모름 Morum – Exposição de artistas coreanas em Portugal

02 > 06 JUNHO 2025 I CISTERNA BELAS ARTES

Inaugura no dia 2 de junho, às 17h00, na Cisterna das Belas-Artes, a exposição 모름 Morum, de artistas coreanos em Portugal. 

Artistas: Cho Sejin, Choi Kyeong Hwa, Chung Sun Kyung, Hyun Sujin, Jiôn Kiim, Kim Hana, Bae Gongju e Summer Cho

Organização: Lu.Co – Grupo de Artistas Coreanos em Portugal

Curadoria: João Pedro Amorim

Um grupo de artistas coreanas a viver em Portugal propôs-se a reunir os seus trabalhos numa exposição. A partir dessa condição diaspórica comum – uma mesma origem, e um destino partilhado –, a exposição 모름 / Morum surge como oportunidade para experimentar jogos de aproximação e distanciamento, de procurar ecos e desvios. O que persiste da sua origem? E de que forma o lugar em que vivem afeta a sua expressão artística? Reunindo metodologias, plasticidades e preocupações distintas, esta exposição revela trabalhos que nuns casos operam uma renovação da tradição artesanal coreana e, noutros, exploram plasticidades contemporâneas. Em comum, estas obras promovem o questionamento de noções fixas de identidade e a afirmação do deslocamento geográfico e cultural enquanto movimento produtor de sentido. Mais do que respostas definitivas, esta exposição propõe um diálogo visual no qual a identidade se afirma como um constante devir, como movimento fluído e híbrido.

Apesar de vivermos em sociedades cada vez mais globalizadas – e por isso, homogeneizadas –, é possível ainda encontrar algumas especificidades culturais que funcionam como pontos de resistência. A linha orientadora do diálogo nesta exposição é o conceito de Morum (모름). Ao contrário das línguas europeias contemporâneas, em que termos como “ignorância” (do latim ignorantia) ou “unknowing” têm origem numa negação – in- e gnarus; un- e knowing – o coreano tem termos positivos e autocontidos como morum (모름) e as conjugações do verbo moreuda (모르다) (“não saber”) . Estas palavras afirmam o não-saber como um estado dinâmico de abertura para o desconhecido e para novas possibilidades que germinam no lugar daquilo que não se sabe. O não-saber foi inscrito pelo mito do racionalismo europeu como uma mera contingência provisória – o que não se sabe, não se sabe ainda. Essa revolução filosófica, científica e cultural combate a treva do não-saber. As luzes do esclarecimento irão, mais cedo ou mais tarde, iluminar a escuridão. Se o Iluminismo foi a origem de um pensamento universalizante sobre o mundo em que tudo deveria ser conhecido, na língua coreana resiste a dignidade do não-saber como estado natural, digno e até potencialmente elevado. 

O Lu.Co – Grupo de Artistas Coreanos em Portugal – tem como missão criar uma plataforma de apoio, intercâmbio e diálogo entre artistas coreanos residentes em Portugal, promovendo novas perspetivas sobre a cultura coreana, com especial enfoque na arte contemporânea e nas práticas artesanais. Esta primeira exposição reúne obras de Cho Sejin, Choi Kyeong Hwa, Chung Sun Kyung, Hyun Sujin, Jiôn Kiim, Kim Hana, Bae Gongju e Summer Cho. Esta iniciativa conta com o apoio da Embaixada da República da Coreia em Portugal, da Agência de Coreanos no Estrangeiro e da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.

Reportagem nos canais nacionais da Coreia

“gentrificación”, una exposión con obras de estudiantes de arte de salamanca, lisboa y oslo

08 MAIO > 08 JUNHO 2025 I DA2 DOMUS ARTIUM 2002, SALAMANCA

Gentrificación

El depredador en el laboratorio de Arte

Esta exposición muestra los resultados de la investigación artística promovida por el proyecto Erasmus BIP, “Estrategias de proyección internacional en estudiantes de arte”, en el que participan la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Lisboa y la Academia Nacional de Bellas Artes de Oslo. El proyecto busca insertar al alumnado del campo de las artes en el desarrollo y la difusión profesional de su propia obra artística, ampliando así su formación. Y lo hace desde un contexto que potencia las relaciones internacionales.

Como tema generador se aborda el concepto de gentrificación. El término es utilizado por primera vez por Ruth Glass en 1964 para referirse el cambio residencial de la población de clase media a las antiguas áreas de clase baja de Londres (Gonçalves, 2009). Su surgimiento se remonta a la reconstrucción urbana que necesitaron las ciudades de posguerra del mundo capitalista avanzado e incluso podemos encontrar precursores modernos como Charles Baudelaire en su famoso poema, “Los ojos de los pobres”, que envuelve una narrativa proto-gentrificación dentro de un poema de amor y distanciamiento (Smith, 2015). La historia de la gentrificación es breve y esta cargada de contradicciones, desde finales de la década de 1950 y comienzos de la de 1960, de Sydney a Hamburgo, de Toronto a Tokio, activistas, inquilinos y personas corrientes ya sabían exactamente qué era la gentrificación y cómo afectaba a su vida cotidiana; sin embargo, medios de comunicación como el New York Times a mediados de los años 80 estaban ocupados por solicitudes a favor de la gentrificación. Muchos se vieron atraídos por el aparente optimismo de la gentrificación en el sentido de modernización, renovación y limpieza. El lenguaje de la gentrificación resultaba (quizás, resulta) irresistible para determinados sectores de la población. Para los críticos pronto se descubrió como parte fundamental del proceso que conlleva el fenómeno de desarrollo desigual que promueve la globalización financiera. La gentrificación se ha construido como un concepto polémico en el ámbito de los estudios urbanos, pero a pesar de sus consecuencias negativas para la población desplazada, es difícil negar que la gentrificación, también genera recursos y crea demandas por nuevos servicios en una ciudad consolidada. Podemos encontrar casos en los que las ventajas económicas de la gentrificación se han utilizado en beneficio del resto de la ciudad, pero lo cierto es que, a día de hoy, la mayoría de las veces, se detecta la gentrificación como una forma de segregación y exclusión social que destruye la identidad, la diversidad y la memoria de los barrios, viola el derecho a la vivienda y a la ciudad y genera conflictos.

Úrsula Martín Asensio

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 Tribuna Salamanca

La Crónica de Salamanca

how’s the surf?

MAY 28 > JUNE 03, 2025 I AUDITORIUM ATRIUM

Exhibition opening is on 28 th of May, 18:00 o’clock. The artist will be present. Markéta Zdeňková (Czech Republic) will give a short concert.

The exhibition how’s the surf in the auditorium atrium of Faculdade de Belas-Artes of Universidade de Lisboa starts within the artist’s body. Angelika Wienerroither paints how she feels while surfing the waves of Costa da Caparica, the waves of the Atlantic Ocean. Like the memories of her body — which are revisited, changing and layered like sediments —sheets of transparent paper are placed on top of each other, showing lines of ink. The blue ink is also used to colour sheets of raw paper, torn at the edges. The ink was diluted, the sheets painted over and over again.

The artists practice relates to autotheory, a term coined by Lauren Fournier in 2022. Autotheory means theorising through her own body, through her existence in this world in relation to existing theory. Her experience, her thoughts, her feelings are relevant – and where she is situated. As what she thinks depends on her position, her art changes when she is close to the sea. Angelika Wienerroither has chosen to paint on the pier, hearing the waves, breathing the salty air. She has to check the weather forecast — as she does for the surf — but she still gets caught in the rain, the wind blowing the paper over, the tide pushing in and flooding the pier. Her work is made by nature, not separated by it.

Angelika Wienerroither uses a gesture of calligraphy to paint her works. Her brushes are mounted on wooden sticks, the paper lies on the floor. She paints standing, developing a language for the feeling on the top of the wave, in perfect balance.

Angelika Wienerroither is a visual artist and writer from Austria. Her art and research oscillate around fluidity: she is drawn in by the not-yet-become, the metamorphosing, the not fixed. Her exhibitions and lectures create an open space for thinking; she gives impulses but doesn’t have the answers. Central in her practice is autotheory and the I: the knowledge of her body, her experience, her thinking and her memories are relevant. She theorises through her being in this world. 

Currently, she is researching for her PhD at Kunstuniversität Linz what happens when she regards the world from a ship. She has studied painting and photography at Mozarteum University Salzburg, sociology at Karl-Franzens-University Graz, International Business at FH Joanneum Graz. She has exhibited internationally in galleries, museums and in abandoned buildings, e.g. the Austrian Cultural Forum Zagreb, the Museum of Modern Art Salzburg, Leopold Museum Vienna and an old worker’s house of a mill. Her exhibitions are walk-in utopias, a lived daydream; everything could still change.

equação pessoal – exposição de maria máximo

08 MAIO > O1 JUNHO 2025 I MUSEU NACIONAL HISTÓRIA NATURAL E CIÊNCIA

Inaugura no dia 8 de maio, às 18h00, no Laboratório de Química Analítica do Museu Nacional de História Natural e ciência e exposição Equação Pessoal de Maria Máximo, com curadoria de Sofia Marçal. 

Ao trazer a Ciência para o centro da narrativa artística, esta exposição procura desafiar as fronteiras convencionais, convidando o espectador a observar de perto a experimentação e interligação entre o corpo e a matéria.

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echoes in motion: traces through performance – exposição de vítor cavalheiro

06 > 27 MAIO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 6 de maio, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Echoes in Motion: Traces through Performance de Vítor Cavalheiro, com curadoria de Sofia Tudela.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Echoes in Motion parte de uma investigação visual sobre o gesto, o rasto e a memória da performance.

Nesta série, intitulada de Oscillation, o artista explora a técnica lenticular — um processo quase esquecido que sobrepõe várias imagens numa só superfície, manipulando a perceção através de pequenas lentes que reagem ao movimento do olhar. A lenticularidade, com as micro-lentes que fragmentam e recompõem a luz, é aqui usada não apenas como ferramenta estética, mas como conceito: multiplicar a imagem, suspender o tempo, fragmentar o instante e torná-lo matéria — objeto.

As fotografias, captadas de forma intencionalmente espontânea e quase anti-técnica, resultam em manchas, sobreposições e abstrações visuais que desafiam a leitura imediata. Esta “imperfeição” formal aproxima-se da verdade crua da experiência ao vivo, onde o caos e o corpo falam mais alto que a nitidez. Mais do que documentar, estas imagens procuram diluir o figurativo até quase o perder, para reencontrar, nas manchas de luz, a memória sensorial do som, da vibração e da multidão.

A série explora as possibilidades de traduzir a energia efémera do palco num objeto visual, único e dinâmico — uma imagem que não se fixa, mas que, tal como o som, oscila e se transforma dependendo do movimento do corpo do espectador. Ao movimentar-se diante das imagens, o espectador ativa a transformação: as cenas ganham profundidade, vibram. Esta metamorfose não é apenas técnica — é emocional. A performance é convocada de novo, como um eco em loop, tornando-se tangível mesmo fora do palco, criando desta forma um paralelismo entre o espectador que observa a obra como o que observa a performance.

Através deste projeto nasce o cruzamento entre processos analógicos e digitais, movido por um fascínio por tecnologias visuais quase obsoletas, que acompanham a sua memória afetiva — O artista resgata a linguagem visual dos anos 90 — nostálgica como os Tazos das nossas infâncias — que reaparece aqui como eco visual e tátil e funde-a com uma paixão ‘antiga’: a música ao vivo. Esse lado nostálgico não é decorativo, mas operativo: fala de uma linguagem visual que já foi popular, física, lúdica — e que agora é recontextualizada para captar o tremor intenso e físico dos concertos, neste caso, da banda MAQUINA. Não se trata apenas de retratar a banda, mas de dar corpo ao movimento, prolongando-o através de uma técnica que, tal como a própria performance, vive da transformação e da presença.

Esta exposição pretende fazer ressoar a energia visceral dos concertos da banda como se cada obra fosse um encore visual. Estas imagens captam a intensidade crua de três concertos da banda, durante o ano de 2024. É a ligação pessoal e artística com a banda — e, sobretudo, a natureza frenética e hipnótica das suas atuações — que torna esta colaboração inevitável.

Echoes in Motion transforma a fotografia numa extensão performativa: cada peça não é apenas uma representação, mas um vestígio ativo, um artefacto em contínua mutação. Um eco em forma de mancha que insiste em continuar a oscilar. Cada imagem é um objeto. Em vez de documentar, estas fotografias encarnam. São presença que reverbera. Movimento que permanece.

Sofia Tudela

Cemitério Indígena: Movimentos ao Autoexílio Kaiowá e Guarani

08 > 27 MAIO 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 8 de maio, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes a exposição Cemitério Indígena: Movimentos ao Autoexílio Kaiowá e Guarani de Letícia Larín e obras em colaboração com Kunhã Ysapy, Elle Souza, Cajetano Vera e Nelson Ávila.

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Exposição com peças desenvolvidas junto a um aprofundamento nas cosmovisões originárias Kaiowá e Guarani, durante a investigação de doutoramento em escultura da artista. Esses povos vivem num território ancestral, atualmente dominado pelo agronegócio, no estado de Mato Grosso do Sul, Brasil. Na condição de estrangeiras em sua própria terra, essas culturas lutam com as próprias vidas para se “autoexilarem” com vistas a existirem segundo o seu próprio modo, o teko porã (Bem Viver).

O conjunto de trabalhos apresentado, por vezes buscou relacionar-se criticamente com elementos dessas culturas materiais, como o kurusu tumular, o pau de chiru e o tipo de altar yvyra marãngatu. Por outras, expressa a vivência de Letícia Larín em seu trabalho de campo, na Reserva Indígena de Dourados, havendo algumas obras produzidas junto a Kunhã Ysapy, Elle Souza, Cajetano Vera e Nelson Ávila.

Estão ainda experimentos em vidro com milho, o alimento mais sagrado a esses e essas indígenas, e com terra, o principal motivo das difíceis condições de vida impostas a esses corpos-territórios. Com isso, embora a atmosfera da mostra seja tingida por um tom árido, ela insiste em transparecer a leveza, o brilho e encanto que permeia essas visões de mundo, integradas espiritualmente à natureza.

buraco da minhoca – exposição coletiva

10 MAIO > 14 JUNHO 2025 I GALERIA DO SOL, PORTO

Inaugura no dia 10 de maio, às 16h00, na Galeria do Sol, no Porto, a exposição Buraco da Minhoca.

Buraco de Minhoca é uma proposta coletiva de João Marçal e Francisco Queirós para a Galeria do Sol, que reúne um conjunto de artistas da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa: Francisco Corrêa, Francisco Novais, João Fonseca, João Marçal, João Salvador, Henrique Porta-Nova, Mariana Rocha, Paulo Malafaya, Raquel Garcês, Rita Silva Carreira, Rita Bárrios Ferreira, Rosa Eck e Sara Chitas Gouveia. 

Buraco de Minhoca é o nome dado por John Wheeler à teoria que evoca a existência de uma série de ligações espácio-temporais entre regiões longínquas no universo. Poderíamos dizer que a presente exposição é o lugar onde alguns objetos se recalibram, numa contínua contração e expansão. A impermanência é a sua condição natural, o olho é um buraco de minhoca.