Arte
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first Virtual Reality Animation Conference
Dec 05 2022
15TH DECEMBER 2022 > 11 AM I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
We invite all researchers and professionals to participate in the first Virtual Reality Animation Conference. The Conference will take place in the Faculty of Fine Arts at the University of Lisbon on December 15th, 2022.
The talks will discuss theoretical, historical, technological and artistic levels of animation within virtual reality. The conferences aims to facilitate international dialogue between researchers and professionals with interests in virtual reality.
The Conference will consist of a set of scientific, professional talks, workshops and a Game Jam, which will have a hybrid format (physical and online) taking place on December 15th, 2022.
The acceptance of the abstracts’ submission must fit the following themes: VR Production, VR Animation and Art theory applied to VR Animation and must be submitted till November 30th, 2022 through the following form from the link below.
riact n.6 – Research in Art vs. Research Into art: When Painting ruminates ekphrasis – call for papers
Dec 05 2022
“I eKphrase as I breathe [...]”
Hélène Cixous, “Quand H. C. essaie de s’excuser…”, Études françaises, 51(2), 25–35, 2015.
“If critics agree at all about ekphrasis, they stress the fact that it has been variously defined and variously used and that the definition ultimately depends on the particular argument to be deployed.”
Peter Wagner, (ed.), Icons – Texts – Iconotexts: Essays on Ekphrasis and Intermediality, Köln, Walter de Gruyter, 1996, p.11
“Let us understand by ekphrasis the word that comes from the image: not the word that we can pronounce about it but the word that it proposes or suggests to us. Ekphrasis in this regard is not a commentary, analysis, or evaluation of the work.”
Jean-Luc Nancy, “Ekphrasis”, Études françaises, 51(2), 25–35, 2015.
The upcoming issue of RIACT will explore the difference between research in art and research into art, grounding a substantive part of its reflection on the notion of ekphrasis, an artistic concept so often rejected by plastic artists, sensing that it threatens to usurp that which is most fruitful and irreplaceable in artistic expression. In fact, ekphrasis was and remains – in its actual and contemporary forms – a procedure of interpretation and legitimation pervading the most varied artistic creations and which can assume the most diverse groundings (proportional to the full range of interpretative freedom, as Jean-Luc Nancy argues in the above-cited text: “[...] there are as many modes of ekphrasis as there are ways of speaking”)”, as well as the most surprising literary forms, having often delayed – and even undermined – other possibilities of assimilating and interpreting works of art.
RIACT Nº6 explores essential aspects of artistic research rooted in practice, with particular emphasis on the contributions of painting to the erosion of ekphrasis as a procedure that in the past was central to the identification and understanding of pictorial practice. In fact, with the exponential development of artistic research in painting and related areas – whether in the academic or other spheres-, this artistic expression has been disavowing the excess of voices external to its procedures and rituals, particularly the judging stances that tend to develop research about art in an invasive manner, as a surrogate for the living quality that characterizes the internal, but porous plasticity of painting.
Due to the timeliness of this change and broadening of investigative orientation, artists and authors are invited to develop a critical approach to the modalities of ekphrasis that have most contributed throughout history to set apart pictorial thought (inherent to the plasticity of making) from reflections on painting that are excessively dependent on the haloed “word” of metaphysics, dismissing a proper exploration of the gaps and subtleties between theoretical reflection and plastic and sensitive reflection, as the ultimate founder of any move toward the meaning of painting.
Parallel to the above goals, and in order that this methodological orientation – artistic research based on the plastic emanation of painting – is not confused with a fruitless adversity or nihilistic inclination, we will address various forms of harmonization between Artistic Creation, Research in art and Research into Art, exploring the affinities and differences between them, without any subservience to each other’s methodologies, calling for an inquiry into the features that approximate and separate the three spheres. Authors are also invited discuss the specificities of artistic research, that is, to the self-thematization of its strength and relevance, insofar as conducting an investigation with this increased concern will necessarily thematize the paths and characterizations that artistic research based on the plastic emanation of painting can assume.
Topics in focus:
I- Criticism of Ekphrasis and Research in Art
II- Self-sufficiency of Research in Painting face-to-face with Research into painting
III- Autonomy of Pictural Thought in the face of Aesthetic-Philosophical Thought
IV- Plasticity and Semantics in the light of Research in Art
V- Intermateriality in Pictorial Research
VI- Temporal Flow, Pictural Torrent and Artistic Research
VII- Crossings of any of the above.
Key dates:
January 10 – Proposal submission for 1st Peer Review.
February 10 – Results of 1st Review
March 15 – Proposal submission for the 2nd Peer Review.
April 17 – Results of 2nd Review
May 30 – Edition of approved essays for RIACT Nº6
To obtain information on the scope of the proposal and other editorial characteristics, consult the “Meta-article” (General characteristics of the Research Proposal to be submitted) at http://riact.belasartes.ulisboa.pt/
You can also send an email to this address: riact.artisticresearch2030@gmail.com
towards a common heritage
Dec 05 2022
12 > 16 DEZEMBRO 2022 I GRANDE AUDITÓRIO FACULDADE BELAS-ARTES
The Third CIPSH International Academy on Chinese Cultures and Global Humanities Seminar
Towards a Common Heritage: How artistic images shaped the global understanding of the world in the seabords of Eurasia since the 1650s
Organized by the Apheleia International Association in partnership with the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon and the Polytechnic Institute of Tomar
The International Council for Philosophy and Human Sciences (CIPSH) organizes annualy an International Academy on Chinese and Asian cultures and Global Humanities (IACAGH), with the generous support of the Chiang Ching-kuo Foundation for International Scholarly Exchange (CCKF). The IACAGH programmes symposia focusing on specific themes to promote dialogue between participating academic communities.
We call for the participation of reputed scholars and promising postgraduate students to foster future research. The seminar is organized by the International Association for Humanities and Cultural Integrated Landscape Management (APHELEIA), in partnership with the Faculty of Fine Arts of the University of Lisbon (FBA-UL) and the Polytechnic Institute of Tomar (IPT).
In continuum with the the 2020 and 2021 editions, devoted to a series of high-level seminars focusing on “Global Ethics”, the 2022 seminar Towards a Common Heritage, emphasises on How artistic images shaped the global understanding of the world in the seabords of Eurasia since the 1650s. Lisbon, a western European seabord capital city, welcomes this event between 12 and 16 December, 2022 in a double-format of Conferences and Study Visits, leading to the publication of the Conference proceedings by the CIPSH in 2023. For this seminar, the IACAGH considers artistic and a range of related intellectual expressions from the mid-seventeenth century to the present.
In his seminal essay On the Concept of History (1942), Walter Benjamin argued that the understanding of the world is primarily structured through images, which encapsulate a dimension for redemption that is conveyed by time, or the past. This seminar builds on his approach and looks at processes that gained momentum since the dawn of Modern Age to the present, in order to evaluate the global acceleration of material culture and the arts. Simultaneous with increasingly global exchange routes, contradictory cultural processes were equally triggered, especially those pertaining to the rise and identity of modern nations. Yet, common ground was equally founded, gradually leading to the construction of world images signifying its interconnected system and, as argued by Shmuel Trigano in “The Paradigm of the Human in Humanity”, in Diogenes (2002), of Humanity as a unity of meaning free from ethnocentric divisions. Most often departing from different cultural perspectives, both in Europe and in China, images denoted the interplay between landscapes and humans, possibly leading towards a growingly convergent understanding of those interplays.
The Seminar Towards a Common Heritage asks how artistic images impacted social dynamics, the contruction of world images—past, present and future—and how art shaped historical perceptions of space and landscape since the 1650s.
l encontro me.av ulisboa — que futuro nas artes visuais?
Dec 05 2022
10 DEZEMBRO 2022 > 9H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
No próximo dia 10 de dezembro, sábado, realiza-se no Auditório Lagoa Henriques da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, o I Encontro do Mestrado em Ensino das Artes Visuais com o tema “Que futuro nas Artes Visuais?”.
Os objetivos deste encontro visam proporcionar, junto da comunidade académica, uma oportunidade de reflexão sobre questões atuais da educação e da formação de professores, bem como, promover um contexto favorável ao desenvolvimento do trabalho em curso, e contribuir para a criação de uma identidade do MEAV_ULisboa.
As INSCRIÇÕES são gratuitas, mas OBRIGATÓRIAS, e devem ser realizadas até 3 de dezembro.
Para obter mais informações contactar encontromeav@belasartes.ulisboa.pt
6º Colóquio Expressão Múltipla
Dec 05 2022
Beatriz Manteigas, Macacos amestrados IV, 61x42cm, técnica mista sobre papel, 2020
13 > 14 DEZEMBRO 2022 | GRANDE AUDITÓRIO DA FBAUL
Este congresso visa proporcionar uma visão abrangente sobre a investigação na área do Desenho. Divide-se em duas chamadas de trabalho com vista a duas publicações anuais e a um colóquio/congresso.
A primeira chamada é dirigida ao Desenho Aplicado. Por Desenho aplicado entendem-se todas as vertentes em que o desenho é um elemento central, sendo, no entanto, concretizado com outros fins que não ele próprio. Assim áreas do desenho como as da concept art, ilustração, animação, desenho digital, realidade virtual, desenho de produção, entre outras, serão os maiores alvos nesta iniciativa. É por isso dirigida aos estudiosos que pretendam seguir, ou que já estejam a desenvolver trabalho nestas áreas, de maneira a permitir uma disseminação de experiência e de resultados.
A segunda chamada é dirigida à Teoria e Prática do Desenho num âmbito mais geral onde as suas relações com a arte e com os processos artísticos são investigadas.
O colóquio é dirigido sobretudo aos estudiosos que procuram desenvolver dissertações e teses na área do Desenho ou noutras que possam de alguma forma ampliar as discussões relativas a estas áreas de conhecimento. Pretende-se a disseminação das diversas experiências, metodologias e resultados. Aos interessados em participar convida-se à submissão de resumos relativos a comunicações orais a serem apresentadas no colóquio assim como os respetivos artigos atendendo à especificidade das chamadas de trabalhos.
Todos os resumos e artigos serão submetidos a uma revisão peer review. Os resumos aprovados serão impressos na ocasião do colóquio e os textos completos serão publicados online separadamente em duas revistas no Repositório da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
O colóquio, a ter lugar entre 13 e 14 de dezembro de 2022 no Grande Auditório da FBAUL, será composto por comunicações de 20 minutos e por um posterior momento para resposta a questões do público. Está prevista a abertura do colóquio/congresso com a presença de um ou dois keynotes.
Cada artigo recebido pelo secretariado é reenviado, sem referência ao autor, a dois ou mais membros da Comissão Científica, garantindo-se no processo o anonimato de ambas as partes (double-blind). No procedimento privilegia-se a distância geográfica entre a origem de autores e a dos revisores científicos.
Devido à situação causada pela pandemia poderão existir condicionantes para a realização presencial do colóquio. Assim a decisão quanto à natureza do colóquio – presencial, em vídeo-conferência ou mista – será tomada mais perto do evento.
CALENDÁRIO:
Primeira chamada de trabalhos: Desenho Aplicado
1ª Fase – Submissão de propostas: envio de resumos provisórios*
Até 3 de maio, data limite para o envio do resumo;
Até 10 de maio, notificação de pré-aceitação ou recusa.
2ª Fase – Envio de artigos completos*
Até 21 de junho envio do artigo para revisão;
Até 30 de junho, notificação de conformidade ou recusa.
Segunda Chamada de trabalhos: Teoria e Prática do Desenho
1ª Fase – Submissão de propostas: envio de resumos provisórios*
Até 18 setembro, data limite para o envio do resumo;
Até 25 setembro, notificação de pré-aceitação ou recusa.
2ª Fase – Envio de artigos completos*
Até 20 de novembro, envio do artigo para revisão;
Até 30 de novembro, notificação de conformidade ou recusa.
Informações sobre as comunicações orais
*Os resumos e artigos deverão ser enviados para expressaomultipla@gmail.com segundo a seguinte formatação:
Formato do Resumo
O resumo poderá ter até 2.000 carateres sem espaços e incluir uma ou duas ilustrações. Devem ser indicadas três palavras-chave.
Formato do Artigo
Cada artigo deverá ter entre 10000 e 15000 caracteres sem espaços referentes ao corpo do texto, isto é, sem contar com o título, resumo, palavras-chave, legendas e bibliografia. O documento deve ser enviado em formato word.
- Título: Fonte Times New Roman, tamanho 14, maiúsculas, negrito, centralizado.
- Afiliação: Nome do autor e respetivo centro de estudos. Times New Roman, tamanho 12.
- Resumo e palavras-chave: Times New Roman, até 600 caracteres sem contar com os espaços, tamanho 12, espaçamento simples, parágrafo justificado.
- Abstract e keywords: Em inglês, Times New Roman, até 600 caracteres sem contar com os espaços, tamanho 12, espaçamento simples, parágrafo justificado.
- Subtítulos: Fonte Times New Roman, negrito, tamanho 12.
- Corpo de texto: Times New Roman, tamanho 12, espaçamento 1,5. Parágrafo justificado.
- Legendas: Numeradas, Times New Roman, tamanho 10.
- Referências Bibliográficas: Devem seguir o Modelo APA ou NP 405. Fonte Times New Roman, tamanho 12 (APA), 10 (NP 405) espaçamento simples.
- Até 10 imagens: Inseridas no correr do texto, legendadas e referidas (atenção aos direitos de autor).
arte e cultura visual
Dec 05 2022
15 DEZEMBRO 2022 > 18H00 I SALA 3.61
ARTE E CULTURA VISUAL é uma revista do Centro de Investigação e de Estudos em Belas-Artes (CIEBA), com a periodicidade de um número anual, a sair no final de cada ano.
O âmbito a que se dedica é as artes plásticas e a cultura visual, procurando um discurso reflexivo, diverso, actual, problematizante e orgânico, que permita conferir enfoque aos dispositivos da arte e das imagens artísticas na sua ontologia e nos seus contextos.
Cada número é dedicado a um tema. Este terceiro número debruça-se sobre a DESILUSÃO.
Direcção editorial: Isabel Nogueira
Colaboradores deste número:
Ana Rito, Daniela Lisboa Gomes, Eduarda Neves, Isabel Nogueira, Javier Artero, José Carlos Pereira, Luís Manuel Gaspar, Manuel de Freitas, Pauliana Valente Pimentel, Pedro Lapa, Rui Cunha Martins, Rui Pires Cabral, Vitor dos Santos Gomes.
Entrada livre condicionada à capacidade da sala
now available the e-book ON PORTRAITURE. Theory, practice and fiction. From Francisco de Holanda to Susan Sontag
Dec 04 2022
18, 19 and 20 January 2022 | Faculty of Fine-Arts, University of Lisbon
EVENT EXCLUSIVELY ONLINE
NOW AVAILABLE THE E-BOOK OF THE CONGRESS!
NOTE: when you open the link, please scroll down on the page, and you will find the file for dowload.
REGISTRATIONS CLOSED
PITCH SESSION
The Authors of the selected communications were invited to participate in a pitch session, where they made a brief presentation of their communications.
WATCH HERE the recording of this session, which took place online on January 18, 2021.
NOTE: It is not allowed to reproduce images or texts presented in this video, in whole or in part, without authorization from the authors and editors.
INTRODUCTION AND PRINCIPLE OBJECTIVES OF THIS CONGRESS
This colloquium intends to discuss the theory and practice of artistic, historical, anthropological, social and political experience on the topic of portraiture, as well as the fictional dimension contained within it. Located at the intersection of several disciplinary fields, the discussion(s) and papers will address the portrait as a concept, theme, process, object (monument and document) and device, in its multiple developments and in its successive conceptual, technological and contextual updates.
More than defining a temporal framework, the subtitle – From Francisco de Holanda to Susan Sontag – underscores the dynamic porosity on the researched topic in the fields of art and literature, as well as, in its mutual reversibility.
Francisco de Holanda, humanist and 16th-century Portuguese artist, is the author of Do Tirar pelo Natural [On Portraiture], the first treatise dedicated to portraiture in early modern Europe, which he concluded in 1549, in the decade following his return from a trip to Italy undertaken in 1538 to 1540, as member of the embassy of Ambassador D. Pedro de Mascarenhas. One objective for Holanda was to meet Michelangelo Buonarroti, in addition to observing and drawing fortresses and the most outstanding works of art across Italy. Upon his return, Holanda undertook writing Da Pintura Antiga [On Ancient Painting], concluded on October 13 (St. Lucas Day) 1548, as it is written at the end of Book II, followed by his second treatise, Do Tirar polo Natural [On Portraiture]. These two works were prepared for publication and were even translated into Spanish in 1563, by his friend, the Portuguese painter Manuel Denis. These treatises, written almost simultaneously, would only see publication, in Portuguese and Spanish, only in the 19th century. At the end of the Do Tirar polo Natural [On Portraiture], Holanda states that the text was completed on January 3rd, 1549, only a few months after the completion of the two Books of Da Pintura Antiga [On Ancient Painting]. In fulfilment of John B. Bury’s ground-breaking research, a bilingual edition of this portrait treatise, published by Paul Holberton Publishing in London, will be presented during this Congress.
Indeed, the two great pillars of Francisco de Holanda’s theory of art – the imitation of himself, nature and antiquity on one hand, and idea, on the other – have, precisely, as a point of departure, the artist’s creative process which Holanda discusses in his first two treatises. The importance of Do Tirar polo Natural [On Portraiture] for the theory of art, which Holanda explains and abundantly illustrates in his two books in On Ancient Painting, as well as in his drawings and illuminated albums, especially in As Antigualhas [On the Antique], makes Holanda’s need to write a portrait treatise fully justified. As an autonomous work, Do Tirar polo Natural [On Portraiture], complements Da Pintura Antiga [On Ancient Painting]. This treatise’s structure, in the form of dialogues, follows the model used in Book II of Diálogos em Roma [Dialogues in Rome], but here, instead of many interlocutors, is reduced to conversations between two protagonists, Brás Pereira and Feramando, the disciple and master, as well as the alter ego of Holanda. The themes and issues defined in Do Tirar polo Natural [On Portraiture], extend, deepen and, above all, specify in detail questions regarding portraiture; themes related to the representation of the human figure which Holanda took up in Chapters 38 to 41 in Book I of Da Pintura Antiga. These chapters lack the decisive contributions, which throughout the eleven, small dialogues of Do Tirar polo Natural [On Portraiture], Holanda describes as precepts for a painter to “portray” or “paint from life” the “persona” of a sitter. In Do Tirar, Holanda distinguishes the portrait as distinctive from other representations of the human figure.
In The Volcano Lover, Susan Sontag begins with documentation related to three historical figures from the 18th century, expanding them into a fictional extension where they appear as characters or doubles; emerging as figures stabilized in the credibility of portraits, thus questioning their presence throughout the history of art and the history of images. These figures are the diplomat, collector and volcanologist William Hamilton, his wife Emma Hamilton, lover of Admiral Nelson and the muse of the painter George Romney and Admiral Nelson. The portraits directly refer to those of William Hamilton, made by Joshua Reynolds, and those of Emma Hamilton, made by George Romney and Élisabeth Vigée-Lebrun. The questions asked regard the genesis of the sensitive body, in the example of the statue of Condillac, and the metamorphosis of the statue in the myth of Pygmalion; the metamorphosis of beings in the morphological accidents of the earth and in natural objects that retain their name and history; the ideal portrait; the impossibility of describing the beauty of a face or a body, delegated to the rhetorical artifice of metaphor; the portrait as a theme and as a model; the genre of statues: action and stillness, narcissism and modesty; effigies: symbolic death; cameos: miniaturization of the portrait, living picture: representation staged inside a box or in a place surrounded by the frames of the paintings; the body in pose: support and object of the representation of a representation; the body as the embodiment of the work; the ephemerality of the body and the perpetuity of the portrait; the figure, the portrait and the recognition that erases or illuminates the name. And the ruin of it all, because ruin is the inevitable destiny of human bodies and their representations, some and others relegated to the future of our time.
THEMATIC LINES
In conjunction withthese topics the main thematic lines of the colloquium are defined as:
- The portrait as a place and the place of the portrait in the visual culture of all periods
- Time and trans-temporality in and of the portrait
- The portrait as theory and the theories of the portrait
- The portrait as fiction
In the transversality of these lines, the following sub-themes are proposed:
The body and the portrait; Portrait: presence and representation; Portrait, self-portrait and self-representation; The expanded portrait: media, intermediary and mediation; Portrait: iconism, symbolism and similarity; Metonymic portrait; Portrait galleries; The portrait as a connotative place; The double and the portrait; The portrait and the mask; Portrait and genre: the collector and the collection; Portrait and gender: the artist and the model; Portrait: celebration and power; Portrait: celebration of anonymity; Portrait: show and monstrosity; The statistical portrait; Avatar: copy without original; The Impossible Portrait; The composite portrait; Portrait: the desecration of the body.
Keynote speakers will be selected according to the sessions formed from the submitted proposals and the thematic lines of this congress.
OFFICIAL LANGUAGES
The official languages are Portuguese, English, French, Italian and Spanish.
ORGANIZATION
INSTITUTES
CIEBA – Artistic Studies Research Centre, Faculty of Fine Arts, University of Lisbon
PRESIDENT
Annemarie Jordan Gschwend
VICE PRESIDENTS
Maria João Gamito (CIEBA/FBAUL)
Fernando António Baptista Pereira (CIEBA/FBAUL)
HONOUR COMITTEEE AND SCIENTIFIC COMMITTEE
The final selection of the honorary and scientific committees (see HERE) will be determined according to the quality and thematic diversity of the submitted proposals.
EXECUTIVE
Alice Nogueira Alves
Ana Mafalda Cardeira
Glória Nascimento
Jorge dos Reis
Liliana Cardeira
Marta Frade
Maria Teresa Sabido
Teresa Teves Reis
FINAL PROGRAM (to be determined)
The opening of the Congress will be given by Annemarie Jordan Gschwend and the closing session by Professor Fernando António Baptista Pereira.
NOTE: During the Congress, Francisco de Holanda’s treatise, Do tirar pelo natural / On Portraiture (Paul Holberton Publishing, London), translated and with an introductionby John B. Bury, and edited by Annemarie Jordan-Gschwend and Professor Fernando António Baptista Pereira, will be presented.
INFORMATION:
CONTACTS
onportraiture.congress@belasartes.ulisboa.pt
VENUE
FACULDADE DE BELAS-ARTES DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
Largo da Academia Nacional de Belas-Artes – 1249-058, Lisboa, Portugal
do rigor o devir
Dec 04 2022
19 DEZEMBRO 2022 > 17H30 I MUP MUSEU DA POLÍCIA
Inaugura no dia 19 de dezembro, às 17h30, no MUP, Museu da Polícia, a escultura Do Rigor o Devir de Diogo Nunes.
DESTRUIR ARMAS IMPERATIVO DE LIBERDADE
No âmbito das comemorações do Dia Mundial do Desarmamento (09 de julho), a Polícia de Segurança Pública e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa associam-se a esta data através da apresentação de uma escultura inédita no país, pensada e edificada com armas apreendidas e destruídas pela PSP.
O alcance pleno de direito à liberdade fundada na segurança não se atinge com a posse de uma arma, mas de uma efetivação da segurança dos cidadãos pelo Estado de direito democrático com uma Polícia que garante a segurança interna e os direitos dos cidadãos.
Com a apreensão e destruição das armas, a PSP garante diariamente que menos uma arma esteja disponível para a prática de um crime, permitindo a todos os membros da sociedade o exercício dos seus direitos em segurança e tranquilidade de modo que estimulem o cidadão a refletir e a desenvolver uma harmonia vivencial através da arte, da escrita, da ciência e em todas as áreas de atuação garantes dos seus direitos e liberdades.
A arte pode (e deve) ser um instrumento de promoção da liberdade e da segurança. Esta escultura é a mensagem da intrínseca e umbilical relação entre a arte, a segurança e a liberdade.
A ESCULTURA
A escultura terá como título: “DO RIGOR O DEVIR — A polícia com o seu rigor, na manutenção da ordem pública, com a destruição das armas conduz à transformação / à mudança para uma paz pública, uma sociedade em liberdade”.
O autor é o escultor Diogo Nunes da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
Será a estrela de 6 pontas da PSP (estrela de David) que abre no interior para brotar uma flor. Toda a escultura é construída com as armas destruídas. Vai ser imersiva, uma vez que o público pode passar pelo seu interior.
“Com as armas destruídas e a segurança alcançamos a Liberdade.”
DO RIGOR O DEVIR é uma escultura construída com as aparas de armas apreendidas e destruídas pela PSP. Estas formam uma pirâmide que se ergue a partir de uma estrela de seis pontas (estrela de David), símbolo do rigor da Polícia na manutenção da ordem pública que, com a destruição das armas permite o florescimento de uma sociedade livre. Os seus vértices superiores encontram-se apoiados num dos cantos do alpendre da parada do Comandante Ferreira do Amaral, enquanto os dois vértices inferiores apoiam-se no chão. As suas faces, à medida que se aproximam das pessoas e do chão, abrem-se procurando remeter para o brotar de uma flor, transformando-a numa escultura imersiva possibilitando ao público a passagem pelo seu interior.
podcasts belas-artes ulisboa
Dec 04 2022inshadow — lisbon screendance festival
Dec 04 2022
5TH > 19TH DECEMBER 2022 I FBAUL GALLERY AND CISTERN
InShadow Festival returns to its 14th edition and presents a diversity of proposals and encounters between dance, cinema and technology.
The Faculty of Fine Arts hosts two of the Festival’s projects.
POSE, a photography exhibition by Joaquim Leal and performance by Joana Franco and Lara Maia, in the Gallery, and ECHO, musical performance by Sílvio Rosado, in the Cistern.
Opening: 5th december 7pm
In both spaces also feature video-dance installations with the participation of various artists.
POSE
Joaquim Leal, Joana Franco and Lara Maia
The tiny part of the world, the semitic stone of the museum,
the reverse angle
of the woman’s generic smile
In Nuno Higino, “O animal eólico do corpo” (2007)
GALLERY AND CISTERN SCHEDULE
monday – saturday: 10 am /7 pm, sunday closed
première — dans le cadre de la saison france – portugal 2022
Dec 04 2022
30 OUTUBRO 2022 > 15 JANEIRO 2023 I CENTRE D’ART DE MEYMAC
Vernissage le samedi 29 octobre à 18h
Performance d’Anna Gianferrari à 19h30
Exposition du 30 octobre 2021 au 15 janvier 2023
du mardi au dimanche, y compris les jours fériés, 14h-18h
Le Centre d’art de Meymac a développé des liens avec la scène artistique portugaise depuis l’exposition “Variations portugaises” organisée en 2018, suivie en 2019 par la commande à Gabriel Garcia d’un Calendrier de l’Avent monumental et d’un soutien à la première exposition à l’artiste portugais Nuno Lopes Silva.
Il propose, à l’occasion de la Saison-France-Portugal 2022, de mettre en œuvre une édition spéciale de “Première”, en partenariat avec huit écoles d’art réparties entre la France et le Portugal:
_Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto – www.fba.up.pt
_Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa – www.belasartes.ulisboa.pt
_Escola Superior de Artes e Design de Caldas da Rainha, Politécnico de Leiria – www.esad.ipleiria.pt
_Escola Superior Artística do Porto, Porto – www.esap.pt
_École européenne supérieure de l’image de Poitiers et Angoulême – www.eesi.eu
_École nationale supérieure d’art de Bourges – www.ensa-bourges.fr
_École Supérieure d’Art de Clermont Métropole – www.esacm.fr
_École nationale supérieure d’art de Limoges – www.ensa-limoges.fr
Le co-commissariat de cette édition internationale (sélection des artistes et conception de l’exposition) est porté par Caroline Bissière & Jean-Paul Blanchet pour le Centre d’art contemporain de Meymac et Andreia Magalhães, pour le Centro de Arte Oliva. lls sélectionnent les jeunes artistes en allant à leur rencontre juste après leurs diplômes dans chacun des établissements et conçoivent l’exposition à partir d’une sélection d’une vingtaine d’artistes. Ceux-ci sont retenus pour la qualité de leurs œuvres tout en prenant en compte le principe que tous les établissements d’origine seront représentés dans la sélection finale, au moins par un artiste.
L’exposition constituée est présentée successivement en France au Centre d’art à Meymac du 30 octobre 2022 au 15 janvier 2023 puis au Portugal au Centro de Arte Oliva à São João da Madeira de 6 avril au 18 juin 2023.
Un catalogue sera édité
Les artistes retenus:
Cette 28e édition regroupe 21 artistes français et portugais :
David Astasie, Jeanne Andrieu, Beatriz Coelho (FBAUL), Léa Devenelle, Sara Flor, Erika Fournel, Anna Gianferrari, Pedro Gonçalves Ribeiro (FBAUL), Miguel Ângelo Marques, Gaëlle Massot, Inês Mendes, Emma Merlet, Armineh Negahdari, Ânia Pais (FBAUL), Maria Palma, Flavia Regaldo (FBAUL), Pierre Richard, Mário Santos, Inês da Silva Vieira, André Vaz, Justine Villermet.
THE MATERIALITY OF MODERNISM — THIRD INTERNATIONAL CONFERENCE CENTER FOR EUROPEAN MODERNISM STUDIES 2022
Dec 04 2022
15 > 17 DECEMBER 2022 I COLÉGIO ALMADA NEGREIROS, FCSH – UNL
The Centre for European Modernism Studies is a University research centre whose aim is that of investigating Modernism under the multiple layers of the term such as artistic, literary, historical point of views.
cross media arts 2023
Dec 04 2022
09 > 10 FEVEREIRO 2023 I FACULDADE DE BELAS-ARTES
A partir do conhecimento e sensibilidade dos diferentes campos artísticos, sejam eles performativos, visuais ou projetuais, esperamos encontrar outras práticas e formas de colaboração para o bem comum — novas direções que são desenvolvidas através do cruzamento de uma variedade de processos inovadores.
Queremos trazer para um entendimento geral das artes, uma discussão relacionada com uma práxis que atravesse as fronteiras entre os territórios artísticos e outros saberes. Explorando a interseção de conhecimentos e metodologias, esperamos incentivar formas alternativas de representação e intervenção social, designadamente um modelo de colaboração entre criativos, makers, partes interessadas e comunidades que promovam a coesão social e cultural através de ações concretas com os cidadãos.
Convidamos artistas visuais, performers, designers, arquitetos, entre outros criativos, a partilhar e a expandir as suas práticas.
Datas importantes
15 julho 2022: Submissão de resumos.
15 outubro 2022: Submissão de artigo para revisão por pares – (1ª ronda).
15 dezembro 2022: Submissão de artigo após correções – (2ª ronda).
Registo
Taxa de investigador doutorado 150€.
Taxa de estudante de doutoramento 100€.
Taxa para o público em geral 25€ (apenas para assistir à sessão principal).
Coordenação
Paula Reaes Pinto (Ed.)
Escola de Artes da Universidade de Évora
António Gorgel Pinto (Ed.)
IADE, Universidade Europeia
Teresa Veiga Furtado (Ed.)
Escola de Artes da Universidade de Évora
Sérgio Vicente
Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa
Organização
CHAIA
Universidade de Évora
UNIDCOM
IADE, Universidade Europeia
CIEBA
Universidade de Lisboa
Contacto: xmediarts23@uevora.pt
Joaquim António Viegas – a construção de um cenógrafo
Dec 03 2022
18 JUNHO 2022 > 26 FEVEREIRO 2023 I MUSEU MUNICIPAL DE FARO
projeto emerging recomendado para financiamento fct
Dec 03 2022
O projecto EMERGING foi selecionado para financiamento da FCT, no âmbito do concurso Projetos I&D em Todos os Domínios Científicos 2022. O projecto conta com a FBAUL e as suas unidades de investigação associadas, enquanto entidade proponente, e o ID+ Instituto de Investigação em Design, Media e Cultura, como participante, e tem como Investigadora Responsável a Doutora Helena Elias (IR) e Co-Investigadora Responsável a Doutora Sofia Ponte (Co-IR).
MATÉRIAS EMERGENTES: Uma proposta de colecção de arte da Investigação Artística Académica em Portugal
EMERGING é um projeto exploratório que visa lançar as bases de uma Coleção de Arte Académica das Instituições de Ensino Superior Artístico (IESA) em Portugal. A Investigação Artística (IA) é atualmente um campo de conhecimento chave na área das artes no Ensino Superior. Em 2015, a IA foi reconhecida no Manual Frascati da OECD, e mais recentemente, a Declaração de Viena reflete uma geração de IESA que defende a relevância da IA no sector cultural europeu, alertando para a necessidade de criar mais formas de apoio ao seu desenvolvimento. EMERGING propõe-se lançar as bases de uma Coleção de Arte Académica em acesso aberto para nutrir, interpretar e aumentar a compreensão da arte contemporânea. Esta coleção de arte académica contribuirá para produzir uma sistematização da IA desde a sua implementação nas IESA, de acordo com os objetivos da Agenda 2030 da ONU.
Palavras-Chave: Arte Contemporânea em Portugal; Objetos de Aprendizagem; Coleção de Arte das Instituições do Ensino Superior Artístico; Investigação Artística Académica
*helena elias
https://orcid.org/0000-0003-2743-8814
ARcTic South – Project Leader
https://www.belasartes.ulisboa.pt/en/arcticsouth/
member of the artistic research project MEMORY WORK
UNIVERSIDADE DE LISBOA LANÇA A NOVA ESCOLA DE PÓS-GRADUAÇÃO: ULISBOA-EPG
Dec 03 2022
A ULisboa-EPG tem por missão promover a oferta de cursos de pós-graduação, seminários e outros programas de formação avançada não conferentes de grau, desenvolvidos em articulação entre a Universidade e diferentes entidades públicas e privadas.
Um dos principais objetivos desta Escola de Pós-Graduação é preencher uma lacuna há muito diagnosticada no ensino superior português e recorrentemente reportada nos relatórios da OCDE: promover a formação ao longo da vida, destinada à população já inserida no mercado de trabalho, que procura atualizar-se e adquirir novas competências. A formação tradicional dos jovens não esgota a missão da universidade.
A ULisboa-EPG é uma nova estrutura de formação da Universidade de Lisboa, que reúne as 18 Escolas da Universidade, com as suas várias áreas de investigação e conhecimento. Organiza-se como espaço transversal de formação, em que a complementaridade de saberes e a otimização das redes existentes ao nível das diferentes Escolas da Universidade criam sinergias, entre si e com outras entidades públicas e privadas.
Aproveitando as possibilidades abertas pelo Plano de Recuperação e Resiliência (PRR) e, em particular, pelo programa “Impulso Adulto”, a ULisboa-EPG procura atingir, até 2025, um universo de mais de 10.000 novos estudantes. Este programa pretende dinamizar a formação ao longo da vida, reforçando o objetivo de convergência com a Europa, ao longo da próxima década.
Como explica o Reitor da Universidade de Lisboa, Luís Ferreira, “o PRR induziu uma motivação adicional na Universidade de Lisboa para a reorganização do sistema de pós-graduação. Ainda que atualmente atinja um nível de atividade muito significativo, está ancorado acima de tudo na capacidade individual de cada uma das várias Escolas e não tanto na complementaridade dos campos de investigação e recursos académicos diversos que é possível estabelecer, explorar e potenciar de forma interdisciplinar mais permanente.”
A ULisboa-EPG destina-se a todos aqueles que pretendam adquirir ou aprofundar conhecimentos, numa ou em várias áreas científicas, em particular aqueles que já estão inseridos no mercado de trabalho e procuram uma valorização profissional.
Para o desenvolvimento da sua oferta de pós-graduação, a ULisboa considera como objetivos estratégicos: proporcionar competências essenciais e específicas para a prática profissional; fomentar a internacionalização; aumentar a capacitação aprofundada de profissionais de diferentes áreas; facilitar a transferência de conhecimento; antecipar as necessidades emergentes de formação; promover a oferta interdisciplinar e transdisciplinar de cursos de pós-graduação.
A oferta formativa da ULisboa-EPG irá fomentar o seu carácter de excelência, a sua inter- e transdisciplinaridade, cruzando as fronteiras entre as dimensões académica, técnica e profissional, bem como a sua ligação à sociedade, promovendo um ambiente privilegiado para a internacionalização. Este projeto resulta de uma ampla articulação e cooperação com cerca de três centenas de entidades externas, abrangendo empresas, administração pública central, regional e local, instituições de investigação, e associações profissionais de vários setores de atividade.
Os cursos estão agrupados nas seguintes grandes áreas:
- Agricultura, Ciências Veterinárias
- Recursos Naturais, Ambiente e Energia
- Humanidades, Artes e Cultura
- Ciências Sociais, Ciências Empresariais e Direito
- Educação e Formação
- Saúde e Ciências do Desporto
- Ciência de Dados, Tecnologias de Informação e Transição Digital
- Engenharia, Tecnologias e Industrialização
- Território, Urbanismo e Arquitetura
Todas as informações sobre a ULisboa-EPG e a sua oferta formativa podem ser encontradas no site epg.ulisboa.pt
mirar-imaginar-vestir
Dec 03 2022
26 NOVEMBRO 2022 > 08 MARÇO 2023 I MUSEU NACIONAL DO TRAJE
Inaugura no dia 26 de novembro, às 16h30, no Museu Nacional do Traje a exposição coletiva Mirar-Imaginar-Vestir .
A exposição fica patente até 08 de março de 2023.
Curadoria: Cláudia Matos
Artistas: Daniela Remião (Mirar: Memória e sentimento), Michele Augusto (Imaginar: O não casamento de Inês, o vestido invisível); Elaine Almeida (Vestir: Entrelaces) .
As artistas são Doutorandas em Belas Artes – FBAUL e participam do Grupo de Investigação e Estudos em Ciências da Arte e do Património – “Francisco de Holanda” – CIEBA
Realizam-se no dia 26 de Novembro, às 15h00, MESAS REDONDAS
Mirar-Imaginar-Vestir
Esta proposta revela os olhares de três artistas visuais numa atmosfera interdisciplinar. Moda, fotografia e instalação interativa estabelecem conexões na dimensão simbólica da criação e da reflexão, acerca do universo feminino na poética do matrimónio. Seus ritos, memórias, tradições culturais, afetividades, imaginários, contextos voláteis e eternos, envolvem o visitante em uma imersão lúdica na essência da indumentária de casamento.
O percurso visual estimulará o público nestas (Re)vivências.
Mirar: Memória e sentimento. As imagens da artista Dani Remião surgem de uma elaborada investigação e criação, através de processos de impressão manual. Originam-se de memórias e das coleções de fotografias de familiares e do acervo do Museu Nacional do Traje. O namoro, a cerimónia e a família construída permeiam as suas obras.
Imaginar: O Não-casamento de Inês, o Vestido Invisível. A artista Michele Augusto reflete a presença da invisibilidade – a alma – da personagem histórica, Inês de Castro. O Não-vestido translúcido e os corações escultóricos relicários fundamentam-se na literatura e nos figurinos do acervo do Museu Nacional do Teatro e da Dança.
Vestir: Entrelaces. Três vestidos de noiva em papel e uma silhueta da figura humana fazem parte da obra interativa da artista Elaine Karla de Almeida. As suas referências são as “paper dolls” e as investigações no Museu Nacional do Traje.
As memórias individuais e coletivas, na perspetiva de Maurice Halbwachs, podem se adaptar às nossas perceções atuais. A arte possibilita estes dinamismos atemporais.
Cláudia Matoos, 2022
A FBA na exposição: Veloso Salgado De Lisbonne à Wissant, itinéraire d’un peintre portugais | Musée Boulogne-sur-Mer
Dec 03 2022
2 JULHO > 4 DEZEMBRO 2022 | Château comtal Musée de Boulogne-sur-Mer, Boulogne-sur-Mer, França
No âmbito da Temporada Portugal-França 2022, a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, participa na exposição temporária: “Veloso Salgado De Lisbonne à Wissant, itinéraire d’un peintre portugais”, com a cedência de duas pinturas da autoria de Veloso Salgado, que pertencem à Coleção de Pintura desta faculdade.
As obras cedidas são um “Auto-retrato”, de 1931 e a pintura “Família de Caim”, realizado por Veloso Salgado em Paris, em 1891.
“Cette exposition est la première consacrée en France au peintre portugais Veloso Salgado (1864-1945). Artiste de premier plan au Portugal mais méconnu en France, Veloso Salgado est un pont entre les deux pays. Après de premières études à Lisbonne, il s’installe à Paris, voyage en Bretagne et séjourne sur la côte d’Opale, à Wissant, avant de retourner définitivement dans son pays. Alors professeur à l’École des Beaux-Arts de Lisbonne, il décore les grands monuments de la capitale : école de médecine, musée militaire, assemblée nationale, etc.
L’ exposition propose de suivre ses pas en France et de rencontrer ses amis artistes grâce à d’exceptionnels prêts du Museu Nacional de Arte Contemporânea, Museu Nacional Soares dos Reis, Museu Nacional Machado de Castro, Casa-Museu Anastácio Gonçalves, Câmara Municipal do Porto, Casa-Museu Teixeira Lopes, Museu José Malhoa, Museu da Marinha, Museu Medeiros e Almeida, Faculdade de Belas-Artes Universidade de Lisboa.
Un ensemble de peintures offertes à Veloso Salgado par ses amis peintres de Wissant (Virginie Demont-Breton, Adrien Demont, Fernand Stiévenart…) sera notamment présenté pour la première fois en France. Ils rejoindront les portraits d’Adrien Demont et de Virginie Demont-Breton, les plus beaux portraits réalisés par Veloso Salgado, offerts par l’artiste à ceux qui ont été ses amis jusqu’à la fin de sa vie.”
In: https://saisonfranceportugal.com/evenement/veloso-salgado-de-lisbonne-a-wissant/
Musée Boulogne-sur-Mer: http://musee.ville-boulogne-sur-mer.fr/
Comissariado científico:
Maria de Aires Silveira – Conservadora, Museu Nacional de Arte Contemporânea do Chiado, Lisboa, Portugal
Elikya Kandot – Conservadora do património – Diretora dos Museus, Cidade de Boulogne-sur-Mer, França
Michel Gutierrez – Aluno-conservador, Instituto Nacional do Património, França
“Portugal está a realizar com França uma Temporada de eventos conjuntos e cruzados para aprofundar o relacionamento institucional e, sobretudo, para dinamizar as relações entre os dois países, em áreas-chave, perspetivando continuidade e desenvolvimento futuros.
A Temporada Portugal-França 2022 decorre simultaneamente nos dois países a partir de 12 de fevereiro de 2022. Através de mais de 200 eventos, a Temporada Portugal-França pretende destacar as numerosas colaborações entre artistas, investigadores, intelectuais, estudantes e empresários, entre as nossas cidades e regiões, entre as nossas instituições culturais, as nossas universidades, as nossas escolas e as nossas associações: iniciativas que ligam de forma profunda e sustentável os nossos territórios e contribuem para a construção europeia.” – https://temporadaportugalfranca.pt/
chiado, carmo, paris. “soirée chez lui”. desassossego e apropriação —ŁÓDŹ, polónia
Dec 03 2022
15 NOVEMBRO > 15 DEZEMBRO 2022 I AULA GALLERY AKADEMIA, ŁÓDŹ, POLÓNIA
LISBOA, ÉVORA, PARIS, ŁÓDŹ, FLORENÇA | 2022
Inaugura no dia 15 de novembro, mais uma exposição relativa ao Chiado, Carmo, Paris. “Soirée chez lui”, desassossego e apropriação, na Aula Gallery Akademia em Lodz, na Polónia, projecto integrado na “Temporada Portugal França 2022”, com ancoragem na Casa de Portugal, em Paris.
O evento é passível de ser registado e divulgado pela Faculdade de Belas-Artes através de fotografia e vídeo
Foi no dia 17 de fevereiro que inauguraram as primeiras três EXPOSIÇÕES relativas ao Chiado, Carmo, Paris. “Soirée chez lui”, desassossego e apropriação, projecto integrado na “Temporada Portugal França 2022” com ancoragem na Casa de Portugal, em Paris.
A primeira inauguração realizou-se às 17h00 no Jardim de Esculturas do MNAC, a segunda às 18h00 na FBAUL, e a terceira às 19h00 no Museu Arqueológico do Carmo.
Trata-se da apresentação pública de obras de dezenas de estudantes, professores e investigadores do ensino artístico superior, no sentido do alargamento das potencialidades plásticas da obra de Columbano, Soirée chez lui, cruzando alguns dos seus referentes plásticos e semânticos com a “efervescência” e o desassossego dos artistas da FBAUL e da Universidade de Évora. Por analogia, atendendo ao âmbito internacional do projecto expositivo, os artistas polacos (Lodz) e italianos (Florença) abordam a intermedialidade entre as artes visuais e as artes performativas a partir de autores das respectivas culturas, nomeadamente a pintura “Chopin’s Polonaise”, de Teofil Kwiatkowski, e a escultura “Ofelia”, de Arturo Martini.
No mesmo dia realizou-se um ciclo de CONFERÊNCIAS no MNAC sobre a pertinência da obra de Columbano, incluindo o lançamento de um livro/catálogo com vários ensaios dedicados à obra do pintor português, assim como ao domínio das artes na esfera pública.
Para informação mais detalhada sobre a vasta programação que se inicia neste dia e que culminará em Florença, no fim de 2022, sugere-se a consulta do site e do Instagram da Faculdade de Belas Artes de Lisboa, do Museu Nacional de Arte Contemporânea, e do Museu Arqueológico do Carmo.
Após a consulta de todos os temas e autores que constam no PROGRAMA, poderão, em função dos vossos interesses, fazer as inscrições nos diversos ciclos de conferências através da plataforma digital da FBAUL.
Evento passível de ser fotografado e filmado para posterior divulgação.
INSCRIÇÃO NOS CICLOS DE CONFERÊNCIAS
A inscrição é obrigatória em cada uma das conferências.
Museu Nacional de Arte Contemporânea (17 de fevereiro de 2022) /INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Grémio Literário (16 de Março de 2022) / INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, Évora (03 de Maio de 2022) INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Casa de Portugal, Paris, França (20 de Maio de 2022) INSCRIÇÕES ENCERRADAS
Informa-se que, devido à situação atual de pandemia e a novas medidas de controle, os ciclos de conferências poderão ser realizados através da plataforma zoom.
revista “convocarte” nº 14/15: arte e mobilidade: eppur si muove! / ART AND MOBILITY: Epur si muove! / ART ET MOBILITÉ: Epur si muove! — chamada de trabalhos
Dec 03 2022
PROLONGAMENTO DA DATA DE ENTREGA DE CANDIDATURAS - DATA LIMITE 31 AGOSTO 2022
Candidaturas: convocarte.belasartes@gmail.com | INFO
Data limite de apresentação das candidaturas de textos: 31 agosto 2022.
Devido ao atraso do número anterior de Arte e Paideia, e para acertos de calendário, todas as fases de trabalhos para Arte e Mobilidade (n.º 14 e 15) são adiantadas por mais 2 meses: envio de proposta com sumário até 31 de agosto de 2022; envio de texto final até 30 de novembro 2022. Ver PRÓXIMO NÚMERO | CONVOCARTE (ulisboa.pt)
Arte e Mobilidade: Eppur si muove! [PT]
Eppur si muove ou E pur si muove, normalmente traduzido como «mas movimenta-se» ou «no entanto ela move-se», é uma frase que se atribui a Galileu Galilei. Polemicamente, e segundo a tradição, ela terá sido afirmada logo após Galileu renegar a visão heliocêntrica da Terra perante o tribunal da Inquisição.
Além da retórica da expressão, que faz um tropos ao que se acabara de renegar, invertendo o seu sentido, ela tem esse cunho de nos dizer que a estaticidade é um limiar impossível ao ser humano, porque estamos sempre em movimento. Também, e para além da ironia actual da expressão, na saída de uma situação global de confinamento, que nos obrigou à imobilidade, a expressão surge com uma força cultural de resistência, de recusa da imobilidade nos seus impedimentos e restrições aos corpos e aos objetos, para assim nos lembrar a força de resiliência da fala, da acção ou da coragem.
Se este apelo à mobilidade tem esta tradição de coragem deontológica na história da ciência, servindo de exemplo a manutenção de princípios apesar de violentas pressões externas em sentido contrário, facilmente lhe encontramos toda uma espessura cultural nas artes. A mobilidade pode assumir um primeiro grande plano da deslocação do artista, busca por novas influências e formações que ampliem os horizontes da sua capacidade de produzir Arte.
A aceleração da dinâmica e tensão dos ismos, que marcam a arte ocidental desde a entrada na era industrial, não prescinde da relação com outras possibilidades de deslocação, mais rápida e de constante aceleração. Tal permite pensar que a relação entre os movimentos da história e os da deslocação do espaço geográfico estão relacionados. A mobilidade implica a conjugação do espaço e do tempo, mas também mobiliza rupturas.
Mas, não se trata de fenômeno novo. Muito antes da revolução industrial e das facilidades da aldeia global, conectada no instante da velocidade da luz da Internet, sempre houve viagem na Arte, permitindo a troca e partilha de objectos artísticos, como das suas técnicas e estilos. A história da arte é um vasto mapa de viagens de contatos artísticos, de deslocações de artistas e obras, que transportam consigo uma partilha de influências. Impossível, assim, separar o movimento de artistas e obras que se tem dado ao longo do tempo, pois tudo isso se liga aos próprios movimentos da história da arte.
Mas, se a ênfase à mobilidade não se dá como fenômeno novo, o momento contemporâneo amplia a dimensão e velocidade das mobilidades já presentes nas culturas Paleolíticas, Mesolíticas ou Neolíticas, ou nos nomadismos dos povos primevos das Américas, África e Oceania. Há múltiplas possibilidades de abordar o problema das culturas itinerantes nos dias que correm, cuja lógica artística e cultural assenta na disponibilidade constante ao móbile.
Agente crucial na questão da mobilidade nas artes é o próprio artista. O artista em viagem amplia a sua experiência e conhecimento. O viajar, como prolongamento da sua formação, é decisivo sobretudo a partir da Era Moderna e com o espírito do artista culto do Renascimento. A deslocação pode servir para uma formação e crescimento de si, como pode trazer consigo rupturas, ser exílio, voluntário ou involuntário, político ou artístico, dimensões que têm marcado a história das civilizações.
A deslocação pode dar-se por razões de um projecto artístico, como o caso do ar livrismo, que determinou uma das questões mais relevantes da história da pintura do século XIX, culminando num dos movimentos artísticos mais míticos da arte moderna, o Impressionismo, sobretudo com o ar livrismo total de Monet. Ou, mais recentemente, as derivas dos situacionaistas ou as caminhadas de Richard Long no âmbito da Land Art ou, enquanto acção artística, a famosa deslocação de uma montanha de Francis Alÿs, obra com Cuauhtémoc Medina e Rafael Ortega (When Faith Moves Mountains, 2002), entre muitas outras.
Nesse dossiê temático, propomos uma profunda reflexão sobre a viagem nos estudos artísticos das Artes, desde a noção de artista viajante, com seu diário de viagem, o ar livrismo e as residências artísticas, ou seja, da viagem como fundamento ou processo artístico. Também interessam as relações entre as instituições artísticas e a viagem cultural como mercado, enquanto dimensão turística da arte, lançando a discussão entre a necessidade de visita e a criação artística. Tal como há um turismo do artista, mesmo pondo em jogo os estigmas desta palavra enquanto modo de viagem, há um alargado e intenso turismo da e para a Arte, motivando e mobilizando deslocamentos.
Problematizar a mobilidade chama tanto o seu excesso e poluição (por exemplo, a noção de «dromologia» de Paul Virilio), como a ideia de imobilidade, extremos necessários à discussão do que os deslocamentos assinalam no mundo da arte. Além das ditas artes do tempo, como a literatura, a performance, o cinema ou a música, também as artes plásticas, ditas do espaço, se implicam no movimento, com vários artistas a entrarem na mobilidade dos referentes, como Delacroix, Degas, Rodin, os futuristas ou, por outra via, o próprio cubismo, com a sua ideia da deslocação do artista em torno do referente. O movimento torna-se assim um tema ou problema para a representação. Mas também pode ser um problema construtivo da obra, permitindo estender a questão às obras cinéticas, reais e virtuais, do construtivismo russo à Op Art.
A mobilidade encontra-se como questão cultural abrangente, como deslocação dos seus agentes (desde dimensões da produção, a partir do lugar do artista, como da recepção, e em torno do lugar do observador) e toda a partilha cultural daí advinda, como pode ser uma questão da obra, da sua deslocação física, seu tema ou modo de relação com os seus motivos, como ainda da sua construção interna.
Portanto, fica claro a necessidade de uma resposta a esse interesse investigativo e criativo, tanto da comunidade acadêmica quanto artística, que por diferentes perspectivas consubstanciam arte e deslocação, numa relação profícua. Assim, propomos como desafios à reflexão, algumas temáticas:
– A velocidade, viagem e mobilidades nas artes.
– O artista viajante e em deslocação, das peregrinações, às missões artísticas, ao ar livrismo, ou às recentes residências artísticas.
– As residências artísticas como jogo deslocação e possível fixação temporária, desenhando cenários e impactando a [re]criação artística.
– Deslocações por exílio, migrações e outros caminhos pós-coloniais
– Projectos artísticos assentes na ação e na mobilidade, implicando a deslocação.
– A deslocação de colecções e obras, em exposições ou saqueadas historicamente.
– Obras e coleções em deslocações: o artístico tornado evento.
– Percursos artísticos no mundo do eu, enquanto artística, curador, espectador, etc.
– A mobilidade cultural dos processos artísticos, sobretudo no espírito da arte moderna e contemporânea e sob o signo das vanguardas artísticas.
Mas, dentro do princípio Eppur si muove, a proposta abre-se ao acolhimento de outros possíveis desafios. Pode-se ensaiar sobre o contraponto aos impedimentos de mobilidade, aos processos, impositivos ou não, de imobilidade, como o recente caso global da pandemia do Covid 19. Porque: Eppur si muove
l Seminário Internacional luso-brasileiro património, cultura, identidade e museologia
Nov 28 2022
03 > 04 DEZEMBRO 2022 > 12H00 I VIA ZOOM
Realiza-se via ZOOM, nos dias 3 e 4 de dezembro, a partir da 12h00 o “I Seminário Internacional luso-brasileiro património, cultura, identidade e museologia”, organizado pelos alunos do Mestrado de Museologia e Museografia da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e os alunos do Programa de Pós-Graduação em Patrimônio, Cultura e Sociedade, da Universidade Federal Rural do Rio de Janeiro.
PRÉMIOS 2011-2021
Nov 22 2022
11 > 29 OUTUBRO 2022 I FACULDADE BELAS-ARTES
Inaugurou no dia 11 de outubro, às 17h00, na Faculdade de Belas-Artes, a exposição “PRÉMIOS 2011-2021″, com obras premiadas de alunos e ex-alunos entre 2011 e 2021.
Esta exposição insere-se na programação das comemorações do Dia das Belas-Artes que se celebra no dia 25 de outubro. Nesta data a Faculdade de Belas-Artes comemora 186 anos da sua fundação. Neste dia será apresentado e lançado o livro “PRÉMIOS 2011-2021″ no decorrer da finissage da exposição.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado para posterior publicação.
Livro “PRÉMIOS 2011-2021″ disponível online
PRÉMIOS 2011-2021
Este livro reúne um conjunto alargado de trabalhos de alunos e alumni da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa que, entre 2011 e 2021, foram nomeados ou premiados em alguma competição nacional ou internacional. Estamos convictos de que, ao termos conseguido reunir, através de uma chamada pública, 320 obras de 220 alunos formados nos nossos sete Departamentos — Arte Multimédia, Ciências da Arte e do Património, Desenho, Design de Comunicação, Design de Equipamento, Escultura e Pintura —, tornámos este evento num inolvidável registo do valor humano e da qualidade pedagógica e científica das Belas-Artes.
Os trabalhos aqui apresentados espelham a diversidade e o cruzamento disciplinar entre a arte, o design e as ciências do património. As Belas-Artes são um espaço privilegiado para o saber e a cultura, respondendo de forma atenta e positiva aos desafios que a globalização do conhecimento traz à universidade.
Todos estes trabalhos revelam a capacitação académica e profissional dos alunos. As Belas-Artes são um lugar de aprendizagem e de experimentação que valoriza a transversalidade entre as práticas do design e da arte com os domínios da teoria e das teorias aplicadas, possibilitando aos alunos um percurso académico assente no diálogo entre a história das práticas artísticas e do design e os processos contemporâneos da criação. Trata-se de um lugar do conhecimento em que professores e investigadores, portadores de clara liberdade e de excelência pedagógica e científica, estabelecem pontes sólidas entre a transmissão do conhecimento académico e o modo como a arte e o design se relacionam hoje com o mundo profissional.
Reconhecemos também a importância destes prémios para as Belas-Artes, principalmente pelos laços que se preservam entre alunos, alumni e a instituição. Dada a quantidade de prémios registados numa só década, perspetivamos que a edição destes livros passará a ter uma periodicidade mais regular. Este livro e a sua publicação on-line constituem-se como um fundo inestimável do reconhecimento da instituição por aqueles (alunos, professores e funcionários) que permanentemente a constroem e a projetam no futuro.
Fernando António Baptista Pereira
Cristina Azevedo Tavares
Sérgio Vicente
Projeto [Portugal entre Patrimónios] – Inauguração da exposição MOSAICO | Galeria [PeP] / MNAC, com participação de 4 alunas da FBAUL
Nov 21 2022
23 DE NOVEMBRO > 14h 30 – 16h30 | MNAC – MUSEU NACIONAL DE ARTA COMTEMPORÂNEA (ENTRADA PELA RUA SERPA PINTO, PISO 3
Na próxima quarta-feira, dia 23 de novembro realiza-se no Museu Nacional de Arte Contemporânea o 8# Encontro do projeto nacional [Portugal entre Patrimónios] com o tema “Ser Português”.
Será ainda inaugurada exposição MOSAICO.
A Faculdade de Belas-Artes, como parceira deste projeto, contribuiu para o MOSAICO, com obas de 4 alunas do curso de Desenho.
PROGRAMA
8# ENCONTRO DO PROJETO NACIONAL [Portugal entre Patrimónios] – 4º aniversário
14h30 – Tema “Ser Português”, intervenção de José Manuel dos Santos
16h00 – Apresentação do projeto Bases/Galerias Verticais, por Catarina Portugal/NOVA
16h15 – Apresentação da Plataforma Cafuka, por Ismael Sequeira
16h30 – Na Galeria PeP/MNAC – abertura da exposição MOSAICO.
MOSAICO | Os desenhos reunidos na Galeria [PeP]/MNAC, numa associação livre, apresentam relações inesperadas revelando os traços do acaso nesta dinâmica criativa. A partir de todos os contributos parcelares deste “mosaico de papel” descobre-se simbolicamente a síntese de toda uma construção participativa, na qual, intencionalmente, cada um dos intervenientes desconhece o trabalho desenvolvido paralelamente pelos outros.
Na adesão a esta experiência e no cruzamento de expressões transparece a procura e a vontade de, através de uma multiplicidade de conteúdos, técnicas, leituras e referências, o grupo conseguir agir como um todo.
Para obter mais informações ou fazer confirmação da presença, por favor contactar o MNAC: email lsaldanha@mnac.dgpc.pt ou tm 919901845.
lançamento do nº 5 da riact e ciclo internacional de conferências sobre Investigação artística
Nov 20 2022
30 NOVEMBRO > 13H20 I VIA ZOOM
Comunica-se o lançamento da RIACT nº5, no dia 30 de novembro, edição dedicada à Investigação Artística em domínios partilhados pela Pintura e pela Dança, cujo título é: Investigação artística da ‘projecção espacial’ e da ‘plasticidade corporal’ nos campos da dança e da pintura. Esta edição também inclui uma entrevista ao Pintor e Professor Catedrático António Quadros Ferreira.
Na mesma tarde realiza-se um Ciclo Internacional de Conferências designado: Artistic Research on ‘spatial projection’ and ‘body plasticity’ in dance and painting, com a participação de diversos especialistas entre os quais Naomi Lefebvre Sell (Trinity Laban Conservatoire, Londres) e Fernando Duarte (Director artístico de Dança em Diálogos), além de outros, como pode ser observado no Cartaz-PROGRAMA.
As conferências realizam-se através da plataforma ZOOM.
Um Projetista na Academia – Vinte e cinco anos de Design Gráfico Para a Universidade de Lisboa: 25 Obras – Jorge dos Reis
Nov 19 2022
15 NOVEMBRO 2022| 18h00 |ÁTRIO DA REITORIA DA UNIVERSIDADE DE LISBOA
No âmbito das comemorações dos 10 Anos da ULisboa, decorre a exposição “Um Projetista na Academia – Vinte e cinco anos de Design Gráfico Para a Universidade de Lisboa: 25 Obras” de Jorge dos Reis, que terá inauguração no dia 15 de novembro 2022, na Reitoria da Universidade de Lisboa.
A exposição estará patente de 15 de Novembro de 2022 a 15 de Dezembro de 2022.
O corpo de trabalho apresentado pelo Designer Gráfico e Professor da Faculdade de Belas Artes da ULisboa nesta exposição é revelador do diálogo e compromisso entre os diversos interlocutores da Universidade de Lisboa. Alavancando um conjunto de artefactos que geram, ao longo dos anos, novos paradigmas no contexto desta Instituição de Ensino Superior.
“O design gráfico é uma disciplina de mudança da sociedade que tem como objetivo principal desenhar a vida, uma reflexão essencialmente funcionalista, vertida em estratégias comunicacionais. Numa perspetiva francamente otimista, o design gráfico constitui-se enquanto disciplina erudita e em evolução, que tem o dever ético de descobrir e redefinir meios para melhorar o quotidiano.
Cada novo projeto, com a sua complexidade funcional, gera uma pergunta de partida, que remete para respostas necessárias e pragmáticas ao problema. Neste caso, numa matriz situada na tradição do modernismo europeu, rejeitando a cartilha pós-modernista; convocando um cristalino rigor geométrico das formas simples, despojadas e plasticamente novas e evidenciando paradoxalmente a natureza insólita da forma e da composição.
No desenvolvimento destes vinte e cinco projetos de design gráfico verifica-se a preponderância permanente e indispensável do desenho enquanto instrumento de trabalho, no sentido de antecipar e prefigurar as formas. O esquisso sistemático e o posterior desenho infográfico permitem uma aproximação gradual ao artefacto gráfico ambicionado, numa procura incessante, afastando-se desejavelmente do previsível. Os desenhos tiram medidas e fixam relações hierárquicas, suscitando tensões que se tornam depois transparentes. A narrativa final congrega o todo e as partes, revelando o carácter lúdico e pedagógico da disciplina de design gráfico.
Desenhar permite estabelecer uma ligação táctil com o papel, esse material fascinante, exercitar a imaginação, a memória, numa relação de prazer através da coreografia natural do corpo e do olhar atento ao enredo, assente num saber antigo, onde se constrói uma conexão essencial entre o pensamento e o gesto da mão que segura a caneta, vertendo em todas as guinadas e rasuras a multiplicidade da repetição.”
Jorge dos Reis
Jorge dos Reis – Síntese Biográfica
Jorge dos Reis, Unhais da Serra, 1971, Designer Gráfico. Vive e trabalha em Lisboa. Foi aprendiz compositor tipógrafo com um primeiro-oficial de tipografia da Imprensa Nacional numa antiga oficina tipográfica do Cais do Sodré. Iniciou o seu percurso projetual colaborando com o designer Robin Fior, em Lisboa, e com tipógrafo Alan Kitching, em Londres. Estabeleceu-se em atelier próprio em 1996. A sua obra é extensa e diversa, tendo uma atividade dual enquanto projetista e artista: faz design gráfico, tipográfico; expõe desenho, pintura.
Frequentou o Conservatório Nacional na classe de canto de António Wagner, estudando com os compositores Jorge Peixinho e Paulo Brandão enquanto se licenciava em Design de Comunicação na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Jorge dos Reis é Master of Arts pelo Royal College of Art em Londres, Mestre em Sociologia da Comunicação pelo ISCTE, Doutorado pela Universidade de Lisboa. Atualmente é Professor Auxiliar na FBAUL, onde fundou e dirige o Mestrado em Práticas Tipográficas e Editoriais Contemporâneas. Preside às Comissões de Avaliação Externa da Agência de Avaliação e Acreditação do Ensino Superior (A3ES) e é membro dos painéis de avaliação para o financiamento de projetos da Direcção-Geral das Artes (DGArtes). Foi professor visitante em diversas instituições de ensino superior na Europa e no Brasil. Em Portugal lecionou em várias instituições, colaborando atualmente com o ISEC Lisboa – Instituto Superior de Educação e Ciências.
Realizou projetos de design gráfico para diversas instituições em Portugal e no estrangeiro. Dentro de um conjunto alargado de monografias impressas destacam-se cinco: a edição Fragas Falantes, 20 anos 20 Tipos de Letra (UBI, Covilhã, 2016); Terra Plana – Humanismo e Formalismo, Vinte Anos de Prática Projetual em Design Gráfico 1996-2016 (Casa da Cerca, Almada, 2017); o livro Tipografia, Identidade, Teatralidade, A prática permanente do desenho enquanto instrumento de trabalho no projeto de design gráfico e tipográfico para o Teatro Municipal Joaquim Benite, Companhia de Teatro de Almada 2017–2018 (Instituto Politécnico de Tomar, 2018); Labor e Método, Oitenta e Oito Cartazes (Editora Caleidoscópio, Museu Nacional da Imprensa); e uma mais recente edição, Respirar d’baixo d’água, Peixe de Setúbal, Mercado do Livramento (Câmara Municipal de Setúbal). No seu todo, quase uma trintena de livros, debruçados sobre a prática do design gráfico, da tipografia, do book design, do desenho e também da pintura, revelam um labor constante, obstinado e rigoroso.
riact nº 5 — investigação artística da ‘projecção espacial’ e da ‘plasticidade corporal’ nos campos da dança e da pintura — chamada de trabalhos
Nov 15 2022
“Estes corpos evidenciavam uma presença, uma ocupação espacial maior que a do seu corpo material, uma existência muito para além da sua realidade física. Aquilo que foi possível observar e sentir encontra-se claramente identificado no âmbito coreológico como projecção espacial. Preston-Dunlop define spatial projection ‘as a line or a curve, which continues beyond the body into the kinesphere or into the shared space.’ Mais do que o comummente referido stage space, estes corpos criavam entre si uma relação espacial, uma tensão espacial que os unia e tornava o seu corpo ainda maior.”
Fernando Crespo, “A ação de pausar”, in O Chiado da Dramaturgia e da Performance, p. 211
“C’est ainsi que, dans Philosophie du geste, j’ai émis l’hypothèse que toute création artistique, quele que soit son espèce, débutait dans un danser, devait le souffle de son inspiration et la cohérence ultérieure de son exécution à une plasticité corporelle première, à une proposition initiale de movement.”
Michel Guérin, L’espace plastique, p.74
“Wigman’s work also can be viewed as an assimilation of the major artistic innovations of her time (…). Her early years of training were spent with two great twentieth-century systematizers of movement: Emilie Jaques-Dalcroze (…) and Rudolf von Laban at the utopian community of Monte Verità in Ascona, Switzerland. She was a muse for the Expressionist painters Emil Nolde, Ernst Kirchner, Oskar Schlemmer and others.”
Mary Anne Santos Newhall, Mary Wigman, 2018
Um corpo que se agita no chão ou se ergue no ar, se desloca ou imobiliza no espaço, é a projecção espacial de uma massa-mancha expressiva, podendo pertencer simultaneamente aos domínios da dança e da pintura. Pouco importa se esse corpo se articula para mimetizar acções e exprimir emoções reconhecíveis, ou, por outro lado, se aspira a exteriorizar um fluxo não articulado de gestos, ritmos e formas por descodificar.
A quinta edição da revista RIACT vai ocupar-se das potencialidades da “projecção espacial” de um corpo que performatiza, tal como referido por Fernando Crespo, e da “plasticidade corporal” primeva, tal como aludida por Michel Guérin, num desejado paralelismo com manchas picturais que têm a propriedade plástica de se espacializar para além dos seus próprios limites, plenas de forças centrífugas e centrípetas, numa partilhada “proposição inicial de movimento”. Sendo assim, atendendo à pluralidade das práticas e dos discursos no âmbito da investigação em dança e em pintura, a Chamada de Trabalhos para a RIACT Nº5 vem propor as seguintes temáticas:
I- Investigação enraizada na prática pictural e coreográfica, de forma intermedial ou separada, das noções de espacialização; espaço plástico; espaço coreográfico; espaço pictural imersivo; espaço coreográfico imersivo; intercorporalidade; intermaterialidade; projecção espacial; plasticidade corporal; e outras noções afins.
II- Investigação sobre novas formas de intermedialidade entre dança e pintura, incluindo as possibilidades imersivas e digitais.
III- Diferenças e afinidades entre criação e investigação nos domínios da dança e da pintura, tratados em conjunto ou separadamente. Para tal, sugere-se a identificação de fontes especializadas da investigação em artes ou da investigação artística, nomeadamente Henk Slager, Michael Schwab, Henk Borgdorff, Danny Butt, James Elkins, Mika Hannula, Christopher Frayling, entre outros.
• Data de submissão da proposta inicial, 1ªfase de Revisão por Pares: 5 de setembro de 2022, com os resultados publicados a 20 de setembro de 2022.
• Data de submissão da proposta definitiva, reflectindo os dois pareceres entretanto recebidos: 20 de outubro de 2022.
• Resultados da 2ª fase da Revisão por Pares: 05 de novembro de 2022.
• Apresentação pública, na FBAUL, da edição Nº5 da RIACT: 23 de Novembro.
Para obtenção de informações sobre a extensão da proposta e outras características editoriais, consultar o “Meta-artigo” (Características gerais da Proposta de Investigação a submeter) em http://riact.belasartes.ulisboa.pt/
Poderá também enviar correio electrónico para este endereço: riact.artisticresearch2030@gmail.com
Projetos e Processos da Pintura – Ciclo de Conferências
Nov 10 2022
José Lourenço, 2020, s/ título, acrílico sobre tela, 80×100 cm
1ª CONFERÊNCIA – 25 NOVEMBRO 2022 > 10H00 I SALA 3.41
Entrada livre condicionada à capacidade da sala
Projetos e Processos da Pintura
Este Ciclo de Conferências pretende ser um espaço onde se privilegia o conhecimento na área da experimentação, investigação e o contacto com problemáticas associadas ao projeto, de forma a construir uma base de conhecimentos, sobre várias técnicas e materiais, no âmbito do exercício projetual da Pintura.
Promover a aproximação às práticas artísticas profissionais através de convidados na área de intervenção da Pintura.
Proporcionar, aos estudantes de vários anos de formação, o aprofundamento de metodologias e processos operativos da pintura nas diversas tecnologias associadas ao processo pictórico.
1ª Conferência
Métodos operativos e técnicos da pintura como meios tradutores do universo pictórico
O artista José Lourenço nasceu em Lisboa no ano de 1975.
É Licenciado em Pintura pela Faculdade de Belas-Artes de Lisboa.
Exibe o seu trabalho desde 1995 e está representado em várias coleções nacionais e internacionais, nomeadamente na Fundação PMLJ, Museu de Arte Comtemporânea Union Fenosa – MACUF, Fundação Pedro Barrié de la Maza, Coleção Norte de Arte Contemporânea – Governo de Cantábria, Barclays Bank, entre outras. Site: www.joselourenco.art ; Instagram: @joselourenco
Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor
Nov 10 2022
21 NOVEMBRO 2022 > 15h30 |GRANDE AUDITÓRIO, FACULDADE DE BELAS-ARTES
Com o encontro “Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor” aborda-se o percurso do artista e a necessidade de preservar e divulgar o seu legado.
Conta com a presença de Fernando António Batista Pereira, Laura Afonso, Mila Simões de Abreu, Jorge Rodrigues, Luís Jorge Gonçalves, Cláudia Matos Pereira, Dalton Sala, entre outros.
Será apresentado o livro “A Panificadora de Vila Real de Nadir Afonso: crónica de uma demolição” e será exibido o filme “1965, PANREAL UM EDIFÍCIO DE NADIR AFONSO”.
Nadir Afonso: Arquiteto e Pintor
Nadir Afonso (1920-2013), o Arquiteto e o Pintor, continua presente no nosso quotidiano, através das suas obras: Estação de Metro dos Restauradores, em Cascais, na Panificadora de Chaves, entre outros locais.
O arquiteto trabalhou nos ateliês de Le Corbusier e de Oscar Niemeyer, que foram absorvidos pelo seu olhar. Foram marcantes para o jovem que saiu de Chaves. Passou pelo Porto, Paris, Rio de Janeiro e São Paulo. Voltou a Paris e fixou-se em Cascais. As cidades foram o seu mundo. Na arquitetura deixou a tridimensionalidade nas cidades. Na pintura ficaram os registos de cidades em movimento.
Na cidade de Vila Real legou-nos a Panificadora Panreal, uma fábrica de pão, que transformou em uma Catedral do nosso principal alimento. Infelizmente destruída recentemente, com a passividade das autoridades públicas. Vila Real e Portugal ficaram mais pobres. Naquele edifício estava Le Corbusier e, sobretudo, Oscar Niemeyer, os deuses da arquitetura do século XX, depurados por Nadir Afonso. Era um marco, na nossa arquitetura, que devíamos honrar.
Entrada livre sujeita à lotação da sala.
O evento é passível de ser fotografada e/ ou filmado para posterior publicação das imagens.
International Conference “Photography in-between Science, Art and Philosophy”
Nov 10 2022
NOVEMBER 26 2022 > 09.30 AM I AUDITORIUM LAGOA HENRIQUES
Photography has been the object of several theories, working with concepts as diverse as apparatus in the political/cultural approach by Vilém Flusser, as punctum and studium proposed by Roland Barthes, as psychoanalytic symptom advanced by Didi-Huberman, as aura (fetish) by Walter Benjamin, or as world-image by Susan Sontag.
However, all theories point to the same evidence: the complex reality, the several dimensions, of photography. Photography has the capacity to capture and perceive the world, that is, it can, at the same time, absorb the world and understand it. Simultaneously, it encloses a fundamental play between its (apparent) passivity and its transformative effects, between its (questionable) impartiality and its critical power. Photography has yet another dimension, that of being a transcendental exercise: when thinking about the world, photography thinks of itself as an image.
This colloquium aims at thinking photography from the perspectives of Science, of Art and of Philosophy. To analyse theories, techniques, and practices. To approach scientific photography, artistic photography, and new technologies. In a world full of images and multiple techniques for capturing and producing images, it is imperative, more than ever, to think photography.
Orador convidado
Rob Kesseler (Central Saint Martins)
Rob Kesseler is a visual artist and Emeritus Professor of Arts, Design & Science at Central Saint Martins, London. For the past twenty years he has worked with botanical scientists and molecular biologists to explore the living world at a microscopic level. Using a range of complex microscopy processes he creates multi-frame composite images of plant organs. Collaborators include The Jodrell Laboratory Kew, The John Innes Centre, Norwich, MRC Cambridge and the Max Planck Institute for Plant Breeding Research, Cologne. He works from studios in London and Corfu and exhibits and lectures internationally.
Informações
A participação no colóquio é gratuita mas carece de INSCRIÇÃO.
Entrada livre mediante inscrição e condicionada à capacidade do auditório.
lançamento e apresentação do livro “textos de fernando pessoa sobre arte”
Nov 10 2022
25 NOVEMBRO 2022 > 18H00 I AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES
Realiza-se no dia 25 de novembro, pelas 18h00, no auditório Lagoa Henriques, o lançamento e apresentação do livro TEXTOS DE FERNANDO PESSOA SOBRE ARTE de Victor Correia e António Canau, com chancela da Editora Colibri e apresentação da Professora Doutora Cristina Azevedo Tavares, Vice-Presidente da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
A edição conta com o apoio da Fundação Engenheiro António de Almeida.
O evento é passível de ser fotografada e/ ou filmado para posterior publicação das imagens.
Entrada livre condicionada à capacidade da sala
MadreMedia / Lusa (24/11/2022)
Fernando Pessoa é conhecido geralmente como poeta e escritor, mas foi também um grande ensaísta, e nos seus textos de ensaio existem muitos textos sobre arte, que são pouco conhecidos do grande público e mesmo do público académico. Este livro consiste numa antologia dos textos que Fernando Pessoa escreveu especificamente sobre arte, por vezes associados também a algumas reflexões sobre literatura. Trata-se de uma antologia inédita, dado que é a primeira vez que é publicada uma antologia de textos de Fernando Pessoa focada no tema da arte. Organizámos esses textos através de diversos capítulos: a divisão e a classificação das artes, a definição e a caracterização da arte, a finalidade e o valor da arte, a psicologia da arte, a sociologia da arte, a crítica de arte, o artista, a genialidade, a celebridade, a arte e a moral, as escolas e correntes artísticas.
Este livro contém também algumas das muitas obras do artista plástico António Canau, por um lado como exemplificação de obras de arte, e por outro devido ao facto de haver neste artista relações com a obra de Fernando Pessoa, nomeadamente as figuras de animais antropomórficos, ou de seres humanos animais, que se relacionam com a tese de Fernando Pessoa sobre a organicidade da obra de arte, comparando-a a um animal. Há também em António Canau uma forte ligação aos mitos, ao oculto e à Grécia antiga, como em Fernando Pessoa. Com as obras de arte de António Canau somos conduzidos a uma espécie de cosmogonia, a uma evocação de um passado ancestral mágico, a uma espécie de regresso às origens do Homem, telúricas e culturais.
Outra característica a salientar em António Canau, relacionando-a com Fernando Pessoa, é a ligação da metamorfose, que é central na obra de António Canau, com a heteronímia, que é central na obra de Fernando Pessoa. A palavra “metamorfose”, em sentido figurado significa: alteração da personalidade, da identidade e do modo de pensar. Ora, a metamorfose, na obra artística de António Canau, é uma forma de despersonalização, e por outro lado a despersonalização, nos heterónimos de Fernando Pessoa, é uma forma de metamorfose.
VICTOR CORREIA frequentou a Pontifícia Universidade de São Tomás de Aquino, em Roma (formação em Filosofia). Frequentou também o curso de piano, durante alguns anos, na Escola de Música de São Teotónio, em Coimbra. Concluiu a licenciatura em Filosofia, na Faculdade de Letras da Universidade de Coimbra, é pós-graduado em Formação Educacional, na mesma Faculdade, e tem o Mestrado em Estética e Filosofia da Arte, na Faculdade de Letras da Universidade de Lisboa (formações obtidas antes do Processo de Bolonha). É doutorado em Filosofia Política e Jurídica, na Universidade da Sorbonne, em Paris, onde foi orientado pelo filósofo francês Yves Charles Zarka. É pós-doutorado em Ética e Filosofia Política, na Faculdade de Ciências Sociais e Humanas da Universidade Nova de Lisboa. Tem exercido funções de docência na sua área de formação, e tem organizado e apresentado comunicações em várias conferências. É membro de algumas associações científicas e culturais. Tem publicado diversos artigos em jornais, e em revistas nacionais e internacionais. Tem também mais de vinte livros publicados, em várias editoras, sobre diversos temas.
ANTÓNIO CANAU fez o curso de Artes Gráficas na Escola Artística António Arroio, em Lisboa. Licenciou-se em Escultura na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Fez o Mestrado em Belas Artes – Master of Arts in Fine Art, Printmaking (gravura), na Slade School of Fine Art da University College, em Londres. Fez o doutoramento e o pós-doutoramento na Faculdade de Arquitetura da Universidade de Lisboa, onde é professor, assim como também é professor na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa. Faz parte de centros de investigação, tem sido conferencista e curador. Foi membro do Conselho Técnico da Sociedade Nacional de Belas Artes entre 2015 e 2017. Participou em muitas exposições individuais e coletivas, nacionais e internacionais. Recebeu diversos prémios nacionais e internacionais. A sua obra está representada em diversas coleções públicas e privadas, em coleções nacionais como por exemplo na Fundação Calouste Gulbenkian, em Lisboa, e em coleções internacionais como por exemplo no British Museum, em Londres. Desenvolve atividade artística em escultura, medalha-objeto, desenho, gravura, fotografia, e livros de artista. É Membro do Grupo Anverso/Reverso de Medalha Contemporânea.