Arte
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corpo de pedra — exposição de diana carvalho
Out 28 2025
09 > 30 OUTUBRO 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 9 de outubro, às 17h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Corpo de pedra de Diana Carvalho.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário; 2ª a sábado – 11h/19h
Prestação permanente; labor; lavor; bolo vitória; corpo de pedra; o fiasco do fumo pelos intervalos do riso; corpo de imagem; a parte pelo todo; modelos de tautologia; chove neve líquida; suspiro saborosos sonhos; cavidades escavadas; remendar por remendar; remendos grátis; estava a fugir e caí *. Não são palavras-chave, são fragmentos e pequenas partes de um todo, é assim que esta exposição se apresenta. Caminhos que vão dar a parte nenhuma, resíduos e excedentes de uma atividade passada, vestígios, pontos de vista alternados, paisagens. E a procura por um corpo que não está presente, mas sabemos que existiu. Existiu? O que sabemos do corpo que ali tombou são apenas as marcas no chão, o único testemunho da sua presença física. Vemos a concavidade marcada pela testa, cotovelos e joelhos. Dizem que o diabo ali caiu, sobre uma fraga, em São Salvador do Mundo.
Em Corpo de pedra, propõe-se uma série de objetos-imagem que partem de observações de espaços do quotidiano, pessoal e coletivo, numa procura pelo que está ausente, o que está em falta naquilo que vemos. Várias versões do que não é visível, do que desapareceu e foi silenciado, são parte de narrativas presentes nas peças, que ensaiam relações entre diferentes pontos de vista, o seu carácter autoral, e as ligações entre imagem e meio.
*lista de possíveis títulos para a exposição.
exposição no âmbito da cerimónia de jubilação do professor joão pais
Out 28 2025
24 > 30 OUTUBRO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
No dia 24 de outubro, às 11h00, no Auditório Lagoa Henriques, realizou-se a Cerimónia de Jubilação do Professor João Pais, com a sua Última Lição.
No âmbito desta cerimónia foi inaugurada uma exposição na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, que ficará patente até 30 de outubro.
A Cerimónia de Jubilação encontra-se integrada no programa das celebrações do Dia das Belas-Artes, que neste dia comemora o 189.º aniversário da sua fundação.
espelhos na nuvem – imagem, som e magia em biarritzzz
Out 20 2025
eu não estou aqui [I am not here], 2025
Videoinstalação em três canais, 5′ cada [Three-channel video-installation, 5’ each]
Duração total [Total duration]: 15’
Coleção do MASP (Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand)
Em colaboração com antiribeiro
27 OUTUBRO 2025 > 18H30 I GRANDE AUDITÓRIO
Moderador: Dr. Fabián Cevallos Vivar (CIEBA/FBAUL).
Site: https://www.biarritzzz.com
Biografia:
biarritzzz (1994, Fortaleza, vive e trabalha em Salvador, Brasil) é artista transmídia antidisciplinar e investiga linguagens, códigos e mídias. Acredita na magia e na baixa resolução como contra narrativas importantes para viver a atual disputa cosmológica de realidades. Participou de exposições no MAM Rio, Museu do Amanhã, Kunsthall Trondheim, State Of Concept Athens, Delfina Foundation, plataforma Satélite (Pivô Arte e Pesquisa), A.I.R Gallery, Centro Cultural São Paulo, The Wrong Biennale, FILE, The Shed NY, entre outros. Integra os acervos do MASP, Rhizome Artbase (New Museum), KADIST Foundation, Museu Nacional da República e Instituto Moreira Salles. Foi indicada ao Prêmio Pipa em 2023 e novamente em 2024.
Algumas Práticas e Trabalhos:
EU NÃO SOU AFROFUTURISTA (2020)
Álbum sonoro‑visual web‑specific com 10–11 faixas, plugin interativo com GIFs autorais. Contestação irônica ao conceito de “afrofuturismo”, questionando a linearidade do tempo ocidental e propondo uma reconexão com o passado, ancestralidades e outras cosmologias.
Vídeo‑arte experimental (2014)
Primeiro videoclipe híbrido, explorando interfaces do Tumblr e narrativas visuais, abordando temas como especulação imobiliária (Projeto Novo Recife) e questões políticas brasileiras através de memes e posts capturados em movimento
Instalação na 14ª Bienal do Mercosul (2025)
Apresentou uma instalação sonora e visual comissionada — Atravessei O Deserto do Mundo Pra Poder Morar em Ti (21’29”), narrando a migração de instrumentos musicais de fricção da África para a Península Ibérica e suas conexões com a rabeca brasileira. Teve colaboração musical com Maciel Salú, mestre rabequeiro de Pernambuco.
revista convocarte nº 18/19: arte e ética| art and ethics | art et étique – chamada de trabalhos
Out 15 2025
DATA LIMITE ENVIO TEXTO FINAL ATÉ 31 OUTUBRO 2025
Arte e Ética
“(…): age de tal maneira que possas querer que tua máxima
se torne uma lei universal (qualquer que seja a finalidade desejada por ti).”
(Kant, Sobre a discordância entre moral e a política a propósito da paz perpétua, Apêndice I).
“As práticas artísticas são ‘modos de fazer’ que intervêm na distribuição geral
dos modos de fazer e na sua relação com os modos de ser e as formas de visibilidade.”
(Jacques Rancière, Estética e Política, p. 17)
“A arte é para si e não o é; sem o que lhe é heterogéneo perde a sua autonomia.”
(Adorno, Ästhetische Theorie, p. 17)
A relação entre a arte e a ética é, pode dizer-se, tão antiga quanto a própria arte – ou, pelo menos tanto quanto a sua consciência e discussão.
Desde a Grécia Antiga, onde uma arte repleta de actos de violência hediondos, heróis moralmente dúbios e palavras vis, mas igualmente fonte de prazer e deleite incomparáveis, foi considerada por Platão tão perigosa para as mentes e corações daqueles que se entregavam ao jogo da mimesis, que o filósofo infamemente exortou à “expulsão dos poetas” da sua cidade ideal (não sem antes Heráclito ter apelado a que fossem espancados com um pau). E isto porque Platão compreendeu a poderosa influência das artes que, sem proporcionarem conhecimento, ético ou outro qualquer, podiam e deviam ser criticadas moralmente, pois por meio dos seus poderes encantatórios, promoviam a imoralidade, explorando “as fraquezas da nossa natureza”, enganando-nos, e destruindo o elemento racional da nossa alma.
Assim nascia a crítica ética da arte — como censura.
E assim se levantaram questões: como pode a arte ser simultaneamente prazerosa e benéfica, e que benefício poderá ser esse? Existe uma relação entre os valores estéticos e éticos, e se sim, qual? Será legítimo criticar as obras com base nas suas implicações éticas? Pode a arte “imoral” ou eticamente problemática ser eticamente útil, e se sim, como? Existem limites para o que pode ou deve ser apreciado esteticamente ou tratado artisticamente? Até que ponto os artistas devem ser responsabilizados pelas mensagens implícitas ou pelos potenciais efeitos das suas obras? Como pode a violência ser confrontada na arte sem cair na glorificação? — questões que, todas elas, de uma forma ou de outra, dominaram grande parte do debate estético na Grécia Antiga, permanecendo prementes em épocas subsequentes, incluindo a nossa.
Assim, por muito distantes que nos sintamos de Platão e dos seus homólogos, a não ser que levemos a sério a réplica sarcástica de Plutarco ao dilema platónico, e “tapemos os ouvidos dos jovens com uma cera dura e impenetrável, como foram tapados os ouvidos dos itacenses, e os forcemos [...] a fugir da poesia a toda a velocidade” (Padelford, 1902, 51), estas são problemáticas que devemos confrontar.
Vivemos num tempo em que a esfera (outrora) autónoma da arte parece estar a escorregar perigosamente para um terreno moral que soaria familiar aos gregos; um tempo de preferência por narrativas desambiguadas e facilmente digeríveis — longe do que Rancière descreveu como “cortes sempre ambíguos, precários, litigiosos” (2010, 202); um tempo em que assistimos a uma total incapacidade de pensar a arte como outra coisa que não uma espécie de mimesis do poder político, económico e social; mimesis cuja lógica, “ao conferir à obra de arte o poder dos efeitos que é suposto provocar no comportamento dos espectadores” (Rancière, 136), se alinha naturalmente a um regime de consenso que mina tanto o potencial político como ético da arte. O nosso é um tempo em que, como lamenta o crítico do NYTimes Jason Farago, “uma e outra vez, a arte é reduzida a um sintoma ou a uma trivialidade” (Farago, 2024, par. 13).
Mas não é só a arte que enfrenta tais dilemas; é também a ética.
Apesar (ou em virtude) da crescente popularidade da palavra “ética” nas últimas décadas (com a moda de comités de ética, bioética, ética empresarial, e afins, que proliferam enquanto escasseia a sua mais profunda discussão filosófica), a configuração contemporânea da ética parece reduzida a uma moral de exortações fáceis, de consensos, de discursos legalistas e estruturas normativas, mal disfarçada, e vendida como “ética”; uma “ética” de binarismos morais simplistas que, servindo uma função essencialmente normativa (que, seja ela corretiva ou preventiva, é repressiva), assume uma conotação profundamente negativa, com resultados extremamente nefastos. Para além da subestimação grosseira da complexidade da ética, da usurpação do seu lugar, da domesticação da sua radicalidade e da distorção do seu sentido, a configuração actual da ética comporta o seu próprio esvaziamento.
Como é que a comodificação da arte se cruza com a comodificação da ética, e quais as implicações para ambas? Pode a arte servir de espaço para a reimaginação da ética? Como podemos devolver tanto a ética e como a arte à sua diferença, à sua singularidade e, portanto, à sua radicalidade? Como podemos repensar a sua relação problemática?
Nesta edição temática da revista Convocarte, convidamos contribuições que confrontem estes desafios, explorando este campo multifacetado que é também uma relação historicamente variável — entre a arte e a ética — uma relação que não apenas levanta diversas questões, mas em que cada questão admite respostas plausíveis contraditórias. Ao lançarmos Arte e Ética, sabemos que estamos a lançar mais confrontos com um dilema do que a mera abordagem de um tema — e que, por seu lado, se pode colocar em diferentes planos do artístico: na obra, na produção, no artista, na recepção, na sua teorização, no exercício crítico, no juízo de valor, no seu processo de legitimação, entre outras, além das relações com áreas sensíveis a implicações éticas, como a politica, o mercado, a ecologia, a pedagogia, e afins. Acolhemos abordagens históricas, teóricas, especulativas e práticas; as contribuições podem abordar os padrões recorrentes nas interconexões entre arte e ética, a capacidade da arte de desafiar, reformular ou produzir novos valores éticos, as tarefas e modalidades da crítica da arte, ou a ética da recepção. Estudos de caso, discussões sobre estilo e a forma nas obras de arte são altamente incentivados, assim como propostas para formular ou reimaginar uma ética da arte contemporânea.
Se a ética é hoje tão necessária como difícil na sua formulação, resvalando entre o poder ser e o dever ser, entre a liberdade e a obrigação coerciva, a sua conjugação com a arte, também ela já há muito tempo em crise de definções e de critérios, só torna mais delicado (e, por isso, também desafiante) o tema desta convocação.
Podemos assim avançar com alguns tópicos de abordagens, com a ressalva que estão longe de circunscrever as possibilidades de abordar o tema:
- O papel da arte na sociedade e as suas implicações éticas: de Platão à modernidade
- A ética e a política da forma: revisitar as abordagens formalistas e autonomistas
- Confronto entre a ética e a moral no campo das artes
- A crítica ética contemporânea da arte: os novos moralismos
- Liberdade artística e censura ou os limites da autonomia da arte
- A ética da interpretação, a responsabilidade do público e a tarefa da crítica de arte
- Valor estético vs. valor ético: reflexões meta-estéticas e meta-éticas
- A representação da violência e a ética do documentário
- A ética da preservação da arte
- Os dilemas éticos da cultura da Internet, dos novos media e da IA
- A ética da educação artística
- Os direitos de autor e de copyright em confronto com gestos artísticos de aproximação ao plágio, como apropriação, paródia, citação, etc.
- A bioarte e a bioética e as suas intersecções
- Ética no financiamento das artes
- Fundamentos teóricos para uma ética da arte contemporânea
Coordenação Geral: Fernando Rosa Dias
Coordenação do dossier temático «Arte e Ética»: Leonor Reis
Coordenação Executiva: Bruna Lobo, Jamila Pontes, Daniela Reimão
Leonor Reis
Leonor Reis (Funchal, 1992) é doutorada em Filosofia Ética e Política, pela Università degli studi di Roma – “La Sapienza” (2024) com uma tese intitulada “Art in spite of itself. The ambiguity of art in the work of Emmanuel Levinas,” para a qual recebeu de investigação da FCT. É licenciada em Som e Imagem, especialidade vídeo, pela Escola das Artes da Universidade Católica Portuguesa (2013) onde concluiu ainda, em 2014, uma Pós-graduação em Fotografia. Posteriormente obteve o grau de Mestre em Crítica, Curadoria e Teorias da Arte pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (2018), com uma tese intitulada “A experiência estética como abertura religada.” Actualmente é investigadora no CIEBA, tendo como principais áreas de investigação: o pensamento de Levinas, a fenomenologia, a ética da representação, e as intersecções entre arte e filosofia e ética e estética.
protocolo entre a fundação manuel cargaleiro e a faculdade de belas-artes
Out 12 2025
O Museu Cargaleiro, em Castelo Branco, festejou o seu 20º aniversário com a apresentação dos Prémios Manuel Cargaleiro. Os Prémios Manuel Cargaleiro são uma iniciativa conjunto entre a Fundação Manuel Cargaleiro, a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, a Câmara de Castelo Branco e a Caixa Crédito Agrícola Beira Baixa Sul.
O Professor Eduardo Duarte, Presidente da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, informou que haverá três categorias distintas nos Prémios Manuel Cargaleiro, sendo elas Prémio Revelação Jovem Artista para atribuição de bolsas de estudos a alunos; Prémio Cargaleiro, desafiando artistas já consagrados a reinterpretar a obras de Cargaleiro; e Prémio Investigação, que desafia quem estuda a arte.
A data do concurso e o respetivo regulamento serão divulgados posteriormente.
Púlpito da Igreja de Santa Cruz de Coimbra, do Acervo de Escultura da FBAUL, na exposição temporária “Servir, a Única Pregação”
Out 09 2025
30 NOVEMBRO 2024 > 15 OUTUBRO 2025 I MUSEU DO SANTUÁRIO DE FÁTIMA
O modelo didático do Púlpito da Igreja de Santa Cruz de Coimbra, pertencente ao Acervo de Escultura da FBAUL, está patente na exposição temporária Servir, a Única Pregação, que inaugurou no passado dia 30 de Novembro, no Museu do Santuário de Fátima.
Esta exposição estará patente até 15 de Outubro de 2025.
Púlpito da Igreja de Santa Cruz de Coimbra,
de Nicolau de Chanterene
(modelo didático)
Guido Battista Lipi, 1883-1884
Gesso moldado e ferro (estrutura)
Esta obra foi restaurada pela Prof.ª Marta Frade, juntamente com os seus alunos da FBAUL.
entre tecer — exposição de sara boia
Out 09 2025
07 > 14 OUTUBRO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 7 de outubro, às 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-artes, a exposição Entre Tecer de Sara Boia
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Entre Tecer, entretecer, que se entrelaça ao tecer.
A tecelagem manual, um dos ofícios mais antigos, consiste essencialmente em criar um plano maleável de fios, entrelaçando-os horizontalmente.
A tapeçaria surge através da utilização desta técnica para a criação de obras de arte que podem ser bidimensionais, ou tridimensionais nos dias de hoje. Esta arte foi, desde cedo, ligada à pintura pela sua representação pictórica, sendo a vertente bidimensional uma das características mais consideráveis. Este valor é quebrado com o contemporâneo, por diversos artistas que, de certo modo, desafiaram as fronteiras entre a tapeçaria e a escultura, bem como tantas outras áreas da arte.
“Much of the potency of textile art has been lost during centuries of efforts to produce woven versions of paintings, often based on cartoons of the great painters of the past” (Albers, 1995)
Entre Tecer é o resultado da investigação artística que teve início no final da Licenciatura em Escultura, e que se estendeu até ao Mestrado na mesma área.
Esta exposição emerge da vontade de compreender a tapeçaria enquanto construção tridimensional. Tem-se como objetivo encontrar princípios inerentes à disciplina da escultura, numa técnica tradicionalmente ligada à bidimensionalidade e à pintura. Por outro lado, existe a necessidade de utilizar este projeto como meio de destaque e valorização de artistas femininas, num mundo onde “Women have been excluded from innovative roles (…), except as ‘imitators’ and interpreters of male styles”. (Wood Conroy D., 1994)
2’43’’ _ galeria do Pavilhão 31 do Hospital Júlio de Matos
Out 08 2025
18 SETEMBRO > 11 OUTUBRO 2025 | GALERIA DO PAVILHÃO 31 | HOSPITAL JÚLIO DE MATOS
Inaugura no próximo dia 18 de setembro, às 18h, a coletiva 2’43’’ na galeria do Pavilhão 31 do Hospital Júlio de Matos.
Dois minutos e quarenta e três segundos é o intervalo médio entre a aterragem ou descolagem dos aviões que sobrevoam o Hospital Júlio de Matos, cujo ruído ensurdecedor marca a cadência da vida de quem o habita.
A exposição 2’43” reúne novas obras em fotografia de estudantes do Departamento de Arte Multimédia da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa (FBAUL) e de artistas residentes no ateliê da P28, associação que mantém uma galeria de arte contemporânea e um espaço de criação para artistas com experiência de doença mental naquele hospital.
Com a participação de
António Bezerra, Beatriz Barizon, Carlota Bento, Carolina Sul da Costa, Clara Pestana, Daniela Marques, Guilherme Albano, Immi Müller, Iris Buljević, Isabela Abate, João Afonso, Kim da Motta, Margarida Cruz, Margarida Portas, Maria Félix, Maria Tavares Trindade, Maria Vidal, Mariana Lucas Lopes, Nair Moreira, Nicolas Büttiker, Rafaela Pereira, Rita Pedro, Rita Robalo, Victória Lobo Vieira.
Curadoria
José Luís Neto com Ana Caria Pereira, Daniel Pinheiro e Rogério Taveira (Equipa FBAUL).
18 de Setembro a 11 de Outubro de 2025
Quarta-feira a Sábado: 14h00 – 19h00. Encerra feriados.
Galeria do Pavilhão 31 | Hospital Júlio de Matos
Av. do Brasil, nº 53 (junto à entrada pela Rua das Murtas)
corpo — memória
Out 08 2025
19 SETEMBRO > 11 OUTUBRO 2025 I PROCUR.ARTE
Inaugura no dia 19 de setembro, às 18h00, na Procur.arte, em Lisboa, a exposição corpo — memória de Beatriz Raquel Jardim, Carolina Maya, Davis Estrela, Diogo Néry Tomás, Julia Sarturi, Luca Zangrandi, madeleno, Pe Lozano e Rodrigo Cardoso. A curadoria da exposição é de Sergio Mah e António Júlio Duarte, em colaboração com os participantes da exposição.
A exposição ficará patente até 11 de outubro, dia em que se realiza a finissage entre as 18h00 e as 21h00.
Horário: 2ª a 6ª – 15h/19h
Esta mostra reúne trabalhos de nove fotógrafos-artistas que cursaram, entre Outubro de 2024 e Julho de 2025, a Pós-Graduação Discursos da Fotografia Contemporânea na Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa. Ao longo de um ano lectivo os alunos frequentaram várias unidades curriculares que globalmente abrangem um horizonte alargado de temas e questões actuais do campo da fotografia, no qual se incluem aspectos históricos, estéticos e conceptuais.
Os trabalhos que aqui se apresentam contemplam vários universos pessoais e estéticos, mas evidenciam também distintas formas de exercer as possibilidades artísticas da fotografia: entre a representação documental e o registo subjectivista e plástico; entre o fotográfico, o escultórico e pictórico; entre a sugestão narrativa e a revisitação da memória. É de notar que as temáticas do corpo, e consequentemente a aferição crítica dos discursos normativos em torno do género, da sexualidade e das identidades culturais, sobressaem em muitos dos trabalhos incluídos nesta exposição. Mas a corporalidade é igualmente significativa no modo como os diferentes fotógrafos exercem a performatividade nos seus processos criativos de captação e montagem.
Sérgio Mah
a arquitetura no ensino das artes visuais
Out 06 2025
10 OUTUBRO 2025 > 10H00 I SALA 4.14
Realiza-se no dia 10 de outubro, a partir das 10h00, na Sala 4.14, a conferência A arquitetura no ensino das artes visuais, pelo arquiteto Duarte Paiva.
Esta conferência é exclusiva para a comunidade académica da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa.
A arquitetura influencia profundamente a cultura visual, seja pela observação de uma paisagem, pela organização e harmonia de um conjunto edificado ou pela relação da luz com os planos e volumes, e muitas vezes é tema nas diferentes artes plásticas.
Como podemos, no ensino das artes visuais no 3.º ciclo e ensino secundário, incorporar e articular os fundamentos da arquitetura de modo a promover uma observação mais consciente e construir um diálogo fecundo entre artes visuais, arquitetura e a vida no quotidiano?
nothing from nothing
Out 02 2025
03 OUTUBRO 2025 > 19H00 I GRANDE AUDITÓRIO //// OCTOBER, 3 > 7 PM
Estreia do filme, 116 minutos, 2025. Entrada gratuita.
Film Premiere,116 minutes, 2025. Free Admission.
Com a intenção de explorar o valor estético do nada, a sua capacidade e poder milagrosos de se criar a partir de si mesmo e de inspirar a criatividade autónoma nos outros, Nothing From Nothing (2025, 116 minutos) revela como o potencial milagroso de autocriação do nada, a que me refiro como a Décima Musa de Shakespeare ou Vontade do Nada, transforma a perda em descoberta, a morte em vida e o nada em muitos.
“Can you make no use of nothing, nuncle?” (King Lear 1.4)
With the intention to explore the aesthetic value of nothing, its miraculous ability and power to create itself out of itself and to inspire autonomous creativity in others, Nothing From Nothing (2025, 116 minutes) reveals how nothing’s miraculous self-creating potential, what I refer to as Shakespeare’s Tenth Muse or Will to Nothing, turns loss to find, death to life, and none to many.
Juntamente com o Bobo da Corte de Lear, o público deste filme é convidado a perguntar: «qual é o valor de uso do nada?» Segundo os cientistas, o universo surgiu do nada. Será herético pensar que o nada veio do nada? Será que o nada, do qual se diz que todas as coisas evoluíram, pode ter emanado de si mesmo? Neste filme, a vontade autoral de Lear para o nada não só dá origem à peça e à sua multiplicidade de partes, como também destaca o objetivo final da poesia — a expansão infinita.
Alongside Lear’s Fool, the audience of this film is invited to ask: ‘what is the use value of nothing?’ According to scientists, the universe emerged from nothing. Is it heretical to think that nothing came from nothing? Could the nothing out of which all things are said to evolve, have emanated from itself? In this film, Lear’s authorial will to nothing not only gives birth to the play and its multiplicity of parts, but also highlights the ultimate aim of poetry — infinite expansion.
A maior parte da ação em Nothing From Nothing foi filmada numa cisterna medieval em Lisboa, sob a Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, onde sombras ameaçadoras, silêncios profundos e ecos comoventes criam uma atmosfera de mistério e intriga. A nossa adaptação inclui uma personagem que representa a sósia de Cordélia, interlúdios inesperados, um alfabeto inventado baseado nas personagens da peça e momentos-chave da ação, juntamente com breves excertos das peças e sonetos de Shakespeare, Don Sebastian, King of Portugal (1689), de John Dryden, Mensagem (1934), de Fernando Pessoa, e Orpheu Literary Quarterly Volumes 1 & 2 (1915/2022).
The majority of action in Nothing From Nothing was filmed in a medieval cistern in Lisbon, beneath the University of Lisbon’s Faculty of Fine Arts, where looming shadows, profound silences and heart wrenching echoes create an atmosphere of mystery and intrigue. Our adaptation includes a character understood to represent Cordelia’s Double, unexpected interludes, an invented alphabet based on the characters of the play and key moments in the action, along with brief extracts from Shakespeare’s plays and sonnets, John Dryden´s Don Sebastian, King of Portugal (1689), Fernando Pessoa´s Mensagem (1934), and Orpheu Literary Quarterly Volumes 1 & 2 (1915/2022).
Ao longo do processo de filmagem e edição deste projeto, o meu objetivo foi não só destacar o potencial milagroso de autocriação do nada, mas também a sua ligação à mão do artista como sujeito e ao valor estético da negritude, da invisibilidade, da ausência e do silêncio.
Throughout the process of filming and editing this project, my goal has been not only to highlight nothing’s miraculous self-creating potential, but its connection to the hand of the artist as subject, and how the aesthetic value of nothing is intimately related to the aesthetic value of blackness, invisibility, absence and silence.
Iniciei este projeto em julho de 2023 com o apoio heroico de atores e músicos talentosos e entusiastas, incluindo estudantes, professores de inglês aposentados, voluntários e atores profissionais de teatro.
I initiated this project in July 2023 with the heroic support of talented, enthusiastic actors and musicians (including students, retired English teachers, volunteers and professional theatre players).
Ao refletir sobre a cegueira deliberada e a loucura do Rei Lear e de Dom Sebastião, a vontade de se entregar por completo — por nada, por toda a eternidade —, o significado radical do motivo do duplo nada é revelado em toda a sua plenitude. A subtil analogia entre os dois reis tem como objetivo destacar a imortalidade da autoria em função do seu público leitor. Mais importante ainda, retrata um rei que se esconde deliberadamente, ou seja, que sobrevive milagrosamente para sempre devido à sua ocultação deliberada.
Dwelling on the willful blindness and madness of King Lear and Don Sebastian, the will to give all of oneself away — for nothing, for all eternity, the radical significance of the double nothing motif is brought into full view. The subtle analogy between the two kings is meant to highlight the immortality of authorship on account of its readership. Most importantly, it portrays a King who goes into hiding willfully, that is, who miraculously survives forever on account of his willful hiddenness.
Discursos de abertura e Inauguração / Opening Remarks and Inauguration (Grand Auditorium / Grand Auditorium): Professor Doutor Fernando António Baptista Pereira
David Swartz é um artista Canadiano que realizou o seu Mestrado em Pintura, sob a nossa orientação, na Faculdade de Belas Artes, há uns anos atrás, desenvolvendo uma pesquisa sobre o Silêncio e o Nada enquanto fundamentos de uma abordagem ao fascinante tema da mão do Artista.
Nos últimos anos, realizou o seu Doutoramento em torno de alguns aspetos da obra de Shakespeare, prolongando essa investigação original num modo dramatizado, quase trágico, como acontece em muitas das peças que o escritor inglês escreveu, explorando as oposições entre ascensão e descida, presença e ausência, queda e redenção, erotismo masculino e feminino, e desembocando numa coincidência ou interfusão de opostos.
Neste seu filme, explorando a tragédia ‘King Lear’ de Shakespeare, sobre a terrível solidão do poder que conduz ao corte com a realidade que só a saudável loucura pode curar, David Swartz aprofunda a interpelante problemática do NADA, que, como uma nódoa, alastra pelos interstícios da condição humana quando esta se vê desertificada pela experiência salvífica do Amor em favor da adulação e da conveniência.
Fernando António Baptista Pereira
laudato si
Out 02 2025
03 > 04 OUTUBRO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 03 de outubro, pelas 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Laudato Si de Mário Linhares e Sara Amado, com apresentação do livro Cântico das Criaturas, Cântico do Irmão Sol, de São Francisco de Assis, de Isidro P. Lamelas e Mário Linhares (coords.), edição da Caleidoscópio.
No sábado, dia 4 de outubro, a exposição estará aberta ao público entre as 11h00 e as 16h00.
Os trabalhos apresentados na exposição são inspirados no Cântico das Criaturas, poema escrito por São Francisco de Assis cerca de 1225. O livro é o resultado de um estudo exaustivo sobre o poema, coordenado por Isidro P. Lamelas (FT-UCP) na componente escrita, e por Mário Linhares (FBAUL) na parte artística. Conta ainda com a colaboração de Sara Amado (FAUL), que realizou uma série de trabalhos em tecido, e de duas partituras originais, criadas propositadamente para este projeto, da autoria de Paula da Costa Ferreira (FPUL) e de Alfredo Teixeira (FT-UCP). A apresentação do livro conta ainda com a presença da Professora Margarida Calado (FBAUL).
Se não é uma das mais belas flores poéticas da literatura cristã, é pelo menos uma das peças mais surpreendentes germinadas no jardim literário cultivado pelos mais destacados místicos de todos os tempos.
(Isidro P. Lamelas)
Se ilustrar é iluminar, ou seja, ajudar o texto a brilhar, então o peso da tarefa tornava-se desmedido. … De que novas imagens precisa este poema hoje?
(Mário Linhares)
Neste caminho, tornou-se claro que, de todas estas ações, deveria seguir o caminho da subtração. Como Francisco, não acrescentar, mas retirar. Desfiar, para ser mais sendo menos.
(Sara Amado)
A poética do louvor, com frequência, está associada ao canto festivo que enaltece as maravilhas do mundo. Por vezes, esse canto é ingénuo, porquenele não se abre ao que no mundo é dor e sofrimento.
(Alfredo Teixeira)
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
lições com cerejas
Set 27 2025
03 MAIO > 30 SETEMBRO 2025 I TÁGIDE
Inaugurou no dia 3 de maio, no Tágide Art & Food a 3ª Mostra no âmbito do projeto Lições com Cerejas, com obras de Carolina Mendonça e Kai Barabash.
Este projeto iniciado em julho de 2024 é o resultado do acordo de colaboração entre o Tágide Art & Food e a Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, para a realização de exposições de obras dos alunos da FBAUL, em contexto formativo, projeto com a coordenação da Professora Cristina Branco.
As 1ª e 2ª Mostras inauguraram em 2024 e estão disponíveis AQUI.
Na tertúlia imaginária no restaurante Tágide, prosseguem as conversas vadias sobre aprendizagem. Ao mestre Agostinho da Silva juntam-se Maria Montessori, Joseph Beuys e as alunas Carolina Mendonça e Kai Barabash, num encontro onde se revela que, num ensino dinâmico, todos aprendem com todos.
Montessori relembra o papel do educador como observador-aprendiz, que ajusta o ambiente às descobertas da criança. Beuys defende a criação partilhada como meio de transformação, onde mestre e discípulo se influenciam mutuamente. Agostinho sublinha que, ao libertar o aluno, o educador também se liberta, aprendendo com a individualidade de cada ser.
Carolina traz à conversa duas esculturas, Ligações e Sobre Nós, que unem arte e vida num gesto de conexão humana. Kai apresenta pinturas feitas de sombras coloridas, convidando-nos a Abrir os olhos ao quotidiano simples — uma simplicidade que conduz à paz interior, como em Amanheço-Anoiteço.
Nesta troca viva entre mestres e aprendizes, a educação revela-se como caminho coletivo de criação, transformação e liberdade.
Para fomentar este projecto foi criada uma página na rede social Instagram @des-TAKA-
Cristina Branco
Maio 2025
tuuui trrrrrrrrrrrrrrrrrrr, de james webb
Set 27 2025
18 JULHO > 04 OUTUBRO 2025 I MAC-CCB /// RÁDIO-GALERIA ANTECÂMARA
There’s No Place Called Home - MAC-CCB
[Instalação numa árvore junto à entrada do Museu (Praça CCB)]
Learning from Birds – Rádio-Galeria Antecâmara
(exposição da publicação/livro de artista e de materiais audiovisuais)
autor: James Webb (1975, Kimberley, África do Sul)
datas: 18 julho a 4 outubro de 2025
tuuui trrrrrrrrrrrrrrrrrrr, de James Webb (1975, Kimberley, África do Sul) e curadoria de Luísa Santos, opera como dois capítulos da mesma história — There’s No Place Called Home (Belém, Lisboa) (2025), no MAC-CCB e Learning from Birds (2025), na Rádio-Galeria Antecâmara. Em There’s No Place Called Home (Belém, Lisboa), escutamos o canto de um guarda-rios-da-floresta (Halcyon senegalensis), um pássaro nativo das regiões africanas a sul do Saara, transmitido por um altifalante escondido numa árvore no jardim do MAC/CCB. Já Learning from Birds (2025), na Rádio-Galeria Antecâmara, apresenta uma instalação site-specific sonora com uma publicação-objeto, editada em colaboração com o CIEBA-FBAUL no contexto do Institution(ing)s, projeto coordenado pelo CECC – Faculdade de Ciências Humanas da Universidade Católica Portuguesa.
tuuui trrrrrrrrrrrrrrrrr, de James Webb, é um projeto que inclui a publicação Learning from Birds e a instalação site-specific There’s No Place Called Home (Belém, Lisbon) (2025). Esta publicação é produzida no âmbito do Institution(ing)s e em colaboração com o CIEba.
O Institution(ing)s é um projeto de colaboração de média escala coordenado pelo CECC-Universidade Católica Portuguesa com mais 7 instituições artísticas em 7 países europeus, cofinanciado pela União Europeia. As opiniões e pontos de vista expressos são, no entanto, exclusivamente do(s) autor(es) e não refletem necessariamente os da União Europeia ou da Agência Executiva Europeia para a Educação e a Cultura (EACEA). Nem a União Europeia nem a EACEA podem ser responsabilizadas por eles. As opiniões e pontos de vista aqui publicados refletem os princípios da liberdade académica e não refletem necessariamente as opiniões ou posições do Institution(ing)s e dos seus membros.
coordenação: Pedro Campos Costa e Luísa Santos
diretora artística MAC/CCB: Núria Enguita Curadoria
textos: Luísa Santos
publicação e edição: Íris de Sousa (design gráfico)
impressão: Pedro Pereira (RISOgrafia/FBA)
coordenação editorial: Luísa Santos (CECC), Sónia Rafael (CIEba), Victor M Almeida (CIEba)
noite europeia dos investigadores
Set 25 2025
26 SETEMBRO 2025 > 17H00 I MUSEU NACIONAL DE HISTÓRIA NATURAL E DA CIÊNCIA, JARDIM BOTÂNICO DE LISBOA, JARDIM DO PRÍNCIPE REAL
A Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa participa na Noite Europeia dos Investigadores com o projeto Redescobrir os segredos da terra.
Redescobrir os segredos da terra pretende sensibilizar o público para questões relacionadas com os minerais presentes na exposição do MUHNAC, “Minerais, Identificar, Classificar”. Com esse objetivo, será realizado um jogo que associa conceitos, texturas e imagens, com a finalidade de promover o desenvolvimento da criatividade, consciencializar para o problema da extração em massa de minerais para a construção de objetos eletrónicos e promover o diálogo entre os participantes.
Este projeto enquadra-se no âmbito da disciplina de Educação em Museus que, no ano letivo de 2024/2025, foi frequentada por alunos/as dos mestrados de Museologia e Museografia e de Educação Artística da Faculdade de Belas-Artes, bem como do mestrado de Ensino da Artes Visuais do Instituto de Educação da Universidade de Lisboa.
Sound | Light | Space | Matter
Set 25 2025
26 SEPTEMBER 2025 > 11 AM I LAGOA HENRIQUES AUDITORIUM
In this talk, I will share aspects of my artistic practice and research, spanning interactive installations, sound sculptures, immersive environments, and performances that combine sound, structures, video, and light.
This presentation takes place as part of my residency at FBAUL within CAPHE, a multinational four-year research project. During this one-month residency, I am working as an artist-researcher, developing and reflecting on these ideas in dialogue with the broader research context.
Through selected projects, I aim to open a conversation on how these practices intersect with other artistic approaches and creative methods across different media.
Bio
Alexandros Kontogeorgakopoulos is an academic and artist whose transdisciplinary work bridges art, science, and technology. He is an Assistant Professor in Interactive Art and Digital Art Installations at the Department of Digital Arts and Media, National and Kapodistrian University of Athens. He co-founded oneContinuousLab, an art-science studio-lab exploring computational and physical media—including sound, light, space, matter, text, and movement and dot.wip (.work in progress), an experimental arts studio space in Koukaki, Athens. His artistic practice spans music, sound art, interaction, digital fabrication, and multimedia, with works exhibited and performed worldwide.
Instagram @onecontinuouslab @_dotwip
Facebook @alexandros.kontogeorgakopoulos
CAPHE Project - Communities and Artistic Participation in Hybrid Environments- 01086391 Marie Curie Actions Horizon – 2021-SE
This project has received funding from the HORIZON EUROPE PROGRAM under GRANT AGREEMENT NO. 101086391
arte e revolução — a arte com campo de luta social
Set 22 2025
30 SETEMBRO 2025 > 19H00 I GRANDE AUDITÓRIO
Organização:
Luís Silva – estudante do curso de Pintura da FBAUL
Arturo Rodrigues – investigador e historiador da FCSH
Gabriel Seabra – ex-estudante de Estudos Artísticos da Universidade de Coimbra
Dinis Freire – Produtor cultural e músico
Arte e Revolução é um evento aberto a estudantes, professores e membros da comunidade académica interessados no tema.
Os membros da organização vão introduzir o tema e desenvolver brevemente alguns tópicos. Posteriormente, vão abrir a conversa para os participantes intervirem.
Italiani Famosi, Incisioni Laser su Vetro/ Famous Italians, Glass Laser Engravings
Set 19 2025
16 > 21 SETEMBRO 2025 I PALAZZO DA MULA MURANO, MURANO, VENEZIA
Evento organizado por António Matos e Fernando Quintas, em colaboração com Vicarte, Universidade Nova de Lisboa, Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa e Fab Lab.
Nesta exposição, gostaríamos de mostrar ao público a grande contribuição da Itália para a civilização, apresentando uma coleção dos mais importantes italianos, por meio de retratos de artistas, cientistas e escritores, feitos com pequenas peças de vidro plano, utilizando gravação a laser.
A ideia é mostrar ao público que visita esta exposição que a Itália possui um rico patrimônio literário, artístico e científico.
Em um pôster, o público poderá ver diversos exemplos encontrados em Veneza.
erínias: vingança, rancor e punição — exposição de rafael vascon
Set 18 2025
10 > 22 SETEMBRO 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 10 de setembro, às 15h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes, a exposição ERÍNIAS: vingança, rancor e punição de Rafael Vascon.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário: 2ª a sábado – 12h00 às 19h00
Entre o caos e o cosmos, toda certeza é abdicada, todo sagrado é profanado. Entre Hades e Atenas, neste território de ruínas e presságios onde tudo o que é sólido se desmancha no ar, despertam as Erínias — sombras guardiãs de uma memória recusada, ferida, corrompida. Seus cânticos ecoam contra o silêncio imposto por séculos de colonialidade, contra a museificação de corpos que nunca puderam repousar em paz. Elas finalmente retornam, não como espetáculo exótico para olhares que as consumiram, mas como espectro que recusa ser domesticado pela história oficial. Sua carne já não é vitrine: é fissura, rasgo e convocação. Cada fragmento exposto não é objeto, mas testemunho — lembrança viva de que o corpo não é destino, mas invenção política erguida sobre a violência da classificação, do olhar e do desejo. Aqui, arquivos se incendeiam, monumentos se desmoronam e as fronteiras entre mito e história se esvaem. Não há neutralidade possível: cada passo é um pacto com os fantasmas que aqui se erguem, cada olhar é atravessado por aqueles que foram obrigados a sustentar o fardo de uma modernidade manchada. Por isso, antes de entrar, atenção: este espaço não oferece conforto – é rito profano e escárnio, é futuro que só pode nascer da recusa em esquecer.
adeus, portugal — exposição de olavo costa
Set 18 2025
04 > 19 SETEMBRO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 04 de setembro, pelas 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes, a exposição Adeus, Portugal de Olavo Costa.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Adeus, Portugal não é uma despedida, é um até logo a uma memória cada vez mais distante. Um Portugal que podia ter sido, está agora completamente soterrado. E que país era este? O país dos meus avós.
Um país pelo qual milhares de homens e mulheres comunistas, camaradas e amigos lutaram até à morte para nos levantar da noite. Um país em que o meu avô e a minha avó acreditaram com todas as suas forças e vontades, viram a revolução e à sua maneira cumpriram a revolução até ao fim. As suas tarefas revolucionárias consistiam numa variedade de atividades, tais como, reuniões de militantes, inaugurações de centros de trabalho, apresentação de livros, levar os netos a almoçar na COOPPOFA (Cooperativa de Consumo Popular de Faro), ou, por vezes, no Barracosa, um restaurante nos Gorjões, obviamente quando haviam comícios do PCP os nossos lugares estavam lá guardados, para comer arroz de marisco ou jardineira. Ainda dentro das tarefas revolucionárias, as mais importantes eram, irmos comer gelado na casa do Benfica em São Brás de Alportel e depois passear no Jardim Alameda em Faro.
Todas estas ações foram as suas grandes contribuições para este Portugal de que agora com mágoa nos despedimos.
Esta exposição não consiste num ato de oposição, porque oposição todos fazem em part-time, é uma demonstração artística com a qual o espectador está convidado a interagir, e acima de tudo é um ato de resistência. Para não esquecermos o Portugal que queríamos que fosse, um passeio à tarde com os avós.
alice dos reis vencedora do prémio novos artistas fundação edp 2024
Set 01 2025
10 ABRIL > 08 SETEMBRO 2025 I MAAT – MUSEU DE ARTE, ARQUITETURA E TECNOLOGIA
Alice dos Reis, licenciada em Arte Multimédia pela Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, foi a vencedora do Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2024, com a obra de cinema e tapeçaria “entre vidas”.
Alice dos Reis (n. 1995, Lisboa) é artista visual e realizadora. O seu trabalho foi apresentado a solo e em grupo no Museu de Arte Contemporânea de Serralves (Porto), Canal Projects (Nova Iorque), Palais de Tokyo (Paris), Galerie d’Italia (Turim) EYE Filmmuseum (Amsterdão), Kunsthalle Lissabon (Lisboa), Galerias Municipais de Lisboa, Galeria Municipal do Porto, entre outros. Os seus filmes foram mostrados em vários festivais de cinema nacionais e internacionais como o Sheffield DocFest, IndieLisboa IFF, DocLisboa IFF e Curtas Vila do Conde IFF. Em 2019 foi a artista vencedora do Prémio Novo Banco Revelação, e em 2018 recebeu o prémio VISIO Young Talent Acquisition Prize. Recentemente, recebeu a Bolsa de Artes Plásticas da Fondacion Botín (2022-2023) e anteriormente, o Mondriaan Fonds Stipend for Young Artists (2020-2021). Com um mestrado em belas artes pelo Sandberg Instituut, Amsterdão, encontra-se a desenvolver um projeto de doutoramento em Creative Media na City University em Hong Kong. É co-fundadora da Pântano Books, uma editora de poesia independente.
Inaugurou no dia 10 de abril, no MAAT Central – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, a exposição Prémio Novos Artistas Fundação EDP 2024. No mesmo dia, às 18h00, realizou-se uma visita especial com os artistas e os curadores.
A exposição da 15ª edição do Prémio Novos Artistas Fundação EDP apresenta, no MAAT Central, propostas de Alice dos Reis, Evy Jokhova, Francisco Trêpa, Inês Brites, Maja Escher e Sara Chang Yan.
Alice dos Reis, Francisco Trêpa, Inês Brites e Maja Escher, ex-alunos da Faculdade de Belas-Artes, são quatro dos seis finalistas selecionados para a 15.ª edição do Prémio Novos Artistas Fundação EDP.
Estes artistas foram selecionados entre cerca de 600 candidaturas avaliadas por um júri constituído por Catarina Rosendo (professora universitária e curadora), Luís Silva (curador e diretor da Kunstalle Lissabon) e Sérgio Mah (diretor-adjunto do MAAT e professor universitário).
No decorrer da exposição, um júri internacional irá nomear o artista vencedor, que a Fundação EDP premiará com um valor de 20 000 euros.
O Prémio Novos Artistas Fundação EDP foi criado em 2000 com o objetivo de apoiar e dar visibilidade à produção de artistas emergentes nas artes plásticas e visuais. É reconhecido como um dos mais relevantes no panorama das artes em Portugal. Nas suas edições anteriores foram distinguidos: Joana Vasconcelos (2000), Leonor Antunes (2001), Vasco Araújo (2002), Carlos Bunga (2003), João Maria Gusmão e Pedro Paiva (2004), João Leonardo (2005), André Romão (2007), Gabriel Abrantes (2009), Priscila Fernandes (2011), Ana Santos (2013), Mariana Silva (2015), Claire de Santa Colomba (2017), Diana Policarpo (2019) e Adriana Proganó (2022).
monumento-nu — exposição de letícia larín
Ago 26 2025
02 > 19 SETEMBRO 2025 I CORREDOR LAGOA HENRIQUES
Inaugura no dia 02 de setembro, às 17h00, no corredor do Auditório Lagoa Henriques da Faculdade de Belas-Artes a exposição Monumento-Nu de Letícia Larín, com a colaboração de Roberto Chipe, Kunhã Ysapi e Ariel Komé.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário: 2ª a sábado – 11h00 às 19h00
Monumento-Nu é a terceira e última exposição individual resultante do meu doutoramento em Escultura na FBAUL. A primeira, Fuuu… (Sopro) Tááá: Marãny, abordou o termo que me foi oferecido pelo xamã Roberto Chipe –Fuuu… (Sopro) Tah: Marãny–, e a segunda, Cemitério Indígena: Movimentos ao Autoexílio Kaiowá e Guarani, elementos das culturas materiais Kaiowá e Guarani que entendi como os mais afins ao monumento ocidental –kurusu (cruz) tumular, óga pysy e óga guasu (casas de reza, respetivamente, Kaiowá e Guarani) e yvyra marãngatu e tata rendy henda’i (tipos de “altar”, respetivamente, Kaiowá e Guarani). O presente conjunto de trabalhos, por sua vez, pontua o percurso que visou objetivamente projetar o monumento-nu Fuuu… (Sopro) Tah! Marãny: Cemitério Indígena.
Mobilizada pelo ímpeto de apoiar a luta e conhecer as cosmovisões indígenas Kaiowá e Guarani, o principal objetivo da minha tese foi elaborar um monumento a esses povos para Portugal. O foco na região de Dourados deu-se por ela ser, no Brasil, das mais violentas com respeito a pessoas originárias, devido a interesses do agronegócio, à presença de igrejas pentecostais, à proximidade entre a cidade e a Reserva Indígena de Dourados, a preconceitos com os modos tradicionais de ser –teko porã (Bem Viver)– etc. Por outro lado, aí também é intensa a resistência indígena, através de retomadas e das grandes assembleias Kaiowá e Guarani.
O monumento, por sua vez, é dos elementos ocidentais mais explicitamente impregnados pela discursividade do poder a ser imposta à população. O trato com esses esquemas de nítidos conflitos deveu-se à busca por revelar com alto contraste as problemáticas que os permeiam, desencadeadas pela invasão, colonização, exploração e submissão de Abya Yala (América), e que seguem a vigorar por civis nacionais que primam pelo acúmulo egoísta e ignoram o compêndio histórico que instaurou o sistema de atual predomínio, o qual, por sua vez, não logrou extinguir a diversidade de maneiras de se viver. Propus-me ainda, abertamente, ao risco do fracasso, para testar verdadeiramente certos limites.
Nesta mostra está um recorte dessa investigação onde o monumento foi diretamente reflexionado, por projetos e experimentos processuais realizados em Lisboa, e também em Dourados, onde estive por seis meses a desenvolver um trabalhou de campo. Além do tipo de caderno de campo “Caixa Verde”, algumas peças surgiram da colaboração com Roberto Chipe, Kunhã Ysapy e Ariel Kowé. A problemática de criar um monumento junto a culturas que não contemplam esse conceito ocidental, foi trabalhada principalmente pela escuta e abertura mental, e é por essa dinâmica de fratura da mentalidade ocidental que se apresentam, ainda, alguns esquemas reflexivos.
A performance e a intervenção no espaço urbano, tanto num âmbito concreto quanto imaginário, emergiram como estratégias para estabelecer relações sensíveis com monumentos “duros” e impávidos. Foi também bastante trabalhado o estratagema da armadilha. Assim como “conquistadores” penduravam sedutores artefactos em vidro e metal em meio à floresta para atrair indígenas, fase prévia à persuasão que se chamava “namoro”, o presente monumento-nu seguiu as indicações do líder espiritual Kaiowá Chipe e se fez com o formato de uma cruz.
A zona auferida para a instalação do presente monumento foi a de Belém, em Lisboa, e desenvolvi o conceito de “monumento-nu” devido à ideia de que os adornos originários –sejam diademas, pinturas corporais, ou mesmo sementes e enfeites em penas a conformar chocalhos– são escolhidos para que se mostre publicamente quem se é. Com isso, a arte de adornar é a de transparecer quem se é, de comunicar à comunidade sobre si com a maior honestidade e precisão possível. Daí advém a ideia de que, quanto mais se é adornado, mais se é nu.
No presente caso, o aspeto que mais ressalta é a mencionada cruz. Ela é de fato uma presença nitidamente reconhecível pelos Kaiowá e Guarani, mas para ser captado por pessoas brancas, é necessário que essas se dispam, abram-se ao que não conhecem. É certo que essa obra aqui projetada chama a atenção de adeptos do cristianismo, e os leva a reflexionar sobre o seu sentido: essa é a armadilha. Pois na realidade, essa cruz é o chiru kurusu (cruz de chiru), o elemento mais poderoso das cosmovisões Kaiowá e Guarani.
O chiru kurusu ministra fenómenos e instâncias espirituais, e pode inclusive causar o cataclismo. É dele que depende o equilíbrio da Terra, e é por isso que ele não deve estar nervoso, pois se assim ele ficar, o planeta pode desabar. O chiru kurusu fica no centro da casa de reza e representa o principal, isto é, a ou o líder –tanto quanto à espiritualidade, à política etc.–, e é sustentado por dois paus laterais, que representam a comunidade a erguer aquele ou aquela que a guia. Caso esse ou essa principal deixe de mostrar-se verdadeiramente, o grupo ao seu redor deixa de erguê-lo ou erguê-la e segue por outro caminho. Fica assim, por fim, a potente ideia de podermos seguir para outros lados, de nos transformarmos em outras vidas.
Exposição patente de 28 de agosto a 19 de setembro
Prova de Doutoramento: 10 de setembro às 14h30 na sala 2.07
Júri: Sandra Tapadas [presidente], Nuno Faria [1º arguente], Manuela Ribeiro Sanches [2º arguente], Marta Soares, Helena Elias, Ângela Ferreira, Carlos Vidal [orientador].
première — 30ème édition
Ago 25 2025
10 JULHO > 31 AGOSTO 2025 I CENTRO DE CULTURA E DE CONGRESSOS DO ESTORIL
Inaugura no dia 10 de julho, às 18h00, no Centro de Cultura e de Congressos do Estoril, a exposição PREMIÈRE, na sua 31ª edição.
Esta mesma exposição PREMIÈRE, na sua 30ème Édition, esteve patente no Centre D’Art de Meymac, em França, de 20 de 0utubro de 2024 até 12 de janeiro de 2025.
Première é um programa prospectivo, iniciado e desenvolvido, desde há 30 anos, pela Abadia de Saint André – Centro de Arte Contemporânea de Meymac, selecciona e convida diplomados/as de escolas de arte francesas parceiras do projeto, aos quais e às quais é proposta uma exposição – no Centro de Arte Contemporânea de Meymac ou numa instituição parceira – acompanhada de um texto crítico sobre o trabalho de cada artista e de um CATÁLOGO.
O Centre d’Art tem vindo a desenvolver ligações com o meio artístico português desde 2018, reforçadas em 2022 durante a Temporada França-Portugal com a a participação de escolas de arte portuguesas na Première. Este sucesso levou à renovação do programa em 2024.
Esta nova edição franco-portuguesa teve a curadoria de Caroline Bissière e Jean-Paul Blanchet do Centre d’art de Meymac e Luísa Soares de Oliveira, historiadora de arte.
As escolas participantes são :
Escola Superior de Artes e Design das Caldas da Rainha
Politécnico de Leiria
Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa
École européenne supérieure de l’image de Angoulême-Poitiers
École nationale supérieure d’art de Bourges
École supérieure d’art de Clermont Métropole
École nationale supérieure d’art et de design de Limoges
A Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa está representada pelos estudantes Cygny Malvar do Departamento de Desenho, Francisco Figueiredo Lopes do Departamento de Escultura, Manuel Ferreira do Departamento de Pintura e Ricardo Leandro do Departamento de Arte Multimédia.
Centro de Cultura e de Congressos do Estoril inaugura primeira exposição
Centro de Congressos do Estoril ganha novo nome e torna-se num espaço cultural
o diabo, a bruxa e deus todo poderoso — exposição de lola ramos
Ago 25 2025
07 > 28 AGOSTO 2025 I CISTERNA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 07 de agosto, às 17h00, na Cisterna da Faculdade de Belas-Artes, a exposição O Diabo, a Bruxa e Deus Todo Poderoso de Lola Ramos. A exposição ficará patente até 28 de agosto.
Horário: 3ª a 6ª entre as 14h00 e as 17h00.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
A exposição O Diabo, A Bruxa e Deus Todo Poderoso propõe uma imersão na história da bruxaria em Portugal, um período marcado pela perseguição e invisibilização de homens e mulheres dissidentes. Através das obras da artista Lola Ramos, procura-se lançar luz sobre aquelas que foram acusadas do crime de bruxaria, prestando-lhes homenagem e propondo uma releitura da feitiçaria — não como um mito simplificado, mas como uma forma de conexão com um legado complexo e multifacetado.
As obras exibidas não buscam apenas representar o passado, mas reimaginar a bruxaria como um portal para a compreensão da história invisibilizada das mulheres. A Cisterna, com a sua atmosfera carregada de memória, torna-se o palco ideal para este reencontro com o passado, convidando o público a um diálogo com as sombras da história.
salgueiro maia e o comboio sem reservas – entre castelo de vide, coruche e santarém
Ago 24 2025
01 JULHO > 01 SETEMBRO 2025 I IGREJA SÃO JOÃO BAPTISTA, CASTELO DE VIDE
Inaugura no dia 1 de julho, às 10h00, na Igreja de São João Baptista, em Castelo de Vide, a exposição de pintura e desenho Salgueiro Maia e o comboio sem reservas.
Na inauguração, José Quaresma, coordenador do projeto expositivo, apresentará um livro sobre os temas abordados nos trabalhos ali instalados.
Este evento é passível de ser fotografado/filmado, sendo essas imagens divulgadas nas redes social da FBAUL.
Inaugurou no dia 28 de maio, às 18h30, no Núcleo Museológico de São João de Alporão em Santarém, a exposição Salgueiro Maia e o comboio sem reservas – entre Castelo de Vide, Coruche e Santarém. Na inauguração, José Quaresma, coordenador do projeto expositivo, lançará um livro sobre os temas abordados nos trabalhos ali instalados. A exposição ficou patente até 22 de junho.
A exposição articula um núcleo pessoal de obras em torno da força que Salgueiro Maia continua, felizmente, a emanar no presente, e cerca de cinquenta trabalhos de crianças do 3º e 4º anos do Centro Escolar Salgueiro Maia, em Santarém, também alusivos ao nosso Capitão de Abril, na esperança de que possam vir a ser os “semeadores” da esperança numa sociedade mais livre, mais justa e também com mais capacidade para suspender o caos e a desinformação.
Desenvolvida em três dos lugares onde Maia cresceu e viveu, nomeadamente Castelo de Vide, S. Torcato (Coruche) e Santarém, a experiência no S. João de Alporão será posteriormente realizada em Castelo de Vide (em julho), com cinquenta crianças desta terra, e em Coruche (em Outubro), com cinquenta jovens do Ensino Secundário deste concelho.
Para mais informação relativa ao projecto, deixo estas linhas da Introdução do livro a lançar a 28 de maio:
“Ao intervir na nossa realidade, em 1974, com os seus “camaradas de armas”, conjugando as suas acções com “a maré povo” (Ary dos Santos) em sobressalto, Salgueiro Maia, com a determinação e o sentido de futuro que o caracterizavam, antecipou e projectou, no seu tempo, o contexto dos nossos próprios dias. Realizou-o, como é sabido, com uma energia incessante, uma profunda noção de esperança e uma aguda consciência de plasticidade social.
[...]
É, pois, pela actual e futura defesa da Liberdade herdada de Abril que se propõe este projecto artístico e pedagógico, contributo individual e colectivo para continuar a defendê-la de forma obstinada e criativa, numa estreita relação com a Casa da Cidadania em Castelo de Vide, tendo também em consideração a salvaguarda popular e institucional dos valores simbolizados por Salgueiro Maia nos municípios de Santarém e de Coruche. Para a respectiva materialização realizam-se três exposições em Santarém, Castelo de Vide e em Coruche (com extensão a São Torcato numa estreita ligação com a Escola-Museu Salgueiro Maia desta terra). Estas exposições consistem na apresentação de pinturas e desenhos sobre Salgueiro Maia da minha autoria, harmoniosamente conjugadas com painéis de desenhos realizados por cerca de seis turmas de vinte e cinco alunos cada, em escolas dos três lugares mencionados, cuja coordenação será da curadora Lúcia Saldanha, responsável pela Galeria PeP (Portugal entre Patrimónios), do Museu Nacional de Arte Contemporânea. Paralelamente às exposições e à edição em catálogo dos trabalhos das cento e cinquenta crianças e jovens, publicam-se também diversos textos alusivos aos temas aqui mencionados, assim como testemunhos da atmosfera experienciada pelas inúmeras crianças aquando da realização dos seus trabalhos.”
José Quaresma
os grandes vencedores do concurso ‘paez nas belas-artes 2.0’ marta almeida e martim carvalho
Ago 23 2025
MARTA ALMEIDA E MARTIM CARVALHO VENCEDORES DO CONCURSO PAEZ NAS BELAS-ARTES 2.0
A propostas “CRÚ, DE RAIZ” de MARTA ALMEIDA e a proposta “COLEÇÃO HABITATS” de MARTIM CARVALHO foram as vencedoras entre as 34 propostas apuradas para a fase final do concurso ‘Paez nas Belas Artes 2,0’.
Os sapatos ficarão disponíveis na próxima coleção Primavera/ Verão 2026.
Sobre a Paez
Com mais de 100 mil pares produzidos todos os anos, a Paez consolida-se como uma das marcas de calçado de verão mais reconhecidas pelo público português. A marca foca-se em oferecer o melhor produto possível, com o máximo conforto e estilo.
Os últimos anos ficaram marcados pelo lançamento da primeira coleção 100% vegan, pela introdução de materiais reciclados na sua produção e pelo relançamento da coleção de Inverno.
A Paez, para além da clássica alpergata, oferece também as categorias de sucesso CLOGS, MARY JANES, MOC, MULE, TULIPAS, entre outras, e em 2025 acrescentará à sua oferta, as LACES, as PLATFORM MARY JANES e as SANDAL BIO.
Paez, walk the talk.
Saiba mais em paez.com ou siga-nos em @paezshoes no Instagram, Facebook, Linkedin, Pinterest e Tik Tok
Programa de Educação em Empreendedorismo – As Escolas da Universidade de Lisboa disponibilizam unidades curriculares partilhadas, em empreendedorismo e inovação.
Ago 23 2025
As Escolas da Universidade de Lisboa disponibilizam unidades curriculares partilhadas, em empreendedorismo e inovação.
Destinado aos estudantes de Licenciatura, de Mestrado ou de Doutoramento da ULisboa que procuram desenvolver novas competências e novas ideias empreendedoras, proporcionando a inscrição em Unidades Curriculares de várias Escolas da ULisboa, gratuitamente e com atribuição de créditos.
Aposta hoje no teu amanhã!
Como te podes inscrever?
- Os estudantes devem preencher formulário específico no Fénix ou nos serviços académicos da sua Escola de origem;
- Os serviços académicos da tua Escola de origem enviam o teu formulário para a Escola de destino, que confirma a existência de vaga e te inscreve no Fenix;
- A frequência das aulas, o calendário, o regime de faltas e a tua avaliação processa-se de acordo com os regulamentos e práticas pedagógicas e de avaliação vigentes na Escola de destino.
Que Unidades Curriculares podes frequentar?
1º ciclo – LICENCIATURA
1º semestre:
Entrepreneurial Finance, ISEG
Horário: 2ª e 4ª feira (14h30-16h30)
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo em Ciências, FC
Uma UC onde, juntando estudantes de várias áreas da ciência e tecnologia, se descobre o mundo do Empreendedorismo e Inovação, com foco no futuro do mercado de trabalho, e como o mindset empreendedor é crucial para o sucesso profissional.
Horário: 2.ª feira 10h-12h | 17h30 – 19h30 | 5.ª feira 10h – 12h
Calendário: a disponibilizar brevemente
Gestão Cultural, FL
Esta UC introduz os estudantes em métodos e práticas de gestão de projetos empreendedores orientados especialmente para o sector cultural e as indústrias criativas, desde a ideia e respetiva concetualização, passando pela contextualização e elaboração, até à respetiva formalização.
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
2º semestre:
Empreendedorismo para a sustentabilidade, ISEG
Esta UC permite identificar e validar ideias e modelos de negócios como foco em problemas de sustentabilidade (ambiental, social e corporativa), através da elaboração de um business model e sua apresentação através de um pitch.
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo & Inovação, FMH
Esta UC pretende sensibilizar-te e capacitar-te para a importância do empreendedorismo e da inovação, enquanto motores da economia, dando ferramentas e trabalhando competências que te permitem a futura criação do teu próprio negócio.
Horário: 6.ª feira das 9h – 13h
Calendário: 26 de janeiro de 2025 a 16 de maio de 2025
Empreendedorismo, IE
Ser empreendedor e educar para empreendedorismo! Uma UC onde se pode criar um projeto colaborativo inovador na área da educação e formação. Quais os principais aspetos a considerar? Ideia, formato, objetivos, caracterização, marketing e orçamento.
Horário: 5.ª feira 10h00-13h00
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo em Ciências, FC
Uma UC aberta a todas as áreas de estudo de 2º ciclo, onde consciencializar para a importância de conectar o conhecimento científico ao mundo e sociedade é o fator-chave.
Horário: 2.ª feira 10h -12h ou 4.ª feira 10h-12h ou 4.ª feira 17h-19h
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo e Inovação, ISCSP
Vem propor uma ideia empreendedora e elaborar o modelo canvas. Quem sabe não te tornas empreendedor(a)!
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
Gestão do Design e Empreendedorismo, FBAUL
Esta disciplina tem como objetivo aumentar o potencial competitivo dos alunos enquanto players do mercado: Ter uma percepção correta de Mercado. Propiciar uma reflexão informada acerca da participação do design na economia. Introduzir às estratégias e instrumentos de gestão.
Horário: 3ª feira (14h – 16h30m)
Calendário: a disponibilizar brevemente
2º ciclo – MESTRADO E MESTRADO INTEGRADO
1º semestre:
Empreendedorismo, ISEG
Esta UC apresenta as ferramentas necessárias para identificar, testar e amadurecer ideias de negócio, desenvolvidas através do método dos planos de negócios e business model canvas.
Horário: 4ª feira (9h30-11h30) (21h-23h)
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo Social, ISEG
Esta UC apresenta os conceitos de empreendedor social e empreendedorismo social, definição de tipos de empreendedorismo, ideias sociais para oportunidades sociais.
Horário: 3ª feira (13h – 16h)
Calendário: a definir
Gestão de Projeto e Empreendedorismo, FMH
Na UC de GPE pretende-se que desenvolvas o conhecimento sobre técnicas e ferramentas de gestão de modelos de negócios e de design de produtos e serviços para que consigas dar resposta aos constantes desafios societais, de uma forma sustentável, integrada e participativa.
Horário: Blocos de 3 a 4 horas (num total de 35 horas) a funcionar dentro do seguinte horário – 6.ª feira 13h30 – 17h30 ou das 17h30 – 22h00 (com meia hora para jantar), sábados 9h00-13h00 ou 13h30-16h30.
Calendário: a disponibilizar brevemente
Nota: Está condicionada à abertura do mestrado em Ergonomia
Empreendedorismo de Base Tecnológica, IST
Esta UC está focada na interação entre tecnologia, engenharia, inovação social/frugal, visando a criação e difusão de bens, serviços, modelos replicáveis e programas que respondem às necessidades sociais de indivíduos e comunidades vulneráveis no mundo.
Horário: a definir
Calendário: a definir
2º semestre:
Mindset Empreendedor, FC
Uma UC onde o foco é ajudar os estudantes a enquadrar os seus projetos num contexto que lhes permita aproximar a sociedade das suas áreas de estudo, com a exploração da perspetiva financeira e fontes de financiamento a ganhar particular destaque ao longo do semestre.
Horário: 2.ª feira 16h – 18h
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo e Inovação, ISCSP
Para conhecer as ferramentas de desenvolvimento de empreendedores, de organizações empreendedoras e de ecossistemas!
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
Empreendedorismo de Base Tecnológica, IST
Esta UC está focada na interação entre tecnologia, engenharia, inovação social/frugal, visando a criação e difusão de bens, serviços, modelos replicáveis e programas que respondem às necessidades sociais de indivíduos e comunidades vulneráveis no mundo.
Horário: a definir
Calendário: a definir
Nota: Os estudantes poderão candidatar-se aos E.Awards, prémio para os melhores projetos de inovação e empreendedorismo do Técnico. Mais informações
Inovação Produto e Processo, FBAUL
Consolidação dos princípios de Design como metodologia de Inovação – o que é, como se pratica, diferentes níveis e contextos de aplicação. Aquisição de conhecimentos a nível das metodologias criativas e de suporte ao processo de Design e de competências operativas na utilização do Design como ferramenta de Inovação.
Horário: a definir
Calendário: a definir
Entrepreneurship, ISEG
Horário: 5ª feiras (18h-20h)
Calendário: a disponibilizar brevemente
3º ciclo – DOUTORAMENTO
1º semestre:
Inovação e Empreendedorismo, FC
Como enquadrar projetos de doutoramento num contexto que aproxima a sociedade das suas áreas de estudo e explorar diferentes abordagens de financiamento futuro.
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
2º semestre:
Inovação e Empreendedorismo, FC
Como enquadrar projetos de doutoramento num contexto que aproxima a sociedade das suas áreas de estudo e explorar diferentes abordagens de financiamento futuro.
Horário: a disponibilizar brevemente
Calendário: a disponibilizar brevemente
A Universidade de Lisboa incentiva a interdisciplinaridade, favorecendo a mobilidade dos estudantes entre as várias Escolas (Despacho Reitoral nº 17/2022).
A oferta de uma formação em empreendedorismo e inovação é proporcionada e incentivada para todos os estudantes da Universidade de Lisboa. Sempre que os curricula dos ciclos de estudos contemplem a possibilidade dos estudantes frequentarem unidades curriculares optativas em áreas científicas diferentes das fundamentais desse ciclo de estudos, serão disponibilizadas vagas em unidades curriculares de empreendedorismo e inovação para mobilidade interna e inscrição por estudantes de qualquer Escola da Universidade de Lisboa (Despacho Reitoral n.º 161/2022).
coleção lições de arte e design da fbaul na exposição fedrigoni top award
Ago 23 2025
A coleção Lições de Arte e Design, editada pelo CIEBA-FBAUL, com coordenação do Professor Sérgio Vicente e design de Tomás Gouveia, ex-aluno da FBAUL, foi selecionada para integrar a exposição dos vencedores e finalistas do prémio Fedrigoni Top Award. A exposição teve lugar no Pavillon Gabriel, em Paris, no dia 5 de junho de 2025.
O Fedrigoni Top Award é um prestigiado prémio internacional que distingue projetos de design gráfico, editorial e packaging que se destacam pelo uso criativo e de elevada qualidade dos papéis Fedrigoni.
Entre centenas de candidaturas submetidas por designers e estúdios de todo o mundo, apenas os 100 melhores projetos, escolhidos por um júri internacional, foram selecionados para esta exposição.
que emoção! – exposição finalistas pintura 2023-2024
Ago 18 2025
29 JULHO > 23 AGOSTO 2025 I SALÃO DA SOCIEDADE NACIONAL BELAS-ARTES
Inaugura no dia 29 de julho, às 18h30, no Salão da Sociedade Nacional de Belas Artes, a exposição QUE EMOÇÃO! – Finalistas Pintura 2023-2024. A exposição ficará patente até 23 de agosto.
Será, no mesmo dia, lançado o catálogo da exposição.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário
2ª a 6ª: 12h/19h
sábado: 14h/19h
Que EMOÇÃO?
Sabemos o que é uma EMOÇÃO. Diversas ciências deram contributos nesse esclarecimento. De um modo sucinto, a EMOÇÃO é uma resposta complexa do organismo a um estímulo. Sabemos também que as emoções são cruciais para a nossa sobrevivência. Segundo Paul Ekman, existe um conjunto de emoções primárias que desempenham um papel primordial, sejam elas: a tristeza, o medo, a alegria, a repulsa, a raiva ou a surpresa. Todas elas são determinantes nas decisões que tomamos e que podem ter impacto na manutenção, ou não, do nosso bem-estar.
Parece-me pertinente adicionar o seguinte: o que pode uma EMOÇÃO proporcionar? Sem dúvida, uma das possibilidades mais desafiadoras é o seu potencial transformador. Nesse sentido, a arte, enquanto processo que potencia emoções, tem o poder de construir; tem o poder de regenerar sujeitos e de, sujeito a sujeito, melhorar pequenas comunidades. Talvez por isso a arte seja tão hostilmente tratada, até mesmo amputada, por certos regimes. A arte é uma liberdade transformadora, para quem a faz, para quem a vê e para quem a apoia.
Uma exposição de finalistas é mais do que uma EMOÇÃO: é um fim e um começo, é uma alegria e um susto, é satisfação com o passado e expectativa com o futuro – mas não será o futuro sempre expectante? … Que EMOÇÃO, esta é uma EMOÇÃO sentida com o corpo todo, é a EMOÇÃO de concluir a obra, a EMOÇÃO que a obra produz, a EMOÇÃO de a partilhar, a inquietação e o desassossego de ter terminado um ciclo de ensino.
Regressemos à exposição, à partilha, à razão de ser ou de produzir. Neste contexto, temos a EMOÇÃO do artista e a EMOÇÃO do público, ambas com o corpo todo, ambas com os tempos todos… mas peço-vos… esqueçam o instante. O humano não domina o instante. Apreciem, desfrutem, experienciem, contemplem. Os modos podem ser diversos, mas a EMOÇÃO, se se permitirem, pode ser grande. Consequentemente, a experiência, a EMOÇÃO mais transformadora, poderá ser, não a de procurar o que faríamos, mas a de encontrar o outro no que está diante de nós. A EMOÇÃO do eu está ontologicamente garantida e a arte pode ativar a EMOÇÃO com e pelo outro, encontrando-o no reconhecimento de procedimentos, de cores, de formas, de assuntos, relacionando-se corpo a corpo – o nosso corpo e o da obra. Neste diálogo, podemos pedir à obra que complete a EMOÇÃO que nos falta. Por um curto tempo que seja, permitam-se perderem-se com a obra e encontrar um território comum. Um território que, certamente, contribuirá para a descoberta de uma EMOÇÃO que será a razão de ser.
A EMOÇÃO tem a capacidade de compreender o passado, mas também tem o poder de transformar o que há de vir. Esta exposição é um balanço, não apenas para quem a vem ver, mas, sobretudo, para quem a produz – aquele que, ao recuar de costas para ganhar velocidade e aumentar a amplitude do salto que pretende fazer, conseguirá chegar mais longe. É assim que estes jovens artistas chegam a esta emblemática sala de exposição da cidade de Lisboa. As suas obras são heterogéneas como a celebração o exige, as dimensões, as técnicas, os formatos, as cores e os suportes, contêm as vontades de cada um destes artistas, incluem todas as suas EMOÇÕES, que se manifestam de diferentes modos, mas que têm um denominador comum: uma intensidade e uma energia máxima.
Não posso falar apenas de Pintura para me referir a esta exposição dos alunos da Licenciatura de Pintura da Faculdade de Belas Artes de Lisboa. Aqui, a pintura é um território que se constrói adicionando diferentes perspetivas, segundo um entendimento inclusivo. Criar é muito difícil e os limites devem ser os de cada sujeito singular, uma vez que a liberdade criativa tem de estar garantida. Se a pintura nos escapa no suporte, encontramo-la na cor; se nos escapa na matéria, é segurada pelo pensamento; se divaga do plano, reconhecemo-la na forma.
Estes alunos começaram esta licenciatura, maioritariamente em setembro de 2020, tendo iniciado o seu ciclo de estudos num dos mais singulares momentos da nossa história recente porque, no início do seu percurso académico, ficaram em casa. O ensino à distância dominou uma parte significativa dos seus estudos e, nesse período, a partilha de EMOÇÕES foi afetada e a aprendizagem em grupo, perturbada. Mas, em resposta a essa circunstância, o reencontro com a dimensão física – do toque, da matéria, do sorriso e do abraço – transformou-se em obra e matéria criativa, participando destes percursos de ensino-aprendizagem. Estes são sempre singulares, à semelhança do que acontece com a produção em arte, que afirma o carácter autoral e diferente de cada autor. Com ele se expõe e se dá a ver a EMOÇÃO que afeta cada um na sua procura e no seu desassossego pessoal, revelando o que Darwin associava a uma fragilidade social e cultural. Aqui, reescreve-se permanentemente o sentido da EMOÇÃO, na medida em que ela é sempre experienciada e partilhada na máxima intensidade e autenticidade.
Quando ao título da exposição (Que emoção!) adicionamos o título deste texto (Que emoção?), fica estabelecida uma citação direta a uma conferência que George Didi-Huberman pronunciou a 13 de abril de 2013, no teatro Montreuil, nos arredores de Paris. Neste sentido, a diferença na pontuação que distingue as duas frases amplia a experiência emocional. Se, por um lado, o ponto de exclamação se materializa numa entoação de excitação, entusiasmo ou surpresa, podendo constituir uma EMOÇÃO intensa e positiva, a frase na interrogação, por outro lado, formaliza uma questão, procurando identificar, quer o tipo de emoção ali presente, quer alguma dúvida e curiosidade que ela possa suscitar. Em suma, o uso destes dois sinais de pontuação cria um conflituante território de posicionamento, que convida a uma ampliação experiencial – que EMOÇÃO.
Nuno Sousa Vieira junho de 2025
min min lights, part l — exposição de maria leonardo cabrita
Ago 10 2025
07 > 27 AGOSTO 2025 I GALERIA BELAS-ARTES
Inaugura no dia 7 de agosto, às 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Min Min Lights de Maria Leonardo Cabrita.
Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.
Horário: 2ª a 6ª – 11h00 às 17h00; sábado – 11h00 às 16h00
Min Min Lights é um fenómeno luminoso noturno observável no deserto australiano, na região de Outback.
Estas aparições têm sido descritas como uma ou várias esferas de luz que surgem em movimento perto da linha do horizonte. Os relatos mais antigos entre os colonos remontam a 1918 quando um local declarou à polícia ter sido perseguido por uma luz sinistra durante uma viagem nocturna a cavalo. Nas diversas culturas dos aborígenes da região, contudo, o fenómeno faz parte de uma narrativa mais antiga, pertencente ao Tempo dos Sonhos, onde a realidade, os mitos e o espírito se entrelaçam.
Em 2002, o neurocientista John D. Pettigrew propôs uma explicação científica, classificando as Min Min Lights como miragens atmosféricas resultantes de refracções térmicas. Apesar desta elucidação, no entanto, o fenómeno continua a suscitar múltiplas interpretações revelando uma resistência colectiva à sua resolução.
Em 2024, Maria Leonardo Cabrita parte até às origens geográficas do fenómeno. Esta exposição apresenta os fragmentos desse percurso: A documentação do território australiano, arquivos e testemunhos de quem as viu, ouviu ou sentiu; objetos inspirados por encontros com o inexplicável; reflexões visuais e sonoras que dão corpo ao invisível. Tal como os observadores, a sua pesquisa acabou por levantar mais questões do que respostas. Min Min Lights parte I, reúne assim uma primeira busca a estas indagações. É uma exposição que convida a habitar o enigmático, assumindo-se no limiar do documentário e da ficção, da ciência e da imaginação.