téras — daphne klagkou exhibition

10TH > 28TH SEPTEMBER 2024 I FBAUL CISTERN

τέρας (téras)/ monstrum/ monster

Opening day 10th of September 17:00-21:00

Closing day 28 of September

In téras exhibition the artist Daphne Klagkou introduces us to her world of hybrid artworks and monstrous realities , created by both traditional and contemporary means. Ceramic and glass pieces are brought into existence aided by contemporary materials, hiding messages and interpretations as they seek their place into today’s world. Ancient Greek symbols and mythology have exerted significant influence on Western civilization. Not only have they been preserved, but they have also evolved to acquire new meanings.

As a Greek artist, Daphne has witnessed firsthand the complicated dynamics of today’s Greek society with these symbols, its identity issues, and the relations with the rest of the West. The intricate connections and forces that have contributed to shaping our present understanding have resulted in a transition of symbols and the creation of new imagery with different purposes.

The term “τέρας” (monster) is intertwined with numerous symbols and myths dating back to ancient times, transforming into folklore that persists in contemporary contexts. The associations with it can provide insights of present-day social, political and human issues. Monsters have been created with the beginning of civilization and the pursuit of understanding their essence has been an enduring intellectual quest throughout history. Today, we find ourselves compelled to once again question what defines a monster and ponder on our own way of thinking.

the paths we cross

17 > 27 SETEMBRO 2024 I GALERIA BELAS-ARTES

ATENÇÃO: Alteração da data de encerramento. A exposição ficará patente até 27 de setembro.

Inaugura no dia 17 de setembro, às 18h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição THE PATHS WE CROSS de Paola Quiñonez, Daphne Klagkou e Irene de Vilder.

Cada obra reflecte uma história única, permitindo uma compreensão mais ampla da intrincada teia da existência humana.

O trabalho de Paula Quiñonez aprofunda o tema da identidade, explorando as respostas individuais à sociedade moderna globalizada através de fortes simbolismos da cultura pop. Daphne Klagkou transforma materiais tradicionais em peças de arte contemporânea, promovendo um diálogo lúdico entre o passado e o presente; enquanto Irene de Vilder infunde objectos tradicionais, como vasos, com imagens modernas, acrescentando outra camada de interpretação. Apesar das suas diferenças temáticas, todos empregam métodos transformadores nas suas práticas artísticas, quer através de simbolismo, materiais ou imagens. Algumas obras procuram explorar a continuidade das experiências humanas e a forma como a nossa história colectiva informa as nossas realidades actuais, enquanto outras geram paradoxos visuais em que estes objectos se movem sem problemas entre o passado, o presente e o futuro.

A exposição tem a curadoria de Alexia Alexandropoulou e estará patente até 30 de setembro.

Horário: 
2ª a sábado – 11h00/17h00

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

palimpsesto — exposição de margarida alves e jorge camões

01 AGOSTO > 29 SETEMBRO 2024 I VÁRIAS ESPAÇOS DO MUSEU - JARDIM BOTÂNICO LISBOA

A exposição Palimpsesto explora o Antropoceno e a complexa relação entre o ser humano e a paisagem. No Jardim Botânico de Lisboa, uma barca Avieira do Tejo habita o espaço como uma presença-ausência, coexistindo com uma vídeo performance que regista o calor de um corpo na embarcação.

No interior do museu, vários tempos entrecruzam-se: a exposição expande-se como matéria cianotópica que se imiscui com poeiras antropogénicas, terras gretadas, canoas paleolíticas e processos de mineração. As obras artísticas convidam os visitantes a reflectir sobre a interação contínua e transformadora entre a humanidade e o ambiente natural.

Curadoria: Sofia Marçal

Entrada livre.

CONVITE

zona dolorosa — exposição de mariana meireles

© Itarcio Araujo Lima

16 > 24 SETEMBRO 2024 I CAPELA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 16 de setembro, às 18h00, na Capela da Faculdade de Belas-Artes a exposição Zona Dolorosa – Quando a dor passa a existir, de Mariana Meireles a convite do investigador Fabián Cevallos Vivar, curadoria de Inês Zinho Pinheiro.

Horário: 2ª a 6ª 11h00/19h00

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

A exposição parte de uma constatação simples: a dor é uma experiência autobiográfica portadora de uma neuro-assinatura congênita.

Exprime-se entre o limiar da palavra, a (i)mobilização do corpo e as formas silentes de se manifestar.

A série de imagens, cujo trabalho poético resulta de ensaios performáticos e analíticos advindos de uma pesquisa de pós-doutorado, confronta-se com a (pre)suposta (in)visibilidade da dor e suas formas substantivas de existir, originando-se da experimentação de narrativas e da proposição da imagem para além da apreensão visual. Gesto que inicia com a escuta, desdobrando-se nas fendas simbólicas de olhar, perceber e projetar o corpo que sofre. Ao seu modo, o acervo imagético tensiona a captura da vida pelo trabalho, indaga a ideia de automatização e padecimento, redimensionando o lugar do corpo e suas vicissitudes no estudo da profissão docente. Em “Zona Dolorosa”, a dor é projetada esteticamente enquanto fenômeno encarnado, despontando-se como possibilidade imaginativa de ver e de ser vista. Nesse sentido, o ato de ver confunde-se com o ato de pensar.

Este processo torna-se significativo, a partir do momento em que, laboriosamente, a dor recusa sua condição privada e incomunicável e, passa existir, subjetivamente, como matéria palpável nas imagens.

Ficha Técnica

Mariana Martins de Meireles é professora adjunta na Universidade Federal do Recôncavo da Bahia/Brasil. Atualmente desenvolve Estágio Pós-Doutoral no Programa de Pós-graduação em Educação e Contemporaneidade e no Instituto de Educação da Universidade de Lisboa. Doutora e Mestre em Educação e Contemporaneidade (UNEB). Licenciada em Geografia (UNEB).

Fabián Cevallos Vivar é investigador da FBAUL-CIEBA. Doutor em Pós[1]Colonialismos e Cidadania Global pela Universidade de Coimbra. Mestre em Educação Superior pela Universidade de Barcelona. Licenciado em Filosofia, Sociologia e Economia pela Universidade de Cuenca-Equador.

Inês Zinho Pinheiro é doutoranda no programa Artes Performativas e Imagem em Movimento (Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa). Mestre em Filosofia e História da Dança pela Roehampton University, Londres. Licenciou-se na Rambert School of Ballet and Contemporary Dance, University of Kent, Londres.

Itarcio Araujo Lima é fotógrafo e designer (Unijorge/Brasil). Artista de palavras e imagens, contrastes e composições, de silencio e barulho. Em períodos de dispersão e melancolia, a fotografia o faz se sentir real, conectando-o ao presente.

É impressão minha? – Por uma prática artística sustentável (noite europeia dos investigadores)

27 SETEMBRO 2024 I MUSEU NACIONAL DE HISTÓRIA NATURAL E DA CIÊNCIA

A atividade É impressão minha? – Por uma prática artística sustentável pretende sensibilizar o público para as potencialidades da utilização de materiais naturais e reciclados na prática da produção artística. Com esse objetivo, serão desenvolvidas várias experiências em que se criam impressões, desenhos e pequenas esculturas recorrendo a pigmentos e a corantes naturais, bem como a materiais reciclados.

Este projeto enquadra-se no âmbito da disciplina de Educação Artística em Museus e Centros de Arte, que foi frequentada no ano letivo de 2023/2024 por alunos/as do mestrado de Educação Artística, do mestrado de Museologia e Museografia, da Faculdade de Belas-Artes da Universidade de Lisboa, e do mestrado de Ensino das Artes Visuais, do Instituto de Educação da Universidade de Lisboa.

Esta atividade faz parte do programa da Noite Europeia dos Investigadores 2024, coordenada pela Universidade de Lisboa, através do Museu Nacional de História Natural e da Ciência, contemplará atividades online e mais de 400 atividades locais inspiradas na temática geral Ciência para Todos, Sustentabilidade e Inclusão.

entre formas — frederico penteado exhibition

02ND > 13TH SEPTEMBER 2024 I BELAS-ARTES GALLERY

Opening: 2nd september, 5PM

Between forms by Frederico Penteado shows a collection of works across various mediums: painting, animation and print and some objects of difficult definition. It is a retrosprective of the past decade where the author expresses his psycogeographical travels that delve into deeper existential meanings. His aesthetical reflexion and experiments reveal themselves in ambiguous and abstract shapes on the limit of narrative. 

Frederico Penteado is a multidisciplinary artist that divides his work between Europe and Asia, having exhibited in London, Milan, Lisbon, Hong Kong, Shanghai and Singapore. He frequently collaborates with artists in the field of photography, music and poetry and currently lectures art and design in China.

nossa terra nossa gente nossa luta, Visualidades Camponesas no Assentamento Zumbi dos Palmares

01 > 29 AGOSTO 2024 I CORREDOR AUDITÓRIO LAGOA HENRIQUES

Inaugura no dia 1 de agosto, às 16h00, no corredor do Auditório Lagoa Henriques, a exposição NOSSA TERRA NOSSA GENTE NOSSA LUTA, Visualidades Camponesas no Assentamento Zumbi dos Palmares, exposição de Leandro Souza a convite de Fábian Cevallos Vivar, com curadoria de Viviane Ramiro e Flávio Tonnetti. 

A exposição apresenta um conjunto de imagens criadas por moradores e agentes que atuam no assentamento Zumbi dos Palmares, localizado na região norte do estado do Rio de Janeiro, Brasil. A partir da questão: “Se o assentamento fosse uma imagem, qual imagem seria?”, as imagens compõem descobertas visuais junto aos assentados da reforma agrária no contexto da pesquisa de doutorado do artista-professor-pesquisador Leandro Souza. A ocupação das terras da Usina São João, em 12 de abril de 1997, evidencia um espaço de resistência e produção da vida através do trabalho, do estudo e da cultura. Assim, a mostra inspira olhares sobre o território conquistado a parir da luta pelo direito constitucional à terra e empreendida pelo Movimento de Trabalhadores Sem Terra (MST).

ORGANIZAÇÃO
Leandro Souza, doutorando pelo Programa de Pós-graduação em Ciências, Tecnologias e Inclusão, da Universidade Fluminense, investigador convidado (Bolsa PDSE/CAPES/2024) naFaculdade de Belas-Artes/ULisboa, mestre em Artes Visuais pela UERJ, artista-professor-pesquisador e Docente no Departamento de Artes Visuais do Colégio Pedro II – RJ.

CURADORIA
Viviane Ramiro, Doutora em Políticas Sociais pela UENF, Educadora e Agente da Comissão Pastoral da Terra (CPT).
Flávio Tonnetti, Professor do Centro de Ciências Humanas, Letras e Artes da Universidade Federal de Viçosa (UFV).

Horário: 
2ª a 6ª – 11h00/17h00
sábado – 11h00/15h30

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Marta Strambi: insurgência autobiográfica

Marta Strambi, Infrutescência, 2019

02 > 22 AGOSTO 2024 I GALERIA BELAS-ARTES

Inaugura no dia 2 de agosto, às 14h00, na Galeria da Faculdade de Belas-Artes a exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica.

Curadoria de Luís Jorge Gonçalves.

Horário: 
2ª a 6ª – 11h00/17h00
sábado – 11h00/15h30

Este evento é passível de ser fotografado e filmado e posteriormente divulgado publicamente.

Marta Strambi é Artista Visual. Pós-Doc, ESE, Porto, Portugal. Doutora em Artes, ECA, USP, São Paulo, Brasil. Mestre em Artes, IA, Unicamp, Campinas, Brasil. Especialista em Educação, FE, Unicamp, Campinas. Licenciada em Educação Artística com habilitação em Artes Plásticas, PUC de Campinas, Brasil. Aperfeiçoamento e habilitação Plena em Música e em Piano, Conservatório Carlos Gomes, Ribeirão Preto, Brasil.

Tem um largo percurso académico, na lecionação, orientações de teses e dissertações, participação em júris e numerosos artigos publicados. A sua obra artística já esteve presente em mais de 250 exposições em várias cidades do Brasil e em diferentes países, onde se inclui Portugal, Espanha, França, Países Baixos, entre outros países.

O trabalho de Marta Strambi une a investigação, com diferentes materiais, à reflexão sobre o estado do mundo. Desta união surgem formas que nos fazem refletir sobre o nosso quotidiano. Nas palavras de Mauricius Farina:

“As experiências de Marta Strambi como artista são articuladas a partir de argumentos críticos motivados pela vivência, para ela, prosseguir trabalhando é constantemente desafiar sua relação com a facilidade da vida e das formas prontas, com o esquema. Há uma motivação crítica que lhe impulsiona na constante experiência e na realidade cercada por uma fragilidade onde as opressões se manifestam. Seu trabalho, ao tratar dos modos de resistência, do vazio, da origem, da vida social em desequilíbrio, do veneno e do contraveneno, nos convida a refletir sobre uma resiliência necessária para sobreviver às emergências que acontecem na vida como uma constante distopia.” (A via das máscaras: as artes. Congresso no CSO 2021. Lisboa: Sociedade Nacional de Belas, 1104-1106)               

Na sua proposta de exposição Marta Strambi propõe trazer díspares matérias, com distintas funcionalidades. Nada surge do acaso. Manifesta as suas preocupações com as nossas vidas. Estamos constantemente a usar e abusar de materiais para os quais não damos importância, como os saquinhos de chá e as caixas de medicamentos, que resultam de uma tecnologia, que rodeia as nossas vidas. São banais para nós. No entanto, exigiram investigação, tecnologia, vários tipos de matérias-primas e muita energia para a sua produção. No final, utilizamos por breves segundos e tornam-se lixo.

A exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica, faz-nos refletir sobre as preocupações pessoais da artista, que devem ser as inquietações existenciais da nossa espécie. Estamos num momento, da nossa passagem pelo planeta Terra, que nos deve afligir a todos. Uma caixa de medicamentos, ou uns saquinhos de chá simbolizam a nossa incapacidade de realizarmos leituras integrais da realidade. Cada um se fecha no seu cosmos e responde unicamente à sua visão de mundo.

Esta exposição é uma chamada da atenção para os nossos problemas existenciais, que começam no quotidiano de cada um. Há uma mensagem sobre a sustentabilidade necessária. O planeta não suporta um crescimento constante. Há um limite. Deixamos neste processo o desperdício, que Marta Strambi chama a atenção com as suas imagens.

Tudo parte do nosso cérebro, a essência do nosso ser. Por isso Marta Strambi nos coloca perante o cérebro. Com as suas imagens podemos olhar para esse órgão ainda muito desconhecido para nós, mas que nos mantém vivos, em cada fração de segundo da nossa existência. Olhar para o cérebro humano é sempre um mistério, é vislumbrar o desconhecido. Torna-se indispensável olhar para exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica, como um manifesto necessário sobre as nossas atitudes.

Luís Jorge Gonçalves

Marta Strambi: insurgência autobiográfica

A exposição Marta Strambi: insurgência autobiográfica”tem um caráter retrospetivo. Está relacionada com aspetos autobiográficos na minha produção e será composta por objetos em grés, instalações, animação digital a partir de uma nanoarte e de imagens digitais, de bioartes (materialidades construídas a partir desse procedimento) e de uma videoarte.

As travessias que percorremos conduzem-nos aos nossos desígnios, sejam pelos aspetos mais insurgentes, correspondentes à realidade da vida, como na duvidosa obrigatoriedade do uso de medicamentos com ação de ingestão diária, ideia contida na obra Campo de forças que nos ajuda a reconhecer o sentido de si como motivo poético.

Também há que se recuperar aspetos de nossas memórias, projetando nessa exposição como nas obras Subjaz ao Cru (uma chuteira de futebol) e Vulnerável, um gravador contendo fitas cassetes, simulando fricções nos limites entre arte e vida. Essa inseparabilidade do autobiográfico, que ao simular ficções pode estar na compreensão dos limites desse território ou na sua contramão, onde um contém o outro e vice-versa também se insinua em outros lugares. Ao reaver os desejos de uma feminilidade, projetados em corpos políticos matéricos, como nas obras Robus, Molotove-me, Pronta Entrega e Pronta Entrega com Gordura, que se expõem em fragmentos, nos permite revisitar vivências e perceber o mundo através do nosso corpo, reaprendendo com ele.

Memory in Connection é tomada por uma tensão autobiográfica, conexão entre topologias: nano do ouro com uma imagem do cérebro, unidos em uma animação digital. As bioartes se posicionam, também sob o domínio da busca, de apreender resultados e curas, através de remédios e suas bulas, compondo trajetos que se mesclam na biocoisa, a matéria fundante. Similarmente, à Infrutescência faz a ação da cura pela reza, com um cacho de corpos de porcelana e tecido, composta de limões/seios e sementes naturais de laranja, fazendo às vezes de um terço.

Enfim, aqui se mesclam processos autobiográficos, tanto do espírito de uma realidade tensa, como de ficções que se dão no calor da hora, como traz a memória de um campo em questão, projeções de uma trajetória na arte. 

Marta Strambi

Knights of Time — hannah exhibition

09TH > 29TH JULY 2024 I FINE ARTS GALLERY

As a literary work converted into a pictorial and metaphorical series, “Knights of Time” is based on the poetics of the Portuguese language, which attributes multiple meanings to the word – Time.

Existing, without being tangible, sometimes chronological, sometimes atmospheric, equally musical, full of movements and events.

Time pierces us!

It summarizes Human existence, in seconds, minutes and hours, in long or short decades…

…where Humanity happens and produces.

Time:

we contemplate it,

we hurry it,

we value it,

we own it or not,

we share it,

and we lose it (because we are mortals).

We are Knights of Time!