festa para ninguém!
_ Acabou aqui, por um e vários gestos, todo o sentido moldado a uma suposta certa mutualidade que se fazia acreditar.
O tempo reflete-se na materialidade brilhante de um carinho que será digerido e digerido e digerido.
Aqui, comer-se-ão palavras e haverá bolo para sempre.
exposição virtual: 76 anos de direitos humanos
Mar 17 2025
10 DEZEMBRO I DIA MUNDIAL DOS DIREITOS HUMANOS
Há 76 anos a comunidade internacional juntava-se para redigir um documento revolucionário que definia, pela primeira vez, os direitos fundamentais de TODOS os seres humanos. Aprovada a 10 de dezembro de 1948 pela Assembleia Geral das Nações Unidas, a Declaração Universal dos Direitos Humanos foi um documento inovador ao estipular, pela primeira vez na história, que os direitos humanos passariam a ser universais e não uma prerrogativa dos Estados.
Os direitos humanos são, desde então, inerentes a TODAS as pessoas, independentemente da raça, sexo, nacionalidade, etnia, língua, religião ou qualquer outra condição. São também universais, indivisíveis e inalienáveis. TODOS temos oficialmente o direito à vida e à liberdade, à liberdade de opinião e de expressão, ao trabalho e à educação, entre muitos outros.
Para assinalar o 76º aniversário deste documento fundamental do direito internacional e o Dia dos Direitos Humanos de 2024, o Centro Regional de Informação das Nações Unidas para a Europa Ocidental (UNRIC) desafiou alunos de Design de Comunicação da Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa a reinterpretarem a Declaração Universal dos Direitos Humanos com a produção de trabalhos gráficos sobre cada um dos seus icónicos 30 artigos. Neste olhar criativo e contemporâneo simplificaram-se os artigos e deu-se voz à primeira pessoa. Parte-se da reivindicação individual para abordar as preocupações e as expetativas coletivas dos mais jovens. Presta-se homenagem à cidadania ativa, celebra-se a diversidade e alerta-se para a necessidade constante da luta pelos direitos de TODOS. Sem exceção.
Esta Exposiçao Virtual pretende ainda relembrar que o poder da Declaração passa pela força das ideias que mudam o mundo e que esta deve continuar a servir de inspiração para que se garanta que TODAS as pessoas, em TODOS os lugares, possam viver com liberdade, justiça, igualdade e dignidade.
Veja a Exposição Virtual na íntegra aqui.
encontros plásticos, mundos mutantes
Mar 12 2025
07 > 14 MARÇO 2025 I CORREDOR LAGOA HENRIQUES
Inaugura no dia 7 de março, às 16h00, no corredor do Auditório Lagoa Henriques a exposição coletiva Encontros Plásticos, Mundos Mutantes, com curadoria de Helena Elias, Ana Mena e Margarida Alves. A exposição ficará patente até 14 de março.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Na interseção entre matéria e imaginação, as formas plásticas geram territórios onde a criação não se fixa, mas se desdobra em constante transformação. Cada gesto, cada traço ou volume lançado no espaço é um convite à metamorfose, um instante de fusão entre o visível e o que ainda não se revelou.
Esta exposição reúne trabalhos desenvolvidos pelos alunos no semestre passado no contexto das disciplinas de Plásticos II e IV (Departamento de Escultura), e destaca a diversidade de abordagens, muitas das quais desafiam os próprios limites de definição material – entre o plástico, a terra, a pedra e outras possibilidades híbridas.
Do ponto de vista técnico, os alunos trabalharam processos como a acoplação tridimensional/assemblagem, termo-moldagem com pistola de ar quente, conceção de moldes e enchimento com termoendurecíveis, bioplásticos, e ousaram também expandir as possibilidades tecnológicas, incorporando tramas/tessituras, malhas e tricot manual, objetos híbridos (entre o digital e o analógico), formas de modelação a partir do gesto do corpo (da pressão das mãos), introdução de luz no interior dos objetos, ou ainda, confluência com outras matérias do mundo. Deste modo, questionaram também a presença incontornável dos plásticos enquanto elemento que se infiltra em todos os territórios, do ambiente, ao corpo, da paisagem às células, até ao interior das próprias placentas.
Neste sentido, a exposição reflete também uma grande diversidade conceptual, abordando temas como o Antropoceno, a Identidade, o Feminismo, a Poética e Imaginação Material, a Memória, a Nostalgia e as Realidades Híbridas (entre o digital e o formal). Os trabalhos apresentados são pontos de colisão e de expansão, onde materiais e conceitos se entrelaçam, gerando novas paisagens visuais e sensoriais, tornando-se qualquer coisa, como um ser num estado impermanente.
Enquanto docentes, tivemos o privilégio de acompanhar e aprender com cada experiência, com os processos pessoais de descoberta e transformação, pois, no processo criativo individual, mais importante do que os resultados, é a integração dos erros, das iterações, das (re)configurações materiais e conceptuais. Não menos importante são as (re)configurações de partilha e a entreajuda entre alunos e docentes, que as circunstâncias dos semestres ajudaram a consolidar.
Nestes mundos mutantes, o tempo também se dobra em territórios híbridos, onde o orgânico e o sintético se misturam, o corpo e a máquina dialogam, o passado e o futuro colidem e se reformulam. Os encontros plásticos desafiam a fixidez e celebram a impermanência.
Exposição Coletiva
Beatriz Lopes, Berenice Simões, Bernardo Cantigas, Carolina Santos, Íris Caseiro, Joana Cunha, João Pires, Lola Marty, Luzie Deter, Mafalda Oliveira, Maria Inês Soares, Madalena Martinez, Mariana Poeta, Noé Poncet, Sofia Cupido, Sónia Singh, Vasco Marrocano
o mistério imanente — exposição de andré marques chambel
Mar 12 2025
10 > 14 MARÇO 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES
A exposição O mistério imanente de André Marques Chambel insere-se no âmbito da Apresentação Final do Trabalho de Projeto do Mestrado de Pintura. Inaugura no dia 10 de março, às 18h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes, e ficará patente até ao dia 14 de março.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário:
3ª, 4ª e 5ª, entre as 14h00 e as 19h00
6ª, entre as 10h e as 16h
__________
O solo brilha.
O vento dança, como uma respiração de alma, por entre as árvores.
As pedras permanecem no seu lugar, erguidas e envoltas por histórias. Elas sussurram palavras de uma língua esquecida.
As folhas estão caídas. O inverno já passou. Agora chega o tempo da primavera, a primavera do ser, da palavra, da obra. A primavera das canções, das canções da terra.
É algo que brilha, que não é luz. Algo que se ergue do fundo, algo que é assomado, relembrado, novamente criado. É aí que vive o mistério: no que aparece, no que aparece uma vez mais, no que volta a aparecer, para apenas se pôr outra vez no horizonte, no solo, sem promessa de quando voltará.
É algo que vem da terra, as imagens. Algo que nos escapa, e que se dá a ver. Algo que está à nossa espera…
André Marques Chambel
homenagem ao artista constantin brâncuși
Mar 10 2025
14 MARÇO 2025 > 16H30 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Realiza-se no dia 14 de março, às 16h30, no auditório Lagoa Henriques, uma conferência de homenagem ao artista romeno Constantin Brâncuși.
Serão oradores o Professor Doutor Eduardo Duarte da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e a Professora Doutora Marta Jecu.
adania shibli e michael marder
Mar 10 2025
14 MARÇO 2025 > 19H00 I GRANDE AUDITÓRIO FBAUL
A Maumaus / Lumiar Cité, em parceria com o CineLab do Instituto de Filosofia da Universidade Nova de Lisboa, apresenta uma discussão entre a escritora Adania Shibli e o filósofo Michael Marder sobre a literatura nos nossos tempos monstruosos, explorando as suas possibilidades para além das formas históricas e dos testemunhos pessoais. O ato de escrever face às exclusões em curso e às subjugações políticas normalizadas é examinado como uma tarefa a que não se deve renunciar; em vez disso, deve ser exercido contra uma sentida noção de impotência.
Nestas condições, a escrita também é discutida como uma força transformadora dentro de espaços imaginários que podem ser criados para contestar as supressões coloniais, na Palestina e noutros locais.
O último tema aborda a escrita como uma forma de aprender a não se tornar um monstro.
A discussão é em inglês. A entrada é livre e limitada ao número de lugares disponíveis. Após a discussão, Adania Shibli está disponível para autografar exemplares de Um Detalhe Menor.
Adania Shibli (Palestina, 1974) vive e trabalha em Jerusalém e em Berlim. Doutorada pela University of East London, escreveu romances, peças de teatro, contos e ensaios narrativos, que foram publicados em várias antologias, livros de arte e revistas literárias e culturais em diferentes línguas. Os seus romances Masaas (Touch, 2002) e Kulluna Ba’id bethat al Miqdar aan el-Hub (We Are All Equally Far from Love, 2004) foram distinguidos com o prémio Jovem Escritor pela A M Qattan Foundation. O seu romance Tafsil Thanawi (2017), editado pela D. Quixote com o título Um Detalhe Menor, foi finalista do National Book Award 2020, na categoria de Literatura Traduzida, e do International Booker Prize 2021.
Michael Marder (Rússia, 1980) é Professor Investigador no Departamento de Filosofia da Universidade do País Basco (Vitoria-Gasteiz). O seu trabalho abrange os campos da fenomenologia, filosofia ambiental e pensamento político. Marder é editor de The Philosophical Salon e autor de diversos livros, incluindo, nos últimos dois anos, Pyropolitics: Fire and the Political (2025), Plants in Place: A Phenomenology of the Vegetal (2024, com Edward S. Casey), The Phoenix Complex: A Philosophy of Nature (2023) e Time Is a Plant (2023).
Para mais informações, por favor contactar: Tel: +351 213 521 155; admin@maumaus.com; www.maumaus.org
fuuu… (sopro) tááá: marãny — exposição de leticia larin
Mar 10 2025
17 JANEIRO > 30 MARÇO 2025 I SALA AZUL, MUSEU NACIONAL DE HISTÓRIA NATURAL E DA CIÊNCIA
Exposição da artista Letícia Larín
Com a colaboração de Chipe, Kunhã Ysapy e Ariel Kowé
O conjunto de trabalhos desta exposição origina-se de conexões junto às culturas indígenas Kaiowá e Guarani, e visa propiciar ao público uma experiência de imersão numa outra cosmovisão.
Curadoria: Sofia Marçal
CONVERSA 26 de março > 17h00 a propósito da exposição FUUU…(SOPRO) TÁÁÁ: MARÃNY
A metamorfose da onça
Na Exposição Fuuu… (Sopro) Tááá: Marãny[1] da artista visual Letícia Larín cruzam-se linguagens híbridas; desenho, pintura, objetos, escultura, instalação, fotografia e performance. Os trabalhos desta exposição resultam da convivência com as culturas indígenas; Kaiowá e Guarani. “A obra de arte é uma força social que cria dois grupos antagônicos, que separa e seleciona a imensa multidão em dois diferentes tipos de homens. Qual é o princípio diferenciador dessas duas castas? Todas as obras de arte são divergentes, alguns gostam, outras não; alguns gostam menos, outros gostam mais. Essa dissociação não tem caráter orgânico, não obedece a um princípio.”[2] A exposição tem como intenção proporcionar aos visitantes uma experiência imersiva num contexto de descoberta do valor da obra de arte para cada um. Os trabalhos são compostos por materiais naturais e objetos inorgânicos.
Letícia Larín traz o seu imaginário para o museu, assim como o espírito dos povos indígenas, juntamente com o seu trabalho de investigação e com a sua metodologia de aproximação à ciência. “Sentimos incerteza quando não conhecemos bem os tipos de fatores que fazem de nossa situação o que ela é; assim, não sabemos quais deles devem ser empregados e colocados em movimento para tornar nossa situação mais agradável – ou os fatores necessários para evitar que ela piore; sentimos impotência quando aprendemos ou suspeitamos que, embora tivéssemos preparado um inventário completo de tais fatores, nos faltariam ferramentas, habilidades ou recursos para colocá-los em movimento ou para desligá-los, caso necessário.”[3] Numa procura por desconstruir paradigmas científico-ocidentais, estes trabalhos revelam a magia do viver integrado com a natureza e das relações inter-raciais. É o resultado do trabalho de campo de Letícia Larín na Reserva indígena de Dourados no Estado de Mato Grosso do Sul.
O conceito da exposição parte da palavra perigosa Marãny, não foi fácil para a artista trabalha-lo porque é abstrato e amplo, citando a artista, “fiz um exercício sobre a onça, para o povo Guarani, no processo de envangelização, a parte do jaguar foi deixada e perdida da memória, ficou a questão do amor e do bem. Quase todos os trabalhos apresentados estão relacionados com esta temática, de tentar estar em sintonia com a parte perdida O exercício mais insistente é o da metamorfose em onça, através de desenhos, pinturas mordidas, vídeo-performance, áudio-performance. Mas nesse bestiário sinestésico estão também serpentes, carrapichos, morcegos, araras. Um toque das iluminuras medievais e seus animais fantásticos ressoa nessas perspetivas originárias, para as quais tudo o que existe é transpassado por espíritos.” Um eco da descolonização materializa-se em peças instaladas nas paredes, no chão e no teto, destruindo muros entre cosmovisões díspares. Técnicas artísticas tradicionais misturam-se com gestualidades soltas; materialidades artesanais e tecnológicas agrupam-se.
Completa a exposição 2 exemplares pertencentes à coleção de taxidermia do Museu Nacional de História Natural e da Ciência, um lagarto-de-cauda-espinhosa do género Uromastryx e um morcego-de-ferradura-grande Rhinolophus ferrumequinum, apresentados não com a intenção de serem observados como objetos científicos, mas enquanto seres pertencentes a uma realidade em que tudo o que existe materialmente possui uma componente espiritual.
Nesta exposição, como nos diz a artista, diversas obras criadas sob inspiração dessas culturas indígenas constituem um tipo de ecossistema, manifestando a convivência entre distintas maneiras de se estar no mundo. Marãny é assim referido de um modo multifacetado, com ênfase na ideia de devir animal, de devir sagrado, de devir outro ou outra, ou mesmo de devir caça ou devir extinto. Os trabalhos artísticos apresentados pertencem à investigação de doutoramento em Escultura na FBAUL, sendo “marãny” o mote da principal obra artística –um monumento– elaborada nessa tese. Esta exposição aprofundamento em marãny e manifesta um tipo de ecossistema, marcado pela interdependência entre diferentes formas de existir.
Citando a artista, “A presente exposição concebe uma atmosfera de criação livre e visceral, onde cada elemento é marcado por memórias afetivas e singulares. Esse tipo de profundidade subjetiva conferida nas peças torna o formato da mostra imprevisível.” A exposição como uma história de aprendizagem, uma materialização de memórias. Exposição do espaço, ao pensarmos nas caminhadas, passeios, que Letícia Larín fez, e exposição do tempo, tempo da sua experiência, da sua aprendizagem, do seu percurso artístico, aqui concretizados nestes trabalhos. “Sou limitada apenas pela minha identidade. Eu, entidade elástica e separada de outros corpos.[4] (…) Quando penso no que já vivi me parece que fui deixando meus corpos pelos caminhos.”[5] A exposição é também um processo de investigação, de procura -constante, até à obra final.
Sofia Marçal
[1] Fuuu… (Sopro) Tááá” trata-se de um jehovasa, um passe ritual Guarani a abençoar antes de se dizer “marãny”. Marãny refere-se ao que não nos faz bem, de tempestades e vendavais a pragas e vírus.
[2] Ortega e Gasset, in: La Deshumanización del Arte, pp.343-355.
[3] Zygmunt Bauman, in: Danos Colaterais – Desigualdades sociais numa era global, p.134
[4] Clarice Lispector in: Água Viva, p. 14
[5] Ob. cit., p. 33.
ondulância
Mar 10 2025
17 > 28 MARÇO 2025 I CORREDOR LAGOA HENRIQUES
A exposição Ondulância, patente desde o dia 17 de março, no corredor do auditório Lagoa Henriques, inaugura no dia 20 de março, às 17h30.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Ondulância é o resultado do projeto Matérias, um processo de criação artística colaborativa que cruza disciplinas das artes visuais e performativas. Tendo como ponto de partida a tradição têxtil da Covilhã, o seu património material e imaterial, e os desperdícios das indústrias locais, a comunidade foi desafiada a desenvolver tecidos de lã, que serviriam como matéria-prima para a escultura.
O contato entre os participantes e a equipa do projeto foi mantido por meio de um ciclo de oficinas performativas, intercaladas com oficinas têxteis. Esta rede social proporcionou à comunidade o acesso às artes, à cultura e à educação, além de fortalecer laços e impulsionar o seu desenvolvimento. Ondulância é um símbolo tangível da colaboração comunitária e da transformação local. Mais do que ocupar um espaço, a escultura contém significados de pertença, sustentabilidade e história, que modificam a perceção do bairro e fortalecem o vínculo dos moradores com o local onde vivem.
O projeto Matérias integrou e transformou uma comunidade, além de oferecer um espaço de reflexão crítica sobre questões sociais, culturais e ambientais.
Direção Artística: Ana Mena
Financiamento: Dgartes
Apoio várias instituições, empresas e escolas da Covilhã.
exibição do documentário dominion
Mar 10 2025
21 MARÇO 2025 > 17H30 I GRANDE AUDITÓRIO
Duração: 2h05
Ano de Lançamento: 2018
Direção: Chris Delforce
Produção: Aussie Farms
Narração: Joaquin Phoenix, Rooney Mara, Sadie Sink e Sia.
Entrada livre
O documentário Dominion, do realizador australiano Chris Delforce, aborda questões éticas e morais relacionadas com interação entre humanos e animais, utilizando imagens reais captadas na indústria agropecuária.
A exibição visa promover a reflexão e debate crítico sobre esses temas, que se relacionam com diversas áreas de estudo, incluindo ética, sustentabilidade e direitos dos animais.
Haverá uma apresentação breve do documentário, a visualização do mesmo e um momento posterior de discussão sobre os conteúdos do documentário.